Arte y Arquitectura

10. nov., 2022

VALESKA GERT.   En la década de 1920 en Berlín fue la pionera del punk

 

¿Pensabas que el punk era un invento de los 70? Piensa otra vez. Una bomba diminuta de color ravenette con cejas animadas, sombra de ojos azul descarada, piel blanca como la tiza y labios rojos estaba entonces por delante de la curva y ya había sentado las bases del movimiento punk en la década de 1920. Artista de danza, reina del cabaret, pantomima, actriz de pantalla grande y pequeña, escritora y sabia (también modelo desnuda y lavaplatos, inevitablemente), el enfoque inconformista de Valeska Gert inspiró a creativos, desde el expresionismo alemán hasta el movimiento punk de los años 70/80. Trabajó con leyendas como Federico Fellini, Bertolt Brecht y Greta Garbo y contrató nada menos que a Jackson Pollock y Tennessee Williams. Nina Hagen, colega provocadora alemana 'parecida' y 'madrina del punk', siempre viene a la mente como una comparación moderna.

 

Valeska Gert se adelantó tanto a su tiempo y fue completamente rudo en su enfoque del arte escénico, que cuando bailó el coito en el escenario en la década de 1920, una audiencia conmocionada llamó a la policía. En una pieza teatral de breve impacto, Der Tod (La muerte), interpretó su propia muerte ante un público boquiabierto pero fascinado. En otras ocasiones aparecía en el escenario y… simplemente se quedaba quieta, en un dramático intento de llamar la atención sobre todo el caos que la rodeaba.

 

Valeska Gert fue posiblemente una de las artistas marginales más memorables de nuestro tiempo. Usó todo el repertorio de su cuerpo y su incómoda presencia para contar historias socialmente críticas de vida, nacimiento, muerte, prostitución, orgasmo, género y estereotipos de una manera nunca antes vista, siempre fiel a su propia integridad y visión creativa. A ella le importaba un bledo si el público estaba incómodo, repelido, asqueado, desconcertado o agradecido, todo lo que contaba era la 'historia'. Tenía que ser su propio modelo a seguir, ya que no existía ninguno.

 

El público no sabía cómo categorizarla, era un fenómeno que nunca antes habían visto: una rebelde renegada imparable: fascinante, intrépida, anárquica, radical e intensa, mostrando un dedo bien cuidado al establecimiento y a las sutilezas de la convención. Cuando en 1916, en lo que generalmente se considera su debut en el escenario, Tanz in Orange (Danza en naranja), desafió el desarrollo de la danza de la época, Ausdruckstanz (Danza expresionista), declarándola aburrida y burguesa, diciendo: "Bailé toda las personas que el ciudadano recto despreció: putas, proxenetas, almas depravadas, las que se colaron por las rendijas”.

 

Gertrud Valesca Samosh nació el 11 de enero de 1892 de padres judíos, su padre fabricante de accesorios para sombreros. A los nueve años ya sabía que estaba destinada a bailar y definitivamente no seguir estudios académicos, lo que la lanzó directamente a la inevitabilidad de actuar para ganarse la vida. Durante la Primera Guerra Mundial tuvo que depender aún más de su propia creatividad para mantener al lobo alejado de la puerta mientras el negocio de su padre sufría. Se unió a un grupo de danza de Berlín y comenzó a desarrollar lo que se convertiría en su forma de danza característicamente provocativa y satírica. En una de sus autobiografías, Mein Weg (A mi manera, 1931), dice”, Me hice un disfraz de seda naranja. … Lleno de bravuconería, exploté como una bomba por las alas. Y los mismos movimientos que había bailado suave y con gracia en el ensayo ahora los exageré salvajemente. Con pasos de gigante atravesé el podio, mis brazos se balanceaban como un gran péndulo, las manos extendidas, la cara contorsionada en una mueca descarada. … El baile fue una chispa en un polvorín. El público estalló, gritó, silbó, vitoreó. Salí con una sonrisa descarada. ”

 

En la década de 1920, realizó una gira y actuó por toda Europa, en el cabaret Red Revue de Bethold Brecht, en Alemania, París, Londres y otros lugares: una pequeña caja de dinamita, una minicaricatura: audiencias burlonas, impactantes, alienantes e hipnotizadoras en igual medida. Luego comenzó a centrarse en la actuación en la pantalla grande, actuando en películas como Diary of a Lost Girl (1925), Joyless Street (1925) y The Threepence Opera (1931).

 

Debido a su herencia judía, se le prohibió actuar en el escenario en Alemania en 1933 y aterrizó en Londres, donde probó suerte en la actuación de cortometrajes (y también se casó con su segundo marido). Unos años más tarde, en 1938, emigró a Estados Unidos, donde posó como modelo desnuda y lavó platos mientras tramaba volver a ser una artista de cabaret. En 1941 abrió el Beggar Bar con su icónica decoración dispareja en Nueva York y empleó a Jackson Pollock y Tenessee Williams como ayudantes de autobús. Aparentemente, Williams se negó a juntar sus propinas y Gert encontró su trabajo "muy descuidado". Luego se mudó a Provincetown Massachusetts, donde abrió Valeska's.Tal era el mundo macabro de Valeska Gert que, después de reunirse y luego pelearse con Tenessee Williams en Massachusetts, todavía lo llamó como testigo en un caso judicial en el que la acusaba de tirar basura por la ventana y no pagarle a una pareja de baile.

 

Después de atravesar la Segunda Guerra Mundial en el exilio, regresó a Europa en 1947, primero a París, luego a Zúrich y a su amada Berlín, donde abrió Hexenküche (Cocina de brujas) en 1949 y Ziegenstall (Cobertizo de cabras) en la isla de Sylt. En la década de 1960, volvió a dedicarse al cine y actuó en Julieta de los espíritus (1965) de Federico Fellini, lo que provocó que varios directores jóvenes alemanes la aceptaran y la eligieran para papeles de cine y televisión. Cuando Werner Herzog rehizo Nosferatu , ella fue elegida para un papel, pero falleció quince días antes de que comenzara la filmación, a la edad de 86 años, el 16 de marzo de 1978. Su buzón supuestamente estaba lleno, con innumerables cartas de jóvenes punks. que esperaban conocerla.

 

Se puede decir que ella estaba tan adelantada a la curva que las audiencias solo décadas después se pondrían al día y registrarían adecuadamente sus contribuciones y su genio insondable. En una charla con Radio Leipzig en la década de 1930, Valeska Gert comentó sobre la calidad de la atemporalidad y la universalidad de las contribuciones artísticas y dijo : “Nuestras obras... aparecerán atemporales para las generaciones futuras solo si son lo suficientemente profundas. Entregarán un mensaje que pasará de generación en generación y que revelará que todos somos humanos, todos tenemos que seguir las mismas leyes, todos tenemos que luchar, todos tenemos que morir”. Recientemente, una exhibición en el Hamburger Bahnhof de la National Gallery celebró la contribución de Valeska Gert al punk y su inspiración para el movimiento punk de Alemania.

 

Álbum de fotos:

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Fuente:

 https://www.messynessychic.com/in-1920s-berlin-she-was-the-pioneer-of-punk/

 

 

 

 

31. oct., 2022

Milton Ernest Rauschenberg (Port Arthur, 1925-Captiva Island, 2008), quien desde muy temprano adoptó el nombre de Robert, nació en Port Arthur, Texas. Su madre Dora Carolina Matson, tenía ascendencia holandesa. Su padre, Ernest Rauschenberg, era de ascendencia alemana y cherokee. Ambos eran cristianos fundamentalistas. Tuvo una hermana menor llamada Janet. Llevaban una vida provinciana y austera. Fue reclutado para la Marina en 1944 y es asignado al Hospital de la Marina de San Diego donde se desempeñó como enfermero en la sección de enfermos mentales hasta su alta un par de años después. De los viajes realizados, cuando obtenía permiso para salir del Hospital, nace su interés por el arte y es así como decide profesionalizarse en el área. Se matricula primero en el Kansas City Art Institute y luego en París en la Academia Julián donde se sintió incómodo con el idioma y con la orientación académica de esta escuela.

 

En Francia conoció a Susan Weil (1930), también norteamericana. En 1948 decidieron inscribirse en el Black Mountain College. Susan y Robert se casaron en 1950 y tuvieron su único hijo en 1951. La pareja se separa en 1952 y se divorcian en 1953. Durante este período tenían residencia en Nueva York que alternaban con el College. Ambos realizaron obras en colaboración. Debido a la precaria economía de la pareja tenían que usar materiales baratos. Por ello decidieron experimentar con papel para heliografías, económico por entonces: desenrollaban el papel sobre el piso, creaban composiciones poniendo objetos sobre él y repasándolos con una lámpara portátil haciendo impresiones tamaño natural de los mismos. Luego incluyeron sus cuerpos enteros. Aunque existe registro de estos trabajos, solo sobrevive Female Figure de 1949. Estas experiencias repercutirán años después, en 1968, en la creación de Booster, una litografía de su cuerpo radiografiado tamaño natural, catalogada entre sus obras más importantes.

 

La Black Mountain College fue una universidad privada Fundada por John Andrew Rice que funcionó en Carolina del Norte entre 1933 y 1957. Desde 1941, contó con sus propias instalaciones, construidas por algunos profesores junto a estudiantes; ubicadas al lado de un lago llamado Edén. En Black Mountain se implementó un novedoso sistema educativo, en el cual el estudio del arte era el núcleo de la educación. El pensamiento del filósofo John Dewey (1859-1952) considerado el padre de la pedagogía progresista fue una influencia importante para la concepción de esta universidad. Ofrecía una educación interdisciplinaria, lo que atrajo a artistas, poetas y diseñadores que se convirtieron en profesores del College. La administración y gestión se llevaban de forma colegiada entre alumnos, profesores y las esposas de estos últimos. Empezó con 13 profesores para sólo 21 alumnos. El alumno se convertía en el verdadero eje de toda la enseñanza.

 

La creación y primeros años de la universidad coincidieron con la gran recesión económica norteamericana y con la Segunda Guerra Mundial, esto atrajo a estudiantes alemanes y a quien fuera su segundo director Josef Albers (1888-1976) junto a su esposa Anni Albers (1889-1994), quien también era una destacada artista del textil, de allí que se le conozca también como la Bauhaus norteamericana. Esto sin olvidar el Chicago’s New Bauhaus/Instituto de diseño fundado por el importante artista y también profesor de la Bauhaus László Moholy-Nagy (1895-1946), institución más enfocada en el diseño industrial. La educación en Black Mountain nunca estuvo ligada al concepto de lo industrialmente útil ni tampoco Black Mountain estuvo subsumido por cuestiones políticas nacionales. No se trataba de una escuela de artes sino de estudios liberales que ponía al arte en el centro de un experimento pedagógico.

 

En un ejemplar de la revista Time en 1948, Rauschenberg leyó sobre Albers y sus métodos de enseñanza y atraído por ello decidió a matricularse en la Black Mountain College. Una vez inscrito en los cursos Robert se convirtió para su maestro Albers en ejemplo sobresaliente de lo que no debía hacerse. Sin embargo, en esta universidad conoció a John Cage (1912-1992), quien era ya un compositor de vanguardia establecido y a la postre se convertiría en figura seminal de la neo-vanguardia norteamericana desde los años cincuenta. Cage, al igual que Rauschenberg, se había alejado de su mentor Arnold Schoenberg en una búsqueda más experimental. Cage sirvió de estímulo para Rauschenberg quien contó con su apoyo y amistad haciéndose colaboradores artísticos durante años. En Black Mountain se realizó una de las obras más importantes en la historia del arte interdisciplinario, Pieza de teatro N° 1 de Cage en 1952. El primer happening a consideración de muchos.

 

En Black Mountain College, Rauschenberg conoció a Buckminster Fuller, Robert Motherwell y Franz Kline. Allí experimentó variedad de medios artísticos: grabado, dibujo, fotografía, pintura, escultura, danza y teatro; presentando en ocasiones combinación de estos. Allí creó sus célebres White Paintings en 1951, algunas de ellas exhibidas en el contexto de la acción precursora Pieza de Teatro N°1 comentada. Ese mismo año también realizó las pinturas negras Night Blooming producidas presionando guijarros y grava en pigmento negro sobre lienzos previamente preparados con texturas realizadas con papel periódico. Un par de años después en Nueva York realizó su última serie monocroma, las Red Paintings. Estas series, en especial las blancas y las negras no llamaban la atención por una particular pincelada, funcionaban como tabula rasa y su interés era operar como espejos de su entorno registrando en su superficie distintas condiciones lumínicas y las sombras proyectadas en la superficie de los espectadores. Se observa en estas obras la influencia del Budismo Zen de las lecciones de Cage y también la herencia de la reducción formal y la aplicación básica del color al plano inculcados por Albers.

 

Otra gran figura, fundamental para la danza posmoderna, la coreógrafa Trisha Brown (1936-2017), fue muy cercana al artista y mantuvieron exitosas colaboraciones durante cinco décadas desde los sesenta cuando se conocieron en las clases de Cunningham. Estas colaboraciones fueron fundamentales para el desarrollo de sus investigaciones de lo visual y lo cinético. Brown y Rauschenberg se influenciaron profundamente el uno al otro. Brown habló de su «extraña conexión» que cimentó su amistad de toda la vida e impulsó sus numerosas colaboraciones en presentaciones. Tras la formación de Trisha Brown Dance Company en 1970, Rauschenberg fue presidente de la junta convirtiéndose en un ferviente defensor de esta prestigiosa empresa durante toda su vida.

 

Luego de separarse de su esposa Rauschenberg sostuvo relaciones íntimas con el también reconocido artista Cy Twomly. Entre otoño de 1952 y primavera del año siguiente viajaron por Italia y por el Norte de África. Durante esta estadía en Europa produjo collages y esculturas de pequeño formato, se trata de las series Feticci Personali y Scatole Personali a partir de materiales encontrados. Los expuso en la prestigiosa Galleria L’Obelisco de Florencia y Roma. Los Feticci estaban constituidos por pieles de animales, madera, cuerda y pequeños objetos; estaban inspirados en artefactos rituales africanos. Hoy todos han desaparecido. Fue la primera vez que aplicó la colocación de elementos suspendidos en su trabajo, técnica que perfeccionará y aplicará recurrentemente durante décadas. Los Scatole se tratan de ensamblajes realizados con objetos encontrados e intervenidos algunos de ellos. A pesar de haber recibido alguna crítica desfavorable en la prensa se vendieron varias obras. De vuelta en Nueva York los dos artistas realizaron una exposición en la Stable Gallery en 1953.

 

Para 1953 el expresionismo abstracto estaba en auge y uno de sus exponentes más encumbrados era Willem de Kooning (1904-1997). Siendo un artista todavía poco conocido, Rauschenberg se acercó a De Kooning para solicitarle un dibujo suyo participándole que era con la intención de borrarlo y este accedió obsequiándole un dibujo que era muy apreciado para él y difícil de borrar. Le llevó un mes borrarlo y al concluir enmarcó el dibujo con una placa que lo identificara con el nombre: Erased de Kooning Drawing (1953). Esta obra ésta catalogada entre las precursoras del arte conceptual. Varias de sus experimentaciones son referencias en ese sentido. Otro ejemplo importante al respecto es This is the First Half of a Print Designed to Exist in Passing Time (esta es la primera mitad de una impresión diseñada para existir con el paso del tiempo) de 1949. Un cuaderno engrapado y amarrado con el título en la portada y 14 xilografías en su interior continentes de una secuencia en la que una superficie negra aparece cada vez más rasgada por líneas blancas que la atraviesan. También Automobile Tire Print de 1953 en la que estampó la huella de un neumático utilizando un automóvil como prensa. En 1961, Rauschenberg exploró un enfoque conceptual más radical al presentar una idea como la obra de arte. Invitado a participar en una exposición temática en la legendaria Galería Iris Clert de París. Los artistas fueron convocados para presentar un retrato de Clert. La colaboración de Rauschenberg para la exposición consistió en un telegrama que declaraba «Este es un retrato de Iris Clert si yo lo digo». Al principio desechado por la galerista, luego decidió incluirlo en la exposición.

 

En 1953 conoció a Jasper Johns con quien también sostendrá una relación íntima. Ambos catalogados como los principales representantes del Neo-Dadaísmo. Rauschenberg tuvo influencia directa de los collages de Kurt Schwitters y de los Ready-Made de Marcel Duchamp a quien conoció en 1960 en Nueva York y con quien entabló amistad. Durante los años cincuenta para mantenerse Rauschenberg realizaba diseños de vitrinas para Tiffany & Co. y Bonwit Teller, primero con Susan Weil y luego en sociedad con Jasper Johns utilizando el seudónimo de Matson Jones. A mediados de los años cincuenta se producen las obras más célebres del artista, los combinados, se trataba de obras tridimensionales que incorporaban elementos pictóricos y escultóricos aportando una síntesis que causó conmoción en la escena artística de entonces. Entre los primeros ejemplos se encuentran Collection y Charlene y los más celebrados, catalogados obras maestras Odalisque, Bed y Monogram. Son montajes que entrelazan los temas y su significado con la abstracción. En palabras de Tilman Osterwold:

 

Con algunas de estas obras realiza su primera exposición en la Galería Leo Castelli en 1958, galerista con el que sostendrá una relación por el resto de su vida. En aquella exposición la única obra que se vendió fue la célebre Bed de 1955, adquirida por el propio Castelli. Bed se trata de la colcha de su cama extendida sobre un bastidor, al que previamente se tensó una sábana y también se incluyó una almohada, elementos a los que aplicó estratégicamente pintura y colgó en la pared. La obra provocó polémica. Hoy forma parte de la colección del MoMA. En el caso de Monogram, justamente se llama así por haberse convertido en la obra que más identifica al artista y se ha visto en ella un poderoso fetiche sexual, una imagen de la cópula con la consecuente comparación con Duchamp. Ese mismo año de 1958, junto a Jasper Johns, organiza una presentación retrospectiva del trabajo de John Cage desde 1934 hasta ese momento. Se trató de un concierto histórico en el Town Hall del ayuntamiento de Nueva York.

 

También en los años de la Black Mountain realizó cursos de fotografía. Empezó a tomar fotografías antes de dedicarse a la pintura y será un recurso que utilizará durante toda su vida. Interesante ejemplo lo constituye CY and Roman Steps (1952) en la que aplica el sistema de secuencia y serie, y cuya progresión evoca a This is the First Half of a Print Designed to Exist in Passing Time de 1949. Desde 1958, el artista desarrolla una técnica de transferencia para instrumentar el uso de imágenes fotográficas aparecidas en prensa transferidas directamente al lienzo. Desarrolló está técnica durante la producción de la serie Thirty-Four Illustrations for Dante’s Inferno (1958). Una serie de dibujos transferidos que ilustran los treinta y cuatro cantos del Infierno de Dante. Se asesoró con el especialista en la obra del poeta florentino Michael Sonnabend y le proporcionó un contexto contemporáneo al poema al incluir figuras populares como John F. Kennedy.

 

En 1959 participa en la documenta 2, Kassel, Alemania y en las bienales de Sao Paulo y París. Desde inicio de los sesenta también las pinturas de Rauschenberg incorporarían objetos e imágenes encontradas. Conoció a Andy Warhol en 1962, fueron amigos y compartieron técnicas por algún tiempo. Rauschenberg comenzó a utilizar un proceso de serigrafía para transferir fotografías al lienzo. Las pinturas en serigrafía realizadas entre 1962 y 1964 constituyen el período del trabajo de Rauschenberg más relacionado con el arte pop. Ejemplo sobresaliente de este período es Buffalo II (1964). Vendida en 2019 por 88.8 millones de dólares. En 1963 se realiza la primera exposición retrospectiva de su obra en la Galerie Sonnabend, París. Esta exposición itineró al Museo Judío de Nueva York para luego presentarse al año siguiente en la Galería Whitechapel en Londres. En 1964, Rauschenberg fue el primer artista estadounidense en ganar el Gran Premio en la Bienal de Venecia. Desde entonces gozó de un importante apoyo institucional. Participó con tres obras Express (1963), Studio Painting (1960-61) y Tree Frog (1964).

 

Las obras de esta época están muy relacionadas con el action painting, aunque el artista subvierte el expresionismo abstracto al despersonalizar su dinámica expresiva característica sustituyéndola y mezclándola con procedimientos mecánicos para implementar imágenes figurativas que suprimen la expresividad de las formas abstractas características de aquel movimiento. Estableciendo una comunicación entre el contenido y la forma estas obras resultaron novedosas en su momento, incluso rompedoras respecto a la de sus colegas abstractos, y obtuvieron una recepción exitosa. Sin embargo, esto fue posible no sólo a que el expresionismo abstracto allanó el camino, sino a que estas obras asimilaron e instrumentaron muchos de los procedimientos de aquellas de manera que el Neo-dadaísmo no resultaría tan antagónico al expresionismo abstracto como fue percibido por aquellos años.

 

El curador David Galloway subraya como un factor determinante para el desarrollo de la obra de Rauschenberg y sus colegas del Pop Art, el acceso a formidables talleres a precios irrisorios debido a que muchas fábricas que hasta entonces habían funcionado en las afueras de la ciudad estaban abandonando sus espacios por problemas de tráfico, almacenamiento, altos costos e impuestos. Esto propició lo que se dio en llamar el Loft Movement. Fue así como en su taller en Nueva York Rauschenberg pudo pintar cuadros y construir objetos a una escala tan monumental como difícilmente le habría sido posible producir en casi cualquier otro lugar. Desde los primeros Combinados, el artista experimentó con la tecnología introduciendo radios, relojes, ventiladores, etc.

 

Desde 1966, inició colaboraciones con el científico Billy Kluver de Bell Laboratories. Juntos desarrollaron las experiencias más ambiciosas de Rauschenberg en el campo de la tecnología. Ejemplar resulta Soundings (1968), instalación de luz que respondía al sonido ambiental. Desde 1966, crearon una fundación sin fines de lucro EAT (Experiments with Arte and Tecnología) con el propósito de “servir de catalizador en la inevitable reunión entre la industria, la tecnología y el arte”. El proyecto más ambicioso adelantado por la fundación fue el Pabellón de Pepsi-Cola presentado en la Expo70 de Osaka, Japón. E.A.T. sirvió de puente para el proyecto del Museo Lunar de Forrest Myers en 1969. El artista ideó una oblea cerámica en la que fueron grabados los dibujos de cinco reconocidos artistas y uno del propio Myers utilizando técnicas usadas para producir circuitos de teléfono. Se crearon cerca de veinte de estas obleas y una fue instalada en el módulo de aterrizaje lunar del proyecto Apolo 12 de la NASA. Colaboraron con Myers: Robert Rauschenberg, David Novros, John Chamberlain, Claes Oldenburg y Andy Warhol. En 1968, la NASA lo invita a visitar el Kennedy-Space-Center para tratar desde un punto de vista artístico el despegue de la nave Apolo. Creó la serie de litografías Stoned Moon en la que combina diagramas e imágenes de archivo de la NASA con sus propios dibujos y textos. En 1967 se le otorga, junto con Martin Luther King, un doctorado honoris causa del Grinnel College, Iowa.

 

Desde 1970, Rauschenberg se muda a su casa estudio en Captiva, Florida. En este lugar establecerá su centro de operaciones de forma definitiva. Proclive a viajar por el mundo y con una energía creativa que llevó al crítico Robert Hughes a definirlo como «El más vital de los artistas» desarrolla una actividad permanente. Desde este momento, su trabajo se desarrollara serie tras serie, siempre experimentando y generando un lenguaje propio, nunca dejó de fotografiar, construyendo un gigantesco cuerpo de obras y archivos que en buena medida se encuentran hoy en la Robert Rauschenberg Foundation en Captiva.

 

Sin embargo, su medio predilecto y en el que parece alcanzar mayor maestría es la gráfica. Desde principios de los años sesenta realiza sus primeras litografías en el taller de Tatyana Grosman y ya a finales de esa década trabajaba con los dos mejores impresores de USA: Grosman en la costa oeste y con Kenneth Tyler, director del prestigioso taller Gemini en Los Ángeles. En los Gluts, su última serie de esculturas producida entre 1986–95 ensambla objetos de metal: señales de tráfico, tubos de escape, rejillas de radiadores o persianas. «Vivimos en una época de excesos. La avaricia es ilimitada», explicó el propio Rauschenberg refiriéndose a esas obras para los cuales se inspiró en la crisis económica de su Texas natal, derivada de los excedentes (glut en inglés) de petróleo existente en el mercado. 

 

Álbum de fotos:

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Fuente:

https://revistaestilo.org/2021/08/29/robert-rauschenberg-en-la-raiz-de-lo-interdisciplinario/

 

 

 

 

 

31. oct., 2022

 

El futurismo fue un movimiento de vanguardia italiano que se dio a conocer el 20 de febrero de 1909, cuando el diario Le Fígaro publicó en París el Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Pretendía expresar los valores y experiencias de la era de la máquina —velocidad, energía y fuerza—, revolucionando las técnicas y el lenguaje de la literatura y las artes. Por ello, asumió como nombre el término futurismo, que significa 'movimiento orientado hacia el futuro'.

 

Nace como un movimiento literario, pero un año después de la publicación del manifiesto, el futurismo se cuela entre los artistas italianos, que, imitando a su fundador, se expresan en la publicación de varios manifiestos. A saber: Manifiesto de los pintores futuristas (1910); Manifiesto de la escultura futurista (1912); Manifiesto El arte entre los ruidos, dedicado a la música (1912), y Manifiesto de la arquitectura futurista (1914). Aunque el futurismo fue un movimiento italiano, ejerció un importante impacto internacional gracias a su capacidad de autopromoción y su radicalidad. Influyó en artistas como Marcel Duchamp y Joseph Stella, este último radicado en Nueva York. Del mismo modo, influyó en tendencias como el cubofuturismo y el rayonismo ruso.

 

Características:

1.- Ruptura con la tradición estética

El rechazo a la tradición estética del siglo XIX fue un elemento común de todos los movimientos de vanguardia, incluido el futurismo. Aquella generación estaba cansada de la estandarización del arte, y captaba que el mundo había cambiado. El arte debía cambiar también.

2.- Celebración de la era de la máquina

El futurismo se gestó en las postrimerías de una generación signada por la Segunda Revolución Industrial (1870-1914), en la que la dupla conocimiento científico y tecnología era responsable de una profunda transformación. Había quienes veían esto con desconfianza; pero los futuristas veían el augurio de un tiempo glorioso dominado por la máquina. La utopía futurista alcanzaba, incluso, la idea del ser humano, que aspiraban se convirtiera en un superhombre. Automóviles, telégrafos y aviones lucían ante los futuristas como un verdadero salto cualitativo de la civilización, como una promesa universal inagotable de evolución.

3.- Inquietud por la cuarta dimensión (el tiempo)

El tiempo ocupa un papel protagónico en el arte futurista. No puede ser de otro modo si el movimiento funda su nombre en la dialéctica del tiempo. Asumir como nombre el término "futurismo" implica una reflexión respecto del pasado y del presente. Sin embargo, no queda claro si la mirada del futurismo estaba en el porvenir o en una toma de posición respecto del pasado. Al menos en cuanto a la pintura, el historiador Eric Hosbbawm señala que esta y otras vanguardias, adolecieron de una gran paradoja: interpretar la era del maquinismo con medios pictóricos del siglo XIX, como la pintura de caballete.

4.- Glorificación del patriotismo, la violencia y el machismo

El futurismo se identificó con el nacionalismo extremo. De ahí que lo consideraran, años más tarde, como un antecedente del fascismo. Sus escritores y artistas se convirtieron en promotores abiertos del militarismo y de la guerra, al punto de que muchos se alistaron en la Primera Guerra Mundial. La mayoría murió en el frente de batalla, otros fueron gravemente heridos. Esto precipitó el fin del movimiento, aunque no de la estética. Richard Humphreys sostiene: “Para ellos, el futurismo era una filosofía de vida, con gran preocupación política, y enraizada en el rechazo de un conjunto de fuerzas, que ellos creían hostiles al crecimiento y a la modernización de Italia. La insistencia en la destrucción de la herencia de Italia es parte de ese rechazo. La acción violenta, ya fuera en la vida o en el arte, fue considerada el antídoto contra el letargo político, cultural y psicológico.” La pulsión entre sexualidad y máquina también se hizo sentir en el futurismo, abiertamente opuesto a cualquier iniciativa o perspectiva feminista.

5.- Exaltación de la velocidad como Belleza

¿Cómo expresar la era de la máquina en el arte? La máquina significaba para los futuristas movimiento, revolución en su sentido técnico y social a la vez. Por esto, pretendieron interpretar el movimiento y la velocidad en la obra artística, ya en el lienzo, en la materia o en la palabra. Lo mismo ocurría con la energía y la expresión de la fuerza. El objetivo era captar la forma de la velocidad descrita en el espacio, el ritmo y la vitalidad. Sin embargo, de acuerdo con el investigador Richard Humphreys en su libro Futurismo: movimientos en el arte moderno, el futurismo quiere expresar la velocidad y el movimiento, pero pocas veces las máquinas se encuentran representadas en sus obras.

6.- Diálogo con otras estéticas y vanguardias

El futurismo no permaneció ajeno a las influencias del arte y la estética contemporáneos. En el Diccionario del arte del siglo XX, Ian Chilvers sostiene que, en cuanto a las artes plásticas, el futurismo recibió la influencia del divisionismo, basado en la descomposición de la imagen en puntos de color, y del cubismo, que incorporaba múltiples planos en uno solo.

 

Literatura futurista

Desde el punto de vista formal, las características de la literatura futurista fueron las siguientes:

Libertad de la palabra como eje rector.

Valoración de la escritura como fenómeno gráfico, es decir, visual.

Revolución tipográfica: uso de diversas fuentes, colores y criterios de diagramación.

Destrucción de la sintaxis como principio fundador.

Ruptura con la métrica.

Uso de barbarismos e infinitivos.

Recurrencia de exclamaciones e interjecciones para realzar la vitalidad.

Uso arbitrario de los signos de puntuación.

 

Pintura futurista

En cuanto a las artes plásticas, el futurismo fue mucho más activo y prolífico en la pintura que en la escultura. Ambas comparten, sin embargo, principios semejantes. Entre las características de la pintura futurista, al nivel formal, contamos las siguientes:

Principio de “líneas de fuerza”, que favorecía la interrelación y fusión entre los objetos y su entorno.

Principio de continuidad del espacio plástico.

Ritmo y dinamismo.

Color vibrante y enérgico en la pintura.

Angulosidad frecuente.

Descomposición geométrica.

Cruzamiento de diferentes planos en un plano único.

Uso de la técnica de exposición fotográfica múltiple (secuencia de imágenes sucesivas en un segundo que, al superponerse, generan la percepción del desplazamiento), creada por Giacomo Balla.

 

Autores

Filipo Tommaso Marinetti (1875-1944). Escritor, poeta, dramaturgo, ideólogo y editor. Fundador del futurismo. Manifiesto futurista; Mafarka el futurista; Los indomables.

Mario Carli (1888-1935). Novelista, ensayista, poeta, periodista y diplomático. Mi divinidad; Arditismo.

Julius Evola (1898-1974). Filósofo, ideólogo, esoterista y pintor. Revuelta contra el mundo moderno; Cabalgar el tigre.

 

Artistas plásticos

Giacomo Balla (1871-1957). Pintor y escultor. Velocidad de automóvil; Lámpara de arco; Dinamismo de un perro con correa.

Umberto Boccioni (1882-1916). Pintor y escultor. Escritor del Manifiesto de la escultura futurista. Escultura: Formas únicas de continuidad en el espacio. Pintura: Dinamismo de un ciclista.

Carlo Carrà (1881-1966). Pintor. Funeral por el anarquista Galli.

Gino Severini (1883 - 1966). Pintor. La bailarina obsesionante, Bailarina azul, Norte-Sur.

Luigi Russolo (1885-1947). Pintor y compositor. Escritor del manifiesto El arte de los ruidos. Entre sus pinturas: Dinamismo de un automóvil. Entre su música: Il risveglio di una città.

Antonio Sant'Elia (1888-1916). Arquitecto. Escritor del Manifiesto de la arquitectura futurista. Proyecto Città Nuova.

 

Álbum de fotos: 

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Fuente:  Andrea Imaginario. https://www.culturagenial.com/es/futurismo/

 

 

 

 

25. oct., 2022

Joe Colombo, el diseñador del futuro

Joe Colombo fue un diseñador audaz y moderno. Un adelantado a su época, que combinaba una base científica con un poemario formal que aplicaba a sillas, muebles multifuncionales y lámparas. Y aunque su participación en la historia del diseño fue breve, murió en 1971 a la edad de 41 años, eso no le impidió dejarnos un brillante legado repleto de innovaciones tecnológicas. Desde Universale, la primera silla totalmente fabricada mediante la técnica de moldeo por inyección producida por Kartell, hasta el polivalente carrito Boby, creado para los espacios del futuro.

 

Nacido en Milán en 1930, Cesare Colombo, apodado Joe, estudió pintura y escultura en la Academia de Bella Artes de Brera en Milán donde se unió a un grupo avant garde, el Movimento Nucleare, que experimentaba con la pintura abstracta. Movido por la enérgica inquietud que le caracterizaba, en 1953 se sumergió en el mundo del diseño y cuando heredó junto a su hermano Gianni la fábrica paterna de componentes electrónicos se lanzó al diseño industrial, experimentando allí con los últimos procesos de producción y plásticos recientemente desarrollados como la fibra de vidrio, el ABS, el PVC y el polietileno.

 

En 1962, Colombo abrió su propio estudio de diseño en viale Piave en Milán donde trabajó en proyectos arquitectónicas y en la concepción de “las casas del mañana”. Su visión futurista del diseño le llevo a prever los cambios en nuestra forma de habitar. “Las posibilidades que conlleva el extraordinario desarrollo audiovisual son enormes. Las repercusiones en nuestra manera de vivir podrían ser considerables. La gente podrá estudiar en casa lo mismo que trabajar desde allí. Las distancias dejarán de tener tanta importancia”, llegó a afirmar.

 

Desde su estudio desarrolló piezas tan icónicas como el el sillón Roll con rodillos de cromo cubiertos de cuero, la butaca-icono Elda, el primer mueble de grandes dimensiones que usaba fibra de vidrio o la potente Tube como un kit de tubos acolchados combinables. Pero también produjo novedosas soluciones como su Visiona, un hogar dividido en áreas que son células individuales, las Unidades de Mobiliario Total, unas estructuras de plástico que transformaban los espacios domésticos: el salón se podía convertir en el dormitorio con sólo cerrar unas puertas y abrir otras, o la Minikitchen, un carrito que incluía fogones, nevera y cajones.

 

Todavía hoy, casi 50 años después de su muerte, muchos de sus productos, son parte de nuestro día a día y nos hablan de un futuro mejor.

Sillón Joe Colombo o 4801 — Kartell

El sillón Joe Colombo de Kartell es una reedición de un clásico del diseño moderno, originalmente diseñado en 1965. Considerado como un auténtico símbolo del diseño de los sesenta, el sillón se exhibe en algunos de los museos más importantes del mundo como el MOMA de Nueva York, el Victoria & Albert en Londres y el Centre Pompidou en París.

 

El sillón Joe Colombo también es famoso por ser originalmente, la única pieza producida por Kartell completamente de madera. El uso de este material inusual para una marca que nació con la misión de crear piezas de plástico, se debió a la falta de tecnologías industriales que en aquellos tiempos no podían producir artículos de plástico tan complicados. Con la tecnología industrial actual, Kartell ahora es capaz de fabricar el mismo producto utilizando plástico (tecnopolímero termoplástico transparente) para reproducir las líneas curvas sinuosas de la pieza conservando las mismas proporciones que el diseño original.

 

Mesa Poker — Zanotta

La mesa Poker, es una reinterpretación contemporánea de la mesa de juego en la que las superficies están completamente hechas de plástico laminado. Un material empleado con fines estructurales quizás por primera vez. La mesa incluye unas bandejas giratorias a cada uno de los lados, las cuales incorporan un cenicero extraíble, que nos devuelve a uno de los vicios más amados de Joe Colombo: el tabaco.

 

Silla 300 — Karakter

La silla 300 quizás sea uno de los pocos diseños que Colombo concibió en madera. Aun así esta silla es un ejemplo de su sensibilidad y de su apreciación por el diseño funcional. El asiento y el respaldo tapizados suavemente curvados dentro de un marco de madera claro y modesto con listones horizontales dobles dan a la silla 300 su aspecto atractivo, cómodo y característico.

 

Lámpara Coupé — Oluce

La serie Coupé, fue inicialmente concebida como una variación de la familia de lámparas Spider. El mecanismo simple e ingenioso que conecta el vástago al cabezal permite dirigir el haz en varias direcciones, moviendo la cúpula hacia arriba, hacia abajo y hacia los lados. En 1968, la lámpara Coupé ganó el “International Design Award” del Instituto Americano de Diseñadores de Interiores de Chicago y forma parte de la colección permanente tanto del MoMA de Nueva York como del Museo ”Neue Sammlung” de Munich.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: https://www.domesticoshop.com/magazine/joe-colombo-el-disenador-del-futuro/

 

 

 

 

24. oct., 2022

 

André Breton (Tinchebray19 de febrero de 1896 - París28 de septiembre de 1966) fue un escritor, poeta, ensayista y teórico del surrealismo, reconocido como el fundador y principal exponente de este movimiento. De origen modesto, comenzó a estudiar medicina desoyendo las presiones familiares (sus padres querían que fuera ingeniero). Movilizado en Nantes, durante la Primera Guerra Mundial, en 1916, conoció a Jacques Vaché, que ejerció sobre él una gran influencia, a pesar de haber escrito únicamente cartas de guerra. Entra en contacto con el mundo del arte, primero a través de Paul Valéry y después del grupo dadaísta en 1916.

 

Durante la guerra trabajó en hospitales psiquiátricos, donde estudió las obras de Sigmund Freud (a quien visitaría personalmente en octubre de 1921) ​ y sus experimentos con la escritura automática (escritura libre de todo control de la razón y de preocupaciones estéticas o morales), lo cual influyó en su formulación de la teoría surrealista. Se convirtió en pionero de los movimientos anti-racionalistas conocidos como dadaísmo y surrealismo. En 1920 publicó su primera obra Los campos magnéticos, en colaboración con Philippe Soupault, en la que exploraba las posibilidades de la escritura automática. Al año siguiente rompió con Tristan Tzara, el fundador del dadaísmo.

 

Fundó con Louis Aragon y Philippe Soupault la revista Littérature. En 1924 escribió Manifiesto del surrealismo y a su alrededor se formó un grupo compuesto por Philippe SoupaultLouis AragonPaul ÉluardRené CrevelMichel LeirisRobert DesnosBenjamin Péret, deseosos de llegar al «Cambiar la vida» de Rimbaud y «Transformar el mundo» de Marx. «El surrealismo se basa en la creencia en la realidad superior de ciertas formas de asociación desdeñadas hasta la aparición del mismo y en el libre ejercicio del pensamiento. Tiende a destruir definitivamente todos los restantes mecanismos psíquicos y a sustituirlos en la resolución de los principales problemas de la vida». En este manifiesto además se asientan las bases del automatismo psíquico como medio de expresión artística que surge sin la intervención del intelecto.

 

Muy pronto el movimiento se acerca a la política y en 1927 Aragon, Éluard y Breton se afilian al Partido Comunista. En 1928 publica en París Le surréalisme et la peinture. Con la publicación del Segundo manifiesto surrealista (1929) llegó la polémica: Breton, líder del movimiento surrealista, concretaba la noción de surrealismo y afirmaba que debía caminar junto a la revolución marxista. En 1931, se unió a varios amigos escritores (René Char, Louis Aragon, Paul Éluard, etc.) en un ataque frontal a la Exposición Colonial Internacional, que describieron como un "carnaval de esqueletos". Exigen "la evacuación inmediata de las colonias" y la celebración de un juicio por los "crímenes cometidos".​ Sin embargo en 1935 abandona el partido al confirmar la imposibilidad de conciliar la búsqueda de la libertad absoluta de los surrealistas con el realismo socialista que veía al arte como instrumento de propaganda de sus postulados.

 

Octavio Paz, que conoció a Breton cuando llegó a París en 1946, cuenta que el fundador del surrealismo tenía dos caras. Por un lado era una persona tremendamente vitalista, honesta y de gran simpatía personal, por el otro muy intransigente; no en vano se ganó el apodo de "papa del surrealismo" por la obcecación con la que defendía los principios del movimiento y castigaba con la expulsión a aquellos que se desviaban de su principios morales o artísticos. Entre los expulsados se encuentran Roger VitracPhilippe SoupaultAntonin ArtaudRobert Desnos y Salvador Dalí, al que llama "Ávida Dollars" (anagrama de su nombre). Marcel Duchamp le dedica estas palabras No he conocido a ningún hombre que tuviera mayor capacidad de amor, mayor poder de amar la grandeza de la vida, y no se entenderían sus odios si no fuera porque con ellos protegía la cualidad misma de su amor por la vida, por lo maravilloso de la vida. Breton amaba igual que late un corazón. Era el amante del amor en un mundo que cree en la prostitución. Ese es su signo.

 

La vanguardia española le citó en revistas como Alfar, Grecia, Hélix, Terramar o Art, y en 1922, con motivo de la exposición de Francis Picabia en las Galerías Dalmau, estuvo en España. En 1932 escribe Los vasos comunicantes y el libro de poesías La Inmaculada Concepción junto a Paul Éluard. En 1935 visitó Tenerife para asistir a la Exposición Surrealista organizada por la revista Gaceta de Arte, dirigida por Eduardo Westerdahl, lo que supuso un hito en la historia de la creación cultural en Canarias. Sobre esta experiencia escribió el relato Le château étoilé (1935).

 

En 1934 contrajo matrimonio con Jacqueline Lamba, inspiradora de El amor loco. Dos años después nace su hija Aube. Su obra más creativa es Nadja, en parte autobiográfica. En 1937 inaugura la galería "Gradiva" en la calle de Seine, viaja a México donde Diego Rivera le presenta a su admirado Trotski y Breton redacta conjuntamente con Diego Rivera el Manifiesto por un arte revolucionario independiente en julio de 1938.

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En 1941 se embarca en el Capitaine-Paul-Lemerle hacia Martinica huyendo de la ocupación nazi, donde es internado en un campo. Estuvo en una galera repleta de hombres, mujeres y niños, además iba en un lugar más cómodo del barco Claude Lévi-Strauss, con quien mantuvo una durable amistad por correspondencia en la que discutían sobre estética y originalidad absoluta. Durante la década viajó a Santo Domingo, donde ejerció fuerte influencia en los escritores jóvenes y donde participaba en tertulias de intelectuales en la casa de la pareja de inmigrantes alemanes Erwin Walter Palm e Hilde Domin. Liberado bajo fianza llega a Nueva York para un exilio que durará cinco años y publica los Prolegómenos a un tercer manifiesto o no, conocido también como Tercer manifiesto surrealista.

 

Un año después funda en la ciudad estadounidense de Nueva York la revista VVV. Es en esa ciudad donde conocerá en 1943 a su nueva esposa, la chilena Elisa Bindhoff Enet. Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, vigilado por el gobierno de Vichy, se refugió en América; volvió a París en 1946. En 1956 funda una nueva publicación, Le Surrealisme Même, siguiendo hasta su muerte en 1966 animando al grupo surrealista. Poco antes de morir, decía a Luis Buñuel, hoy nadie se escandaliza, la sociedad ha encontrado maneras de anular el potencial provocador de una obra de arte, adoptando ante ella una actitud de placer consumista. Murió en la mañana del 28 de septiembre de 1966, en el hospital Lariboisière (París). Fue enterrado en el cementerio de Batignolles, a pocos metros de la tumba de su amigo Benjamin Péret. Su poesía, recopilada en Poemas (1948), revela la influencia de los poetas Arthur RimbaudStéphane MallarméPaul ValéryGuillaume Apollinaire, entre otros.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Andr%C3%A9_Breton