Arte y Arquitectura

25. nov., 2020

Enrique Viedma Vidal (Valencia 1889 - 1959) fue un arquitecto valenciano que realizó varias obras de gran relevancia en la Valencia de los años 1920 y 1930, entre las que destaca el edificio denominado la Finca Roja. Nacido en Valencia el 27 de enero de 1889, hijo de José Viedma Ruiz, de Baeza, y de M.ª Desamparados Vidal Fort. Estudió en la Escuela de Arquitectura de Barcelona desde 1907 hasta 1914 obteniendo el título el 29 de abril de 1915. ​En Barcelona conoció el medio profesional de la ciudad, especialmente las obras del Modernisme cuyo lenguaje adoptó de manera epidérmica en sus primeros trabajos profesionales desarrollados en Valencia.

 

Viajó por Holanda donde conoció las obras del grupo Wendingen en el área planificada por Berlage en Amsterdam Sur. La vivienda de carácter social en manzanas semi-cerradas con zonas ajardinadas en el interior de uso público y el tratamiento de las fábricas de ladrillo de un cierto gusto expresionista, se reflejan en la Finca Roja (Valéncia 1930-32) donde los depósitos de agua se convierten en torres de potente impacto visual con azulejos verdes y un cierto aspecto que remite al Modernismo.

 

En 1914 realizaría el edificio del Centro Católico Social de Catadau, en Catadau (Valencia). En 1919 le encargaron la dirección de obras del Mercado Central de Valencia. Comenzado en 1914 por los arquitectos Alejandro Soler March (1873-1949) y Francisco Guardia Vial (1880-1940), antiguos colaboradores del arquitecto catalán Lluís Doménech Montaner (1850-1923), las obras del "Mercat Central" concluyeron en 1928, ya bajo la dirección de Enrique Viedma y Ángel Romaní, siendo inauguradas por Alfonso XIII el 23 de enero de 1928.



La planta del edificio se adapta a la forma de la parcela que ocupa, resolviéndose sus cubiertas por medio de innovadoras cúpulas y diferentes techumbres inclinadas. La armadura de cubrimiento remite a las grandes arquitecturas industriales del hierro, como las de la estación del Norte o el mercado de Colón, mientras que los muros perimetrales, que apenas tienen función de sustentación sino más bien de cerramiento, están provistos de zócalos cerámicos policromos en su base y de “mallorquinas” metálicas en su extremo superior. Los zócalos cerámicos provenientes de la fábrica de La Ceramo de Benicalap dan el contrapunto perfecto a una arquitectura industrial del hierro que hace del edificio, un ejemplar único en la arquitectura modernista valenciana.

 

A la creación del Colegio de Arquitectos formó parte de su Junta de gobierno. Como vocal vicepresidente de dicha Junta y a la par con el Secretario P. Villa, firmó un informe sobre las alineaciones de la Plaza de la Región Vinculado al Ayuntamiento de Valéncia como Arquitecto Municipal del Ensanche (1920)  En 1928 diseñó la casa del Chavo para el Instituto Nacional de Previsión en la avenida del Marqués de Sotelo números 8 y 10, ejemplo paradigmático del casticismo valencianista. El 1929 diseñó el monumental edificio de La Unión y el Fénix (C/Xàtiva con Marqués de Sotelo), obra de estilo neobarroco con un matiz casticista.

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Entre 1929 y 1930 diseñó la Finca Roja, 378 unidades residenciales sobre una isla de casas exenta en el barrio de Extramuros (calles de Albacete, Jesús, Marvà y Maluquer), que adopta el tipo de bloque de viviendas alrededor de un amplio patio interior, muy frecuente en Europa Central en ciudades como Viena o Ámsterdam. En este edificio Viedma mezcla el estilo expresionista holandés con el Art déco, el casticismo valenciano y el modernismo valenciano con ligera influencia de Gaudí. La Finca Roja es el ejemplo más exitoso de edificación construida a raíz de la promulgación la 1925 de la ley de casas económicas, que abría la posibilidad de mejorar las condiciones del alojamiento de los obreros, con islas de casas grandes y uniformes en zonas de ensanche, siguiendo el ejemplo de algunos municipios centroeuropeos. Este edificio para obreros reúne todas las ideas de higiene, modernidad y confort de la vivienda (ascensores, estancias ventiladas, baños completos, cocinas económicas, persianas americanas, etc). Hace un uso expresivo de materiales autóctonos como la cerámica vidriada y el ladrillo rojo, también propia de Ámsterdam, ciudad en cuya arquitectura está claramente inspirada.

 

Entre 1931 y 1933 diseñó los chalés de los periodistas al inicio del Paseo al Mar (actual avenida de Blasco Ibáñez). También dirigió la construcción de las aduanas del puerto, consideradas de estilo historicista.  Diseñó el inicio (plan del Real) y el final (camino de Peña-roja) del Paseo de la Alameda. Fue nombrado académico en la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.

 

Nunca llegó a comprender el alcance del Movimiento Moderno oscilando entre casticismos e historicismos en función del tipo de encargo. Donde más se distancia de estos lenguajes sin que se pueda considerar que adoptase un claro repertorio funcionalista es en sus edificios de carácter industrial en Valéncia, Foios (La Yutera, 1936-39), Manises, etc. En sus grupos de "Casas Baratas" (Chalets de Periodistas, Avda. Blasco Ibáñez, Valéncia 1931-1946) se aproxima a populismos casticistas, mientras que en el edificio de La Unión y el Fénix (c/ Xátiva, Valéncia 1932-33) asume un lenguaje neo-barroco abiertamente retórico.

 

Álbum de fotos:

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Fuentes: https://es.wikipedia.org/wiki/Enrique_Viedma_Vidal

https://www.urbipedia.org/hoja/Enrique_Viedma_Vidal

 

 

 

 

 

 

16. nov., 2020

Meret Elisabeth Oppenheim (Berlín, 6 de octubre de 1913 – Basilea, 15 de noviembre de 1985) fue una artista y fotógrafa suiza que se encuadró en el movimiento surrealista. ​

 

Meret Oppeheim nació el barrio berlinés de Charlottenburg en 1913, apenas un año antes de estallar la Primera Guerra Mundial, fruto de la unión entre un médico judío y una suiza. La pequeña llevó el nombre de un personaje de ficción que habitaba de forma salvaje en el bosque. El matrimonio tuvo otros dos hijos más. La unión familiar se vio quebrada con el conflicto bélico, ya que el padre fue reclutado y la madre retornó con los pequeños a su Suiza natal. En Basilea, Meret estuvo en contacto con el arte de forma natural, auspiciado particularmente por su tía, de estilo de vida bohemio como miembro del círculo artístico del país.

 

Meret conoció los escritos de Carl Jung a través de su padre. Entre otros asuntos, Jung indicaba la importancia de los sueños, como fuente de respuesta a cuestiones clave de nuestra existencia. Subyugada por las enseñanzas de Jung, Meret escribió sus sueños el resto de su vida como fuente de inspiración y renunció a los arquetipos femenino-masculino, optando por una creatividad andrógina.

 

Con 16 años comenzó a estudiar pintura y con 19 años se trasladó a París a continuar sus estudios en la Académie de la Grande Chaumière. Tendría como estudio una habitación de hotel. En esta ciudad conoció a Alberto Giacometti y Jean Arp que le invitaron a participar en la exposición surrealista del Salon des indépendants, donde conoció a Marcel Duchamp, Max Ernst, André Breton, Pablo Picasso y Man Ray entre otros. De este último, sería musa, como así lo muestra la serie de retratos en los que aparece desnuda interactuando con una imprenta.

 

Icónica es su escultura “Objeto 1936”, también conocida como “la taza de Oppeheim”. La idea le surgió en la hilaridad de un almuerzo con Pablo Picasso y su pareja del momento, Dora Maar en el café Deux Magots. El pintor malagueño, impresionado por el abrigo de piel que portaba la joven artista de veintitrés años, le dijo “todo puede ser cubierto por pieles”. Ella le inquirió “¿todo, incluso esta taza y este plato? Así no se me enfriaría el café …”. Dicho y hecho, de esta forma surgió su icónica obra en la que cubría con piel de gacela un plato, una taza y una cuchara, con la que se granjeó la simpatía del círculo surrealista. El pintor francés se refería a ella como “Desayuno con pieles”. Inspira sensaciones contrapuestas. Cierto es que la piel resulta agradable al tacto, pero no así cuando se pone sobre los labios. Por otro lado, confronta lo civilizado con lo primitivo, quizá en alusión al sexo. La obra se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

 

Pronto le vendría el éxito en las exposiciones que realizó en París, Nueva York y Basilea. En sus obras, juega con la sexualidad, la explotación y la feminidad, así como también con el balanceo entre vida y muerte. Todo ello, con la frescura de su juventud, su encanto y apertura de mente. Empleó como modelos objetos domésticos, dándoles en ocasiones un sentido erótico. También mujeres, reivindicando que “la libertad no te la dan, te la tomas”. Pero pronto comenzó también el temor de la artista en cuanto a su evolución creativa. Llegó a destruir numerosas obras, sufriendo una crisis de inspiración con episodios depresivos que mermarían su estabilidad económica. Para paliar la difícil situación, comenzó a trabajar como conservadora de arte.

 

Con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial, su padre fue despedido de su empleo como médico por su condición de judío, debiendo emigrar a Suiza. En 1945 conoció a Wolfgang La Roche con el que se casó cuatro años después y se instalaron en Berna donde residiría hasta su fallecimiento. En 1954 regresó a la actividad artística con el diseño del vestuario de la obra teatral de Picasso «Le Désir attrapé par la queue (El deseo cogido por la cola)» que realizó Daniel Spoerri y se estrenó en Berna.

 

Colaboró en la elaboración del atrezzo de representaciones teatrales con objeto meramente económico, y en 1956 realizaría la performance “El Festín”, en la que se ofrecía comida sobre el cuerpo de una mujer tumbada con el rostro cubierto de pintura. Las críticas no se hicieron esperar, atribuyéndole utilizar el cuerpo femenino como objeto a devorar. Nada más alejado de la realidad, ya que es incuestionable el papel feminista que ejerció durante toda su vida. Incitaba a las mujeres “a demostrar a la sociedad la invalidez de los tabúes de adoptar modelos de vida tradicional” y a utilizar sin miedo su fuerza creativa.

 

Recibió numerosos reconocimientos, como el Premio de Arte de la ciudad de Basilea o el Kunstpreis berlinés, así como particulares encargos, como el de construir una fuente en una de las plazas principales de la ciudad. Para ello, la artista realizó una columna en hormigón, circundada por canales de agua de los que crecían algas, musgo y otras plantas, a modo de unión entre la ciudad y la naturaleza.  Cuando el crudo invierno congela las aguas, la escultura nos recordaría una crisálida transparente, mientras que en verano la delicada vegetación evocaría un tronco de árbol. Cambiante, en evolución, como la propia Meret Oppenheim.

 

Sus obras más valoradas son: «Juego de desayuno de piel», 1936; «Mi enfermera», 1936; «Mesa con patas de aves», 1939; «Miss Gardenia» y «La ardilla», 1959; y “Rayos X del cráneo de MO”, 1964. Nos encontramos ante una curiosísima obra, la radiografía del cráneo de una particular mujer, Meret Oppeheim, en la que junto a los huesos del cráneo, cuello y mano, podemos observar los símbolos femeninos de anillos, pendientes de aro y colgante metálicos. Una mujer bella, optó irónicamente por ocultarnos su rostro ofreciendo en cambio la visión de su esqueleto. ¿No resulta un original y divertido autorretrato?

 

A partir de los años ochenta comienza publicar escritos, así en 1981 editó Sansibar que es un conjunto de poemas, en 1984 colabora con la revista de arte Trou publicando un artículo sobre la fuente de Symbol des Wachsens und des Lebens de Berna,5​ y poco después publicó otra serie de poemas con el título Husch, husch, der schönste Vokal entleert sich. Falleció en 1985 a la edad de setenta y tres años por un ataque al corazón.  En su honor y recuerdo, la Oficina suiza de Cultura creó el Premio Meret Oppenheim que anualmente se otorga a artistas de reconocido prestigio. Musa, extrovertida, fetichista, irónica, creativa, anticonformista, surrealista, desenvuelta, ecléptica, fascinante, poliédrica, original, libre, Meret Oppenheim.

 

Álbum de fotos:

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Fuentes: 

https://mariagonzaga.es/blog/rayos-x-del-cr%C3%A1neo-de-mo-1964-meret-oppenheim

https://es.wikipedia.org/wiki/Meret_Oppenheim 

 

 

 

 

 

 

31. oct., 2020

César Ortiz-Echagüe Rubio (Madrid13 de enero de 1927) es un arquitecto español.

César fue el cuarto hijo de los ocho de una familia con una intensa actividad artística. Su tío, Antonio Ortiz Echagüe (Guadalajara, 1883-1942) fue pintor y su padre, José Ortiz Echagüe (Guadalajara 1880-Madrid 1980)1, amante de la fotografía artística, llevó a cabo numerosas exposiciones por todo el mundo. Sus fotografías han sido objeto de abundantes publicaciones; además fundó y presidió las empresas CASA y SEAT, lo cual influyó decisivamente en la actividad profesional de su hijo César.

 

Ortiz-Echagüe hizo el bachillerato en el Colegio Alemán de Madrid. En 1947 ingresó en la Escuela de Arquitectura de Madrid, y en 1952 obtuvo el premio anual de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando por su proyecto fin de carrera. Desde 1952 que termina la carrera hasta finales de los sesenta realiza proyectos de una especial modernidad en España. A finales de 1953, se le presentó la primera gran oportunidad en un pequeño proyecto que le encargó la SEAT. Consistía en un edificio para albergar los comedores; realizó esta obra en colaboración con el estudio de Manuel Barbero Rebolledo (t. 1950) y Rafael de la Joya Castro (t. 1950). El edificio se estaba construyendo cuando Ortiz-Echagüe y Echaide se asociaron, en 1954.

 

Tras el éxito internacional alcanzado por los Comedores, de la factoría SEAT en Barcelona distinguidos con el primer Premio Reynolds de 1957, que concedía el Instituto Americano de Arquitectos, César Ortiz Echagüe viaja a Chicago donde se entrevista con Ludwig Mies van der Rohe. César colabora en algún momento con Miguel Fisac, pero sus planteamientos son claramente diferentes y aunque mantienen una relación de amistad profesional dejan pronto su colaboración.

 

Ortiz-Echagüe encontró en la arquitectura de Mies la expresión más adecuada para el momento de industrialización en el que España estaba inmersa y a la estética miesiana pertenecerán sus obras más conocidas: los proyectos que realizó para la empresa automovilística SEAT y la entidad financiera Banco Popular Español: el conjunto de edificios de la filial de la SEAT en Barcelona (1959-1964), la filial de la SEAT en Sevilla (1960), los Laboratorios de la SEAT en Barcelona (1960) y el Depósito de automóviles de la filial de la SEAT en Madrid (1964), así como la Sucursal del Banco Popular Español en la Gran Vía de Madrid (1958). Lamentablemente, el conjunto de edificios de la filial de la SEAT en Barcelona (1959-1964) se encuentra hoy desfigurado en especial el ligero y luminoso Depósito de automóviles transformado en un vulgar bloque de viviendas.

 

La revista Forma Nueva publicaba su proyecto de SEAT en Madrid con el siguiente comentario: “El edificio concebido con las más depuradas normas del racionalismo, todo limpio, bien pensado, con un refinamiento constructivo que hace pensar enseguida en Mies van der Rohe, el más vigente de los arquitectos, forma parte de un conjunto que cubre una manzana en la Avenida del Generalísimo y, como elementos singulares, dispone de Salón de Actos, Exposición de automóviles y Servicio de ordenador electrónico. Las otras edificaciones del conjunto se destinan a Taller, Depósito de vehículos y Recepción de Automóviles y Recambios y Taller-escuela de capacitación”. Unas excelentes fotografías de PANDO ilustraban el proyecto.

 

Durante un lustro, el estudio Ortiz Echagüe-Echaide trabaja en diferentes proyectos y a los sucesivos encargos de la SEAT, que implícitamente los nombra arquitectos de la marca, se suceden otros como el del grupo FEMSA en Barcelona o el de Hauser y Menet en Madrid. El proyecto del Banco Popular se sitúa en la calle de Alcalá, justo enfrente de otra del Banco Español de Crédito (Banesto), proyectada y construida por Barbero y De la Joya, colaboradores en otros proyectos y competencia en esta ocasión. Tanto el proyecto de la SEAT de Madrid como el del Banco Popular se han alterado sustancialmente haciendo irreconocibles los proyectos de Ortiz Echagüe.

 

Desde 1958, Echaide se había interesado por el urbanismo, realizando entre 1961 y 1962 los cursos de Técnico urbanista del Instituto de Estudios de Administración Local. En 1962 alcanza el grado de doctor y al año siguiente se convierte en profesor adjunto en la Cátedra de Proyectos Primero de la ETSAM. En 1965 se convierte en Encargado de la Cátedra de Proyectos en la misma ETSAM. Por su parte, Ortiz Echagüe es convocado en 1961 a un grupo de trabajo para la puesta en marcha de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Navarra, iniciativa del Opus Dei. Viaja al extranjero para conocer otras Escuelas. Cuando en 1964 se integre en la actividad docente de la Escuela de Navarra, de la que es nombrado profesor extraordinario, su estudio queda prácticamente cerrado. En 1974 es nombrado académico de arquitectura por la Academia de Bellas Artes de Baviera, a la que ya pertenecía Eduardo Chillida y en la que después entraría Antonio Tàpies.

 

Tras esta primera etapa, el estudio de Ortiz-Echagüe se especializa en un segundo campo, el de la enseñanza, al que dedicará los últimos años de trabajo, y destacan dos proyectos: el Instituto Tajamar (1961-1966) en Vallecas, y el Colegio Retamar (1967), en Somosaguas. En sus viajes a Suiza en 1953 había conocido la arquitectura escolar integrada por pabellones independientes. En el proyecto de Tajamar “Ortiz-Echagüe y Echaide disponen las aulas en pabellones de una planta separados por patios ajardinados y enlazados entre si con porches cubiertos. Sin embargo, reducen la distancia entre pabellones de las escuelas suizas para minimizar los inconvenientes de la disposición dispersa. En una segunda fase se añaden los pabellones de enseñanza primaria, con un total de ocho aulas, y los edificios que alojan los diversos servicios del centro, dispuestos de manera lineal como remate de la construcción. Al igual que en la Primarschule Wasgenring, de Bruno y Fritz Haller, el salón de actos, en este caso también oratorio, actúa como lugar de reunión de los alumnos. La dirección del centro requiere un edificio muy flexible que permita adaptar su dimensión a las necesidades de las diferentes actividades; y se disponen al efecto dos grandes muros móviles que bajan al nivel del pavimento”. En Retamar volverán, sin embargo, a la solución concentrada.

 

En el terreno de la producción teórica, Ortiz-Echagüe hace una labor de difusor y propagandista de la arquitectura española en Europa durante los años 60. En 1960 escribe un artículo para la revista portuguesa Binario titulado “40 años de arquitectura española”, en el que ofrece un panorama que va desde antes de la guerra civil hasta las obras más destacables de la década de los cincuenta. En 1961 y 1962 pronuncia varias conferencias en Alemania y Suiza bajo el mismo título. En 1962 prepara un número monográfico sobre la joven arquitectura española para la revista suiza Werk titulado “Dreissig Jahre Spanische Architektur” (“Treinta años de arquitectura española”); después será corresponsal de la revista hasta 1973 con un artículo anual titulado “Brief aus Spanien” (“Carta desde España”). En 1965 publica el libro La arquitectura española actual.

 

Pero, para desgracia de la nueva arquitectura española, en 1967 disuelve el estudio y se dedica exclusivamente a su vocación religiosa. Miembro del Opus Dei desde 1945 es ordenado sacerdote en Roma, por Juan Pablo II, en 1983. En 1984 traslada su residencia a Alemania. En 2015 volvió a Madrid. José Manuel Pozo publica el libro “Mirando hacia atrás. César Ortiz Echagüe, arquitecto” que recupera la obra de este importante arquitecto español. La Bienal Iberoamericana de arquitectura y urbanismo del año 2019 otorgaba el Premio Iberoamericano de Arquitectura y Urbanismo, ex aequo a los arquitectos César Ortiz-Echagüe Rubio (Madrid, 1927) y Jorge Enrique Scrimaglio (Rosario, 1937). La vuelta de Ortiz-Echagüe a España, las publicaciones sobre su obra y el reciente premio de la Bienal Iberoamericana devuelven a la actualidad a uno de los arquitectos con una obra más innovadora en el panorama español de los años sesenta.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: http://hombredepalo.com/cesar-ortiz-echague-el-olvidado-mies-van-der-rhoe-espanol-diego-peris-sanchez

 

 

 

 

 

 

26. oct., 2020

Josef Hoffmann nació en la actual República Checa, en Pirnitz/ Brtnice en la antigua región de Moravia. La formación académica de Josef Hoffmann comenzaría en 1887 en la Escuela de Oficios del Estado Mayor de Brno, posteriormente se desplazaría a Viena a la Academia de Bellas Artes recibiendo en el año 1895 un Premio Roma. Es en este periodo donde entabla relación con artistas como Otto Wagner , Kolomer Moser, Jose María Olbrich o Gustav Klimt. Todos ello formaron parte de uno de los movimientos artísticos más importantes dentro del modernismo europeo que fue denominado Secesión Vienesa y que sería oficialmente fundada en el año 1897. Josef Hoffmann tendría una participación intensa en el movimiento aunque breve ya que abandonaría el grupo en el año 1905. 

 

Josef Hoffmann fue un artista extremadamente versátil que realizaría numerosas exposiciones y trabajos con la colaboración de otros artistas. También procuró invitar a diversos artistas del movimiento para que participarán del movimiento artístico que en ese momento se producía en Viena. Uno de los artistas con los cuales estableció relación e invitó a exponer en Viena fue al escocés Charles Rennie Mackintosh, que a su vez influiría fuertemente en el movimiento de Secesión Vienesa y especialmente en la obra de Koloman Moser y de Josef Hoffmann

 

Josef Hoffmann combinaría su faceta artística y de diseñador junto con su trabajo de profesor en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. Algunos alumnos de Josef  Hoffmann fueron Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Le Corbusier o Anni Schaad. Dentro de la carrera profesional de Josef Hoffmann la cumbre del reconocimiento le llegaría tras la Segunda Guerra Mundial. Sería comisario en la Bienal de Venecia, diseñando el pabellón de la Exposición, así como miembro del Senado de Arte.

 

Su estilo iría evolucionando haciéndose cada vez más abstracto y evolucionaría hacia líneas cada vez más sobrias. La obra de Hoffmann es fundamental para entender el Neue Sachlichkeit,  la obra de Le Corbusier o los diseñadores Gladys Aschermann, Luise Brigham o Edward H. Algunas obras iniciales de Josef Hoffmann fueron el Kabaret Fledermaus en Viena, el diseño de la Colonia de artistas Hoce Warte, las casas de Carl Moll, Koloman Moser o el escritor Richard Beer-Hofmann. Dentro de la esfera de obras públicas destaca de este periodo el diseño del sanatorio Purkersdorf.

 

Una obra de gran relevancia artística sería el diseño del Palacio Stoclet en Bruselas, todo un símbolo de este periodo artístico donde puede disfrutarse además del friso realizado por Gustav Klimt. En Viena realizó obras de gran valor artístico como por ejemplo el Residencia Ast o el Skywa- Primavesi, Villa Knips, así como el diseño interior realizado para el Kabarett Fledermaus. En la zona de su Moravia natal realizó obras como la Casa Sigmund Berl o la Villa Fritz Grohmann.

 

La obra de Josef Hoffmann también fue reconocida por el Tercer Reich, siendo nombrado Comisionado Especial para las Artes Vienesas y realizando la rehabilitación y remodelación de la Embajada alemana que sería demolida en 1955. Una de las obras más relevantes dentro del diseño de mobiliario fue el sillón Kubus que fue presentado por primera vez en la Exposición Internacional de Buenos Aires del año 1910. El diseño se caracteriza por el empleo de formas cúbicas gracias a lo cual recibía el apodo de Quadratl-Hoffmann.

 

Josef Hoffmann realizó un gran cantidad de diseños dentro del mundo del mobiliario y del interiorismo. Algunos de los diseños de mobiliario más relevantes realizados por Josef Hoffmann fueron: el sillón Sitzmaschine, el Palais Stoclet, el Siebenkugelstuhl, el sillón Purkersdorf, el Haus Koller, el Fledermaus, sillón Kunstschau o el sillón Club. En el campo del diseño de menaje ha llegado hasta nuestros días el diseño de los cubiertos Rundes Modell, así como el diseño de juegos de té, vajillas..  entre otros.

 

Josef Hoffmann también fue co- fundador de la Deutscher Werkbund y de Österreichischer Werkbund. La asociación DWB, se compuso por artístas arquitectos e industriales y se desarrolló en Alemania y en Austria. La DWB fue fundada en 1907 por Hermann Muthesius, convirtiéndose en un referente dentro del mundo de la arquitectura y en una precursora de la Escuela de la Bahaus.

 

Josef Hoffmann murió en Viena a los 85 años de edad. Algunos de los reconocimientos fueron la cruz de comandante de la Legión de Honor y el nombramiento  como miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectos. El reconocimiento a Josef Hoffmann ha sido variable a lo largo de los años. Es posible que el re-descubrimiento de su obra se produjese a través de Giulia Veronesi.  Sería gracias al re-descubrimiento de su obra que posteriormente hacia la década de los 80 se comienzan a realizarse exposiciones y fabricarse réplicas de sus diseños de mobiliario de telas que logran tener gran aceptación entre el público.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: https://arteac.es/josef-hoffmann/

 

 

 

 

 

 

25. oct., 2020

Sven Gottfried Markelius (Estocolmo, 25 de octubre de 1889- ibidem, 24 de febrero de 1972) fue un arquitecto establecido en Estocolmo, activo en Suecia de 1915 a 1972 y uno de sus principales representantes del funcionalismo. Sven Markelius nació en Estocolmo en 1889. Estudió en el Real Instituto de Tecnología y en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo, de 1910 a 1915.

 

Después viajó por el continente. Al volver trabajó en el estudio de Ragnar OstbergErik Lallerstedt e Ivar Tengbom. Se interesa muy pronto por la construcción de viviendas y por el urbanismo, ganando el concurso para la ordenación de la exposición Construcción y vivienda, en Lidingó (1924). Sus primeras obras notables, influidas por el estilo internacional, son la sala de conciertos de Hälsingborg (1932) y el pabellón sueco de la exposición de Nueva York en 1939. De su obra urbanística cabe citar la ciudad satélite de Vällingby y la renovación de un barrio de Estocolmo (1963). Igualmente fue uno de los fundadores de los CIAM EN 1928.

 

Su proyecto para el primer concurso de la sala de conciertos de Helsingborg marca una época en la historia de la arquitectura sueca. Inscrito originalmente en la línea del clasicismo sueco defendido por Gunnar Asplund y Sigurd Lewerentz, este edificio se convierte, en definitiva, bajo la influencia del pensamiento de Le Corbusier, en una construcción simple, basada ante todo en las leyes de la acústica y el confort del público.

 

Markelius proyecta por la misma época su villa en Nockeby (1930) y, con Uno Ahrén, el edificio de alumnos de la Escuela Central (1928), cuyas fachadas claras revocadas, sin ornamento, largas ventanas, tejados planos y volúmenes cúbicos y semicilíndricos son características de la vanguardia. Desempeña igualmente un papel activo en la Exposición Internacional de Estocolmo (1930), que marca la penetración del funcionalismo en Suecia, y participa en la redacción del manifiesto Acceptera (1931), que critica a una arquitectura considerada demasiado elitista afirmando: «Aceptar la realidad existente: sólo así podremos controlarla, dominarla y modificarla».

 

En 1935, Markelius asociado con el reformador sueco Alva Myrdal proyecta en la John Ericssongatan, en Kungsholmen, una Casa Colectiva de 57 unidades en el centro de Estocolmo,. El edificio ofrecía servicios comunes como guarderías, cocina compartida y espacios para reuniones. todo, al menos en parte, inspirado en el edificio Narkomfin de Moscú. Markelius vivió él mismo en la Casa Colectiva durante treinta años, sirviendo como personal de mantenimiento no oficial, para asegurarse de que el edificio todavía funcionara y para demostrar su compromiso con los valores de la vivienda social-colectivos de guardería, restauración y limpieza.

 

Estimulado en este sentido por su compañera Viola Wahlstedt, trata de proporcionar a las mujeres activas más tiempo libre, pero es criticado por la prensa, que ve en sus ideas una puesta en entredicho de la célula familiar tradicional. Markelius, muy preocupado por los problemas sociales, no busca soluciones únicamente en el funcionalismo, sino que sigue también la forma más orgánica desarrollada por Alvar Aalto y por Asplund. El edificio de la Unión de la Construcción (1937), en Norrlandsgatan, Estocolmo, es clara prueba de ello, con su muy pensado conjunto de salas y su sofisticada ordenación.

 

Nombrado responsable de la comisión de investigación de la Dirección Central de la Construcción de 1938 a 1944, y después director de urbanismo en Estocolmo de 1945 a 1955, emprende la concepción de los planes -célebres en el mundo entero- de la ciudad nueva de Vállingby, así como el plan director de Estocolmo (1952). Dirigiendo la rehabilitación de la capital, proyecta en el centro el tercer rascacielos de Sergel Torg (1960), la Casa del pueblo de Norra Bantorget (1956-1960) -precedida por la Linkóping (1952)- y la Casa de Suecia, en Hamngatan (1963).

 

Después de la segunda guerra mundial, Sven Markelius se activa como un urbanista en Estocolmo, desde 1944 a 1954 fue jefe de la oficina de planificación de Estocolmo. Colabora igualmente en la investigación urbanística para determinar el futuro emplazamiento del edificio de la ONU en Nueva York (1952) y fue miembro del Comité de Arte y Construcción para la creación de la UNESCO en París. A pesar de sus numerosas funciones oficiales, Markelius continúa ejerciendo hasta su muerte. Su arquitectura está marcada en altísimo grado por la inventiva, la innovación y un sentido de la forma del que deriva la unidad clara de sus construcciones. Murió en Estocolmo en 1972.

 

Álbum de fotos:

https://www.facebook.com/media/set/?vanity=carlos.bentocompany&set=a.4143845218963950

 

Fuentes:  https://www.urbipedia.org/hoja/Sven_Markelius

https://es.wikiarquitectura.com/arquitecto/markelius-sven/