Arte y Arquitectura

4. oct., 2019

La arquitectura constructivista fue una forma de arquitectura moderna que floreció en la Unión Soviética en la década de 1920 y principios de 1930. Combinó tecnología avanzada e ingeniería con un propósito social declarado comunista. Aunque se dividió en varias facciones rivales, el movimiento produjo muchos proyectos pioneros y edificios terminados, antes de perder el favor alrededor de 1932. Ha dejado marcados efectos en desarrollos posteriores en la arquitectura.


La arquitectura constructivista surgió del movimiento de arte constructivista más amplio, que surgió del futurismo ruso. El arte constructivista había intentado aplicar una visión cubista tridimensional a “construcciones” no objetivas totalmente abstractas con un elemento cinético. Después de la Revolución Rusa de 1917, centró su atención en las nuevas demandas sociales y tareas industriales requeridas por el nuevo régimen. Surgieron dos hilos distintos, el primero fue encapsulado en el manifiesto realista de Antoine Pevsner y Naum Gabo, que se ocupaba del espacio y el ritmo; el segundo representaba una lucha dentro del Comisariado por la Ilustración entre los que defendían el arte puro y los productivistas como Alexander Rodchenko;  Varvara Stepanova y Vladimir Tatlin, un grupo más orientado a la sociedad que quería que este arte se absorbiera en la producción industrial. En 1922 se produjo una división cuando Pevsner y Gabo emigraron. El movimiento luego se desarrolló a lo largo de líneas socialmente utilitarias. La mayoría productivista obtuvo el apoyo de Proletkult y la revista LEF, y más tarde se convirtió en la influencia dominante del grupo arquitectónico OSA.


El primer y más famoso proyecto arquitectónico constructivista fue la propuesta de 1919 para la sede del Comintern en San Petersburgo por el futurista Vladimir Tatlin, a menudo llamada Torre de Tatlin. Aunque no se construyó, los materiales -vidrio y acero- y su carácter futurista y sesgo político (los movimientos de sus volúmenes internos simbolizaban la revolución y la dialéctica) marcaron el tono de los proyectos de los años veinte. Otro famoso proyecto constructivista temprano fue el Lenin Tribune de El Lissitzky (1920), un conmovedor podio de los oradores. Durante la Guerra Civil Rusa, el grupo UNOVIS se centró en Kasimir Malevich y Lissitzky diseñó varios proyectos que forzaron la abstracción “no objetiva” del suprematismo con fines más utilitarios, creando ciudades constructivistas ideales. Véase también Prounen-Raum de El Lissitzky, el “Dinámico” Ciudad ‘(1919) de Gustav Klutsis; El Workers Club de Lazar Khidekel (1926) y su Power Plant Dubrovka y el primer Sots Town (1931-33).

 

Inmediatamente después de la Guerra Civil Rusa, la URSS estaba demasiado empobrecida para encargar nuevos proyectos de construcción importantes. No obstante, la escuela de vanguardia soviética Vkhutemas creó un área  arquitectónica en 1921, que fue dirigida por el arquitecto Nikolai Ladovsky, que se llamó ASNOVA (asociación de nuevos arquitectos). Los métodos de enseñanza fueron funcionales y fantásticos, lo que refleja un interés en la psicología gestalt, lo que lleva a experimentos audaces con formas como el restaurante suspendido de vidrio de Simbirchev. Entre los arquitectos afiliados a ASNOVA (Asociación de Nuevos Arquitectos) se encontraban El Lissitzky, Konstantin Melnikov, Vladimir Krinsky y el joven Berthold Lubetkin.

 

Los proyectos de 1923 a 1935, como los rascacielos horizontales Wolkenbügel de Lissitzky y Mart Stam, y los pabellones temporales de Konstantin Melnikov demostraron la originalidad y la ambición de este nuevo grupo. Melnikov diseñaría el Pabellón Soviético en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925, que popularizó el nuevo estilo, con sus salas diseñadas por Rodchenko y su forma dentada y mecánica. Otro atisbo de un ambiente vivido Constructivista es visible en la popular película de ciencia ficción Aelita, que tenía interiores y exteriores modelados de forma angular y geométrica por Aleksandra Ekster. Los grandes almacenes estatales Mosselprom de 1924 también fueron un edificio constructivista temprano para el nuevo consumismo de la Nueva Política Económica, al igual que la tienda Mostorg de los hermanos Vesnin, construida tres años más tarde. Las oficinas modernas para la prensa masiva también fueron populares, como la sede de Izvestia, construido en 1926-7 y diseñado por Grigori Barkhin .

 


Un estilo constructivista más frío y más tecnológico fue introducido por el proyecto de la oficina de vidrio de 1923/4 por los hermanos Vesnin para Leningradskaya Pravda. En 1925, el Grupo OSA, también vinculado a Vkhutemas, fue fundado por Alexander Vesnin y Moisei Ginzburg, la Organización de Arquitectos Contemporáneos. Este grupo tenía mucho en común con el funcionalismo de Weimar Alemania, como los proyectos de vivienda de Ernst May. La vivienda, especialmente la vivienda colectiva en dom dommuny especialmente diseñada para reemplazar la vivienda colectivizada del siglo XIX que era la norma, era la principal prioridad de este grupo. El término condensador social se acuñó para describir sus objetivos, que surgieron de las ideas de VIadimir Lenin, quien escribió en 1919 que la verdadera emancipación de las mujeres y el comunismo real comienza con la lucha masiva contra estos pequeños quehaceres domésticos y la verdadera reforma de la misma en una vasta casa socialista.

 

Los proyectos colectivos de vivienda que se construyeron incluyeron la Casa Comunal del Instituto Textil de Ivan Nikolaev (Ordzhonikidze St, Moscú, 1929-1931), y los apartamentos Gosstrakh de Ginzburg en Moscú y, más famoso, su Edificio Narkomfin. Los pisos se construyeron en un idioma constructivista en Kharkiv, Moscú y Leningrado y en ciudades más pequeñas. Ginzburg también diseñó un edificio gubernamental en Alma-Ata, mientras que los hermanos Vesnin diseñaron una Escuela de Actores de Cine en Moscú. Ginzburg criticó la idea de construir en la nueva sociedad siendo lo mismo que en la antigua: tratar la vivienda de los trabajadores de la misma manera que lo harían los apartamentos burgueses … los constructivistas abordan el mismo problema con la máxima consideración para esos cambios y cambios en nuestra vida cotidiana … nuestro objetivo es la colaboración con el proletariado para crear una nueva forma de vida. OSA publicó una revista, SA o Arquitectura Contemporánea desde 1926 hasta 1930. El principal racionalista Ladovsky diseñó su propio tipo de alojamiento masivo, bastante diferente, completando un bloque de apartamentos en Moscú en 1929. Un ejemplo particularmente extravagante es el ‘Chekists Village’ en Sverdlovsk ( ahora Ekaterimburgo) diseñado por Ivan Antonov, Veniamin Sokolov y Arseny Tumbasov, un complejo de viviendas colectivas en forma de hoz y martillo para el personal del Comisariado del Pueblo para Asuntos Internos (NKVD), que actualmente sirve como hotel.

 

Las nuevas formas de los constructivistas comenzaron a simbolizar el proyecto de una nueva vida cotidiana de la Unión Soviética, luego en la economía mixta de la Nueva Política Económica. Los edificios estatales se construyeron como el gran complejo Gosprom en Kharkiv (diseñado por Serafimov, Folger y Kravets, 1926-8) que Reyner Banham observó en su Teoría y Diseño en la Primera Era de la Máquina como siendo, junto con la Bauhaus de Dessau, el trabajo modernista a gran escala de la década de 1920. Otros trabajos notables incluyeron la parábola de aluminio y la escalera acristalada de Mikhail Barsch y el Planetario de Moscú de Mikhail Sinyavsky de 1929.

 

La popularidad de la nueva estética llevó a los arquitectos tradicionalistas a adoptar el constructivismo, como en la central eléctrica MOGES de Ivan Zholtovsky en 1926 o en las oficinas Narkomzem de Alexey Shchusev, ambas en Moscú. De manera similar, la Torre Shukhov del ingeniero Vladimir Shukhov a menudo se consideraba una obra de vanguardia y, según Walter Benjamin en su Diario de Moscú, “a diferencia de cualquier estructura similar en Occidente”. Shukhov también colaboró ​​con Melnikov en Bakhmetevsky Bus Garage y Novo-Ryazanskaya Street Garage. Muchos de estos edificios se muestran en la película de Sergei Eisenstein The General Line, que también contó con una maqueta construida especialmente por Andrey Burov. Un objetivo central de los constructivistas fue inculcar la vanguardia en la vida cotidiana. Desde 1927 trabajaron en proyectos para los Clubes de Trabajadores, instalaciones de ocio comunales generalmente construidas en distritos industriales. Entre los más famosos están los clubes Kauchuk, Svoboda y Rusakov de Konstantin Melnikov, el club de las obras Likachev de los hermanos Vesnin, y el Zuev Workers ‘Club de Ilya Golosov.

 

Al mismo tiempo que esta incursión en los proyectos cotidianos, extravagantes se diseñaron como el Instituto Lenin de Ivan Leonidov, un trabajo de alta tecnología que se compara con Buckminster Fuller. Esta consistía en una biblioteca del tamaño de un rascacielos, un planetario y una cúpula, todos unidos por un monorriel; o la autoexplicativa Flying City de Georgy Krutikov, un proyecto de ASNOVA que se concibió como una propuesta seria para viviendas en el aire. Melnikov House y su Bakhmetevsky Bus Garage son buenos ejemplos de las tensiones entre el individualismo y el utilitarismo en el constructivismo. También hubo proyectos para los rascacielos suprematistas llamados ‘planits’ o ‘architektons’ por Kasimir Malevich, Lazar Khikeidel – Habits cósmicos (1921-22), Arquitectos (1922-1927), Workers Club (1926), Vivienda comunal (Коммунальное Жилище) ( 1927), A. Nikolsky y L. Khidekel – Instituto Cooperativo de Moscú (1929). El elemento fantástico también encontró su expresión en la obra de Yakov Chernikhov, quien produjo varios libros de diseños experimentales, la más famosa de las Fantasías Arquitectónicas (1933), y le dio el epíteto de “Piranesi soviético”.

 


Los contactos de El Lissitzky en Alemania, Suiza y los Países Bajos, así como el impacto del Pabellón de París de Melnikov, llevaron a muchos arquitectos fuera de la URSS a considerar su trabajo como constructivista a fines de la década de 1920. Arquitectos de la Nueva Objetividad como los colaboradores de Lissitzky,  Mart Stam y el Grupo ABC dirigido por Hannes Meyer adoptaron la geometría severa del Constructivismo y la estética tecnológicamente avanzada, a pesar de su lejanía de su contexto original. El cambio de la Bauhaus en 1922 hacia “arte y tecnología -una nueva unidad” a menudo se consideraba constructivista, mientras que el crítico y diseñador checo Karel Teige del libro de 1932 The Minimum Dwelling utiliza el funcionalismo y el constructivismo como términos intercambiables. El constructivismo también tuvo un impacto notable en Streamline Moderne.

 

Quizás los ejemplos más conocidos del constructivismo occidental de la década de 1920 son algunos edificios en los Países Bajos:  Van Nelle Factory en Rotterdam (1927-31) por Leendert van der Vlugt y Mart Stam de la firma de arquitectura Brinkman & Van der Vlugt.
Sanatorio Zonnestraal en Hilversum (1926-28) por Jan Duiker y Bernard Bijvoet.
Open Air School en Amsterdam (1929-30) por Jan Duiker. Desde la parte posterior, esta escuela tiene una expresión arquitectónica similar a la del Club de Trabajadores de Rusakov en Moscú (1927-28) de Konstantin Melnikov. La fábrica Van Nelle en Rotterdam y el sanatorio Zonnestraal en Hilversum están nominados para el Patrimonio Mundial de la UNESCO. Para los estructuralistas holandeses Aldo van Eyck y Herman Hertzberger, el constructivista Lovell Beach House en Newport Beach de Rudolph Schindler fue un modelo inspirador para su propia arquitectura.

 

Otro país occidental en el que el constructivismo tuvo una gran influencia fue la antigua Checoslovaquia, cuando era la fuente principal para el desarrollo de una forma específica de funcionalismo checo y eslovaco. El edificio constructivista más conocido en la antigua Checoslovaquia es probablemente el Centro Comercial y Residencial Manderla en Bratislava. Los primeros propagadores del constructivismo y el funcionalismo posterior en Checoslovaquia fueron Jiří Grossmann y Alois Balán. Actuaban sobre todo en Bratislava, que en los años 1920 y 1930 se convirtió en una nueva capital dinámica. A pesar de la ambición de muchas propuestas constructivistas para ciudades reconstruidas, hubo muy pocos ejemplos de planificación urbana constructivista coherente. Sin embargo, el distrito Narvskaya Zastava de Leningrado se convirtió en un foco para el constructivismo. A partir de 1925, arquitectos como A. Gegello y Alexander Nikolsky de OSA diseñaron la vivienda comunal, así como edificios públicos como el Ayuntamiento de Kirov de Noi Trotsky (1932-4), una escuela experimental de GA Simonov y una serie de Las lavanderías y cocinas comunales, diseñadas para el área por miembros locales de ASNOVA.

 

Muchos de los constructivistas esperaban ver sus ambiciones realizadas durante la ‘Revolución Cultural’ que acompañó el primer plan quinquenal. En este punto, los constructivistas se dividieron entre urbanistas y disurbanistas que preferían una ciudad jardín o un modelo de ciudad lineal. The Linear City fue propagandizada por el jefe del Comisariado de Finanzas Nikolay Milyutin en su libro Sozgorod, también conocido como Sotsgorod (1930). Esto fue llevado a un nivel más extremo por el teórico de OSA Mikhail Okhitovich. Su disurbanismo propuso un sistema de edificios unifamiliares o unifamiliares conectados por redes de transporte lineal, distribuidos en un área enorme que atravesaba los límites entre lo urbano y lo agrícola, en lo que se parecía a un equivalente socialista de la Ciudad Broadacre de Frank Lloyd Wright. Los disurbanistas y urbanistas propusieron proyectos para nuevas ciudades como Magnitogorsk a menudo fueron rechazados a favor de los arquitectos alemanes más pragmáticos que huían del nazismo, como ‘Brigada de mayo’ Ernst May, Mart Stam, Margarete Schütte-Lihotzky o la ‘Brigada Bauhaus’ dirigida por Hannes Meyer y Bruno Taut.

 

La planificación urbana de Le Corbusier encontró un breve favor, con el arquitecto escribiendo una “respuesta a Moscú” que más tarde se convirtió en el plan de Ville Radieuse, y diseñando el edificio del gobierno Tsentrosoyuz con el constructivista Nikolai Kolli. Los apartamentos dúplex y las instalaciones colectivas del grupo OSA fueron una gran influencia en su trabajo posterior. Otro famoso modernista, Erich Mendelsohn, diseñó la Fábrica Textil Red Banner de Leningrado y popularizó el Constructivismo en su libro Russland, Europa, Amerika. Un proyecto del Plan de Cinco Años con una gran contribución Constructivista fue DnieproGES, diseñado por Victor Vesnin . El Lissitzky también popularizó el estilo en el extranjero con su libro de 1930 The Reconstruction of Architecture in Russia.

 

El concurso de 1932 para el Palacio de los Sovietes, un grandioso proyecto para rivalizar con el Empire State Building, contó con la participación de los principales constructivistas, así como de Walter Gropius, Erich Mendelsohn y Le Corbusier. Sin embargo, esto coincidió con la crítica generalizada del Modernismo, que siempre fue difícil de sostener en un país aún mayormente agrario. También estaba la crítica de que el estilo simplemente copiaba las formas de la tecnología mientras se usaban métodos de construcción bastante rutinarios. La obra ganadora de Boris Iofan marcó el comienzo del historicismo ecléctico de la arquitectura estalinista, un estilo que tiene similitudes con el postmodernismo en que reaccionó contra el cosmopolitismo de la arquitectura modernista, supuesta fealdad e inhumanidad con una mezcla de estilos históricos, a veces logrados con nueva tecnología. Los proyectos de vivienda como el Narkomfin fueron diseñados para los intentos de reformar la vida cotidiana en la década de 1920, como la colectivización de las instalaciones, la igualdad de los sexos y la crianza colectiva de los niños, que cayeron en desgracia a medida que el estalinismo revivió los valores familiares. Los estilos del viejo mundo también se revivieron, y el Metro de Moscú, en particular, popularizó la idea de los “palacios de los trabajadores”.

 

A fines de la década de 1920, el constructivismo era la arquitectura dominante del país, y sorprendentemente muchos edificios de este período sobreviven. Inicialmente, la reacción fue hacia un clasicismo art decó que inicialmente se inflexionaba con dispositivos constructivistas, como en Iofan’s House on Embankment de 1929-32. Durante algunos años algunas estructuras fueron diseñadas en un estilo compuesto a veces llamado postconstructivismo.  Después de esta breve síntesis, la reacción neoclásica fue totalmente dominante hasta 1955. Los edificios racionalistas todavía eran comunes en la arquitectura industrial, pero se extinguieron en proyectos urbanos. Los últimos edificios constructivistas aislados se lanzaron en 1933-1935, como el edificio Pravda de Panteleimon Golosov (terminado en 1935), el Instituto Textil de Moscú (terminado en 1938) o los vestíbulos racionalistas de Ladovsky para el metro de Moscú. Claramente las entradas de la competencia modernista fueron hechas por los hermanos Vesnin e Ivan Leonidov para el proyecto Narkomtiazhprom en la Plaza Roja, 1934, otro edificio estalinista sin construir. Huellas de constructivismo también se pueden encontrar en algunas obras socialistas realistas, por ejemplo, en las elevaciones futuristas del Pabellón de París ultraestalinista 1937 de Iofan, que tenía interiores suprematistas de Nikolai Suetin.

 


Debido en parte a su compromiso político -y a su reemplazo por la arquitectura estalinista- las formas mecanicistas y dinámicas del constructivismo no formaban parte del platonismo apacible del estilo internacional como lo definieron Philip Johnson y Henry-Russell Hitchcock. Su libro incluía solo un edificio de la URSS, un laboratorio eléctrico de un equipo del gobierno dirigido por Nikolaev. Durante la década de 1960, el constructivismo fue rehabilitado hasta cierto punto, y tanto los edificios experimentales más salvajes de la época (como el Globus Theatre o el Tbilisi Roads Ministry Building) como los apartamentos sin ornamentos de Khrushchyovka son, en cierto sentido, una continuación del experimento abortado, aunque bajo condiciones muy diferentes. Fuera de la URSS, el constructivismo a menudo ha sido visto como una modernidad alternativa, más radical, y su legado se puede ver en diseñadores tan diversos como Team 10, Archigram y Kenzo Tange, así como en muchos trabajos brutalistas. Su integración de la vanguardia y la vida cotidiana tiene un paralelismo con los situacionistas, particularmente con el proyecto New Babylon de Guy Debord y Constant Nieuwenhuys.

 

La arquitectura de alta tecnología también tiene una deuda con el constructivismo, más obviamente en el edificio Lloyd’s de Richard Rogers. Los primeros proyectos de Zaha Hadid fueron adaptaciones de Malevich’s Architektons, y la influencia de Chernikhov es clara en sus dibujos. El deconstructivismo evoca el dinamismo del constructivismo, aunque sin el aspecto social, como en el trabajo de Coop Himmelb (l) au. A fines de la década de 1970, Rem Koolhaas escribió una parábola sobre la trayectoria política del constructivismo llamada La historia del estanque, en la que los constructivistas escapan de la URSS en una piscina modernista autogestionada, solo para morir, después de haber sido criticados por las mismas razones como lo fueron bajo el estalinismo, poco después de su llegada a los Estados Unidos. Mientras tanto, muchos de los edificios Constructivistas originales están mal conservados o en peligro de demolición inminente.

 

ÁLBUM DE FOTOS:

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Fuente: https://www.hisour.com/es/constructivist-architecture-28935/

 

 

 

 

 

 

 

19. sep., 2019

Wells Wintemute Coates (Tokio, 17 de diciembre de 1895-Vancouver, 17 de junio de 1958) fue un ingeniero y diseñador canadiense establecido en el Reino Unido, de estilo racionalista. Nació en Tokio (Japón) en 1895, hijo de los misioneros metodistas Harper Havelock Coates y Sarah Agnes Wintemute.  El deseo del joven de ser arquitecto se inspiró en su madre, quien estudió arquitectura con Louis Sullivan y planeó una de las primeras escuelas misioneras en Japón. Coates pasó su juventud en el Lejano Oriente y viajó por el mundo con su padre en 1913. Sirvió en la Primera Guerra Mundial, primero como artillero y luego como piloto con la Royal Air Force. Asistió a la Universidad de Columbia Británica, donde obtuvo una licenciatura  en mayo de 1922, y en octubre de 1922 se inscribió en el East London College, donde estudió ingeniería (obtuvo un doctorado en 1924). 

 

Entre sus primeros trabajos en Inglaterra fue como periodista y luego con la firma de diseño de Adams y Thompson en 1924.  Estableció su propia firma en 1928. Entre 1932 y 1936, Coates se asoció con el arquitecto inglés David Pleydell-Bouverie y diseñaron juntos la Casa Sunspan para la Exposición de la Casa Ideal del Daily Mail de 1934 celebrada en Olympia, Londres. Una casa estandarizada, proyectada sobre una planta curva, que se construyó bajo licencia en diversos lugares.

 

En 1932 fue elegido junto a Serge Chermayeff y Raymond McGrath para diseñar las instalaciones interiores de la Casa de la Radio de Londres. Ese año se integró en el grupo artístico de vanguardia Unit One, en el que figuraban también Henry Moore y Barbara Hepworth. Al año siguiente fue uno de los fundadores, con Maxwell Fry y Francis Yorke, del Modern Architectural Research Group (MARS), la sección inglesa del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM), del que fue presidente. Fue el representante inglés en el IV Congreso del CIAM celebrado en 1933 en Atenas y, posteriormente, fue presidente de la comisión de Industrialización de la construcción del CIAM. ​

 

Wells abrazó el mantra arquitectónico de Le Corbusier de que los edificios deberían ser 'máquinas para vivir' ( machine à habiter ). Este ideal se reflejó mejor en su edificio Isokon (también conocido como Lawn Road Flats), completado en 1934. El edificio fue comparado con el exterior de un transatlántico por la novelista Agatha Christie , que vivió allí durante un tiempo, tan limpio y llamativo fue el diseño. El edificio de apartamentos fue una creación de Jack y Molly Pritchard , quienes en 1931 establecieron una firma de diseño con arquitectura y muebles modernistas . Con espacios habitables muy sencillos fuertemente influenciados por la experiencia japonesa de Coates, e incluyendo muebles empotrados, Isokon fue "un experimento en viviendas colectivas diseñadas para intelectuales de izquierda". 

 

Se convirtió en un refugio para alemanes y húngaros que escapaban de la persecución nazi y acogió a muchos personajes famosos, incluidos Agatha Christie, Walter Gropius , Laszlo Moholy-Nagy y Marcel Breuer .  Isokon se adelantó a su tiempo: ganó el segundo lugar en la 'Competencia de construcción más fea' de Horizon Magazine en 1946, y no sería reconocido como uno de los edificios modernistas más importantes de Inglaterra por otra década. El edificio cayó en mal estado en la década de 1990, pero cambió de propietario en 2001 y fue completamente restaurado en 2004.  Poco después fue autor de una casa de campo en North Benfleet, Essex (1934-1936). Entre 1934 y 1937 edificó dos grandes bloques de viviendas, Embassy Court en Hove y 10 Palace Gate en Kensington (Londres), este último inspirado en el Pabellón suizo de la Ciudad Internacional Universitaria de París diseñado por Le Corbusier.

 

Como diseñador cabe destacar una gama de aparatos de radio para la empresa EKCO (1932) y unos muebles de tubo y contraplacado para la firma PEL Ltd. Durante la Segunda Guerra Mundial, nuevamente sirvió con la RAF, esta vez trabajando en el desarrollo de aviones de combate, por lo que más tarde se le nombro Oficial del Imperio Británico. Después de la guerra, él, al igual que otros arquitectos bien conocidos, incluidos Gropius y Breuer (que trabajaban en América), contribuyó al esfuerzo de la vivienda británica de la posguerra al introducir un esquema temprano de vivienda modular que llamó Room Unit Production.

 

En 1949-50, diseñó el edificio de Telekinema para el Festival de la Exposición South Bank de Gran Bretaña . Este cine de última generación con 400 asientos, especialmente diseñado para proyectar tanto películas (incluidas las primeras películas tridimensionales) como la televisión de pantalla grande, demostró ser una de las atracciones más populares de la Exposición South Bank en el verano. de 1951. Operado y programado por el British Film Institute , volvió a abrir como el National Film Theatre en octubre de 1952, hasta su demolición en 1957 cuando el NFT fue reubicado  bajo el puente de Waterloo.  

 

También diseñó un barco notable, llamado Wingsail. Tenía un diseño rígido de vela montado en un casco de catamarán. Aunque formó una compañía para comercializar el diseño, no fue un éxito, ya que tanto la vela como el catamarán se adelantaron a su tiempo.  Es menos conocido por su trabajo de planificación. En 1937, emprendió la planificación de una limpieza de barrios marginales en Gran Bretaña (no implementado). En Canadá (1952–54) preparó planes para Iroquois New Town en el río St. Lawrence en el este de Ontario que tampoco fueron implementados (el diseño fue otorgado a otros). También preparó planes para un Proyecto de Reurbanización de la Isla de Toronto, y participó en el esquema de redesarrollo urbano del Proyecto 58 para Vancouver.

  

Ante la falta de encargos en la Inglaterra de posguerra marchó a Estados Unidos, donde fue profesor en la Graduate School of Design de la Universidad de Harvard entre 1955 y 1956. Posteriormente regresó a Vancouver después de dos años, donde participó en la planificación de la nueva ciudad de Iroquois en Ontario. Su última tarea fue diseñar un sistema de transporte rápido monorraíl  para la British Columbia Electric Company  de Vancouver, denominado Sistema Monospan Twin-Ride (MTRS). Una vez más, se adelantó a su tiempo. El proyecto fue abandonado, pero se rejuvenecería años más tarde en otra forma conocida como SkyTrain .  Wells Coates murió de un ataque al corazón en Vancouver el 17 de junio de 1958 a la edad de 63 años. Coates se casó con Marion Grove en 1927. Tuvieron una hija, Laura, y se separaron en 1937.

 

Álbum de fotos:

https://www.facebook.com/carlos.bentocompany/media_set?set=a.3048251211856695&type=3

 

Fuente:

https://es.wikipedia.org/wiki/Wells_Coates  

 

 

 

 

 

 

 

17. sep., 2019

 

Hoy quiero hablar de dos arquitectos españoles, que en diciembre de este año 2019 cumplirán respectivamente 94 y 92 años.  Dos ilustres nonagenarios: Oriol Bohigas y Antonio Fernández Alba. Ambos han sido profesores muy relevantes en las escuelas de arquitectura de Barcelona y Madrid.  

Ambos también  han compaginado, no solo la docencia con el ejercicio profesional, sino también con otras actividades como la política en el caso de Bohigas o la restauración del Patrimonio en el caso de Fernández Alba. Dos trayectorias, sin embargo, muy distintas desde los puntos formal e ideológico, que sin embargo considero muy importantes e influyentes en la arquitectura española, a la hora de superar los dogmas del Movimiento Moderno.

 

ORIOL BOHIGAS GUARDIOLA.  Fecha de nacimiento 10 de diciembre de 1925

"Arquitecto. Está considerado el padre del urbanismo barcelonés. Su dilatada carrera le valió el Premio Nacional de Arquitectura en el año 2006."

 Arquitecto y técnico diplomado en urbanismo, nacido en Barcelona, en 1925. Tras licenciarse en Arquitectura, en 1951, junto con Joseph Martorell (1925-2017), funda el “Grupo R”. Este colectivo pretendía difundir las nuevas tendencias arquitectónicas internacionales del momento. En 1962, ambos forman, junto a David Mackay (1933-2014), el estudio de arquitectura MBM, con el que ha llevado a cabo sus principales proyectos.

Muy comprometido políticamente, ha sido miembro del Partido Socialista de Cataluña y ha ocupado diversos cargos políticos. Profesor en la E.T.S. de Arquitectura de Barcelona, en 1977 fue nombrado director. Presidente de la editorial Edicions 62 desde 1975 hasta 1999. En 1980 fue designado delegado del área de urbanismo del Ayuntamiento de Barcelona y en 1991 fue nombrado regidor de cultura. Inspirador de la política urbanística llevada a cabo por el Ayuntamiento. Su intervención fue clave en los proyectos desarrollados para los Juegos Olímpicos de Barcelona, para los que llevó a cabo algunas de sus obras más importantes: la Villa y el Puerto Olímpico de Barcelona. Ha ganado numerosos premios FAD. En el año 1999 se le entregó el premio Ciutat de Barcelona y en 2001 se ha otorgado el mismo premio al equipo MBM. 


Galardones:

FAD (1959,1962,1966,1979)

Medalla de Oro de la Arquitectura (1990)

Creu de Sant Jordi (1991)

Premio Ciutat de Barcelona (1999)

Premio Nacional de Arquitectura (2006)

 

ANTONIO FERNÁNDEZ ALBA  Fecha de nacimiento 17 de diciembre de 1927

 "Arquitecto. Está considerado un importante intelectual del siglo XX. Recibió el Premio Nacional de Arquitectura en 2003."

Arquitecto español, uno de los principales representantes de la crítica al movimiento moderno en su país durante la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Salamanca, estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid, donde obtuvo el título de arquitecto en 1957, en la que se doctoró en 1963 y de la que fue profesor durante cerca de 40 años. En su primera obra, el colegio de Santa María en Madrid (1959-1960), ya se aprecian rasgos del regionalismo crítico, influenciados por el finlandés Alvar Aalto. Pero su oposición a la ortodoxia racionalista es mucho más evidente en el convento del Rollo en Salamanca (1960-1962), que le consagró como maestro del organicismo español y por el que obtuvo el Premio Nacional de Arquitectura.  

A lo largo de su trayectoria ha compaginado la actividad docente con su labor al frente del Instituto de Restauraciones del Patrimonio Histórico Español del que fue director entre 1984 y 1987 o del Patronato del Museo de Arte Contemporáneo del que fue presidente entre 1987 y 1990. Crítico con la arquitectura de su tiempo, su obra es el resultado de una reflexión crítica en torno al espacio arquitectónico de la sociedad actual. Las investigaciones formales, superado el purismo del estilo internacional, han sido una constante en la obra de Fernández Alba, que sin embargo se ha mantenido siempre al margen de las corrientes formalistas posmodernas. Entre sus obras posteriores destacan el colegio Monfort en Loeches (1963-1965), la biblioteca del Instituto de Cooperación Iberoamericana en Madrid, junto a su maestro José Luis Fernández del Amo (1978-1979), el edificio de los Servicios Funerarios de Madrid (1982) y la primera rehabilitación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1980-1986). En 1989 fue nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y  en 2004, fue elegido para ocupar el sillón “o” en la Real Academia Española de la Lengua.

Galardones:

Premio Nacional de Arquitectura (1963, 2003)

Premio Nacional de Restauración (1981)

Premio Artes Castilla y León (1988)

Medalla de Honor Universidad Internacional Menéndez Pelayo (2001)

Medalla de Oro de Arquitectura de la CSCAE (2002)

Premio ARPA por Plan Nacional de Patrimonio Industrial (2004)

 

Álbum de Fotos:

https://www.facebook.com/carlos.bentocompany/media_set?set=a.3043689705646179&type=3

 

Fuentes: www.epdlp.com/arquitecto.php

www.españaescultura.es/es/artistas_creadores/

 

 

 

 

 

 

9. sep., 2019

Wilhelm Wagenfeld (15 de abril de 1900Bremen - 28 de mayo de 1990,  Stuttgart) fue un diseñador industrial destacado del siglo XX y pionero del diseño moderno. Estudió en la Bauhaus y trabajó en diseños en vidrio y metal para industrias y empresas como Jenaer Glaswerk Schott & Gen., Vereinigte Lausitzer Glaswerke en Weißwasser, Rosenthal, Braun GmbH y WMF. Se formó en la platería Koch & Bargfeld y entre 1916 y 1922 asistió a la escuela Kunstgewerbeschule de Bremen y a la academia de dibujo Zeichenakademie de Hanau. Además, asistió a la escuela local de artes de 1916 a 1919. Entre 1919 y 1922, recibió una beca de la Academia del Diseño del Estado de Hanau/Main y se formó para ser un artesano de plata. Gracias a la beca pudo estudiar en Fachschule de Edelmetalle mejor conocida como Academia de dibujo de Hanau. En 1923 puso un taller en Barkenhoff, Worpswede con Bernhard Hoetger y Heinrich Vogeler.

 

También en 1923 se matriculó en la Bauhaus de Weimar y fue alumno del taller de metal de László Moholy-Nagy y Christian Dell. Fue allí donde diseñó, junto a Karl J. Jucker, su creación más sobresaliente, la famosa lámpara de mesa Bauhaus también llamada MT8, que logró fabricar en serie en la misma escuela. Gracias a ella, fue el primero en lograr luz indirecta basado en premisas constructivistas. Su logro se dio con la combinación de metal y una pantalla de vidrio opalino que le permitía una gran difusión de la luz.

 

Cuando terminó el curso se convirtió en ayudante del taller de metal de la Bauhaus de Weimar siendo asistente del director Richard Winkelmayer, director del taller de metal.  Mientras, inició su andadura como profesional independiente, diseñando objetos para el hogar y picaportes. En 1928 asumió la dirección del taller de metal del que era ayudante, donde realizó diseños como el servicio de té M15, con formas menos duras que sus trabajos anteriores. A partir de 1928 trabajó para Schott & Gen. de Jena, haciendo cristalería, y un año más tarde fundó su propio estudio de diseño.

 

Él y muchos otros maestros de la academia fueron despedidos en 1930 debido a la insistencia del partido político NSDAP, quien era el representante del estado federado de Turingia. A principios de 1930 comenzó a trabajar como proveedor independiente del Ministerio de Economía de Turingia para supervisar a los artesanos de cristal independientes. Después en 1930, Wagenfeld diseñó sus famosos famosos contenedores de Kubis (1938) de Vereinigte Lausitzer Glaswerke.

 

Desde 1931 ejerció la docencia en la Staatliche Kunsthochschule de Berlín. Además fue solicitado para dar clases en la Academia de Arte del Estado de Grunewaldstrasse  en Berlín en 1931. Así mismo comenzó a trabajar como proveedor independiente de la fábrica de cristal de Jena Schott & Gen. Permaneció en la Academia de Arte del Estado de Grunewaldstrasse  hasta 1935, cuando se convirtió en el director artístico de la compañía Vereinigte Lausitzer Glaswerke, en GörlitzSajonia, para la que diseñó productos de vidrio para la fabricación en serie como botellasjarras, etc. En 1937 su trabajo fue exhibido en la Exposición Mundial de París, donde obtuvo el Grand Prix. Obtuvo también el Grand Prix de la Trienal de Milán en 1940. De la labor en esta empresa destaca el sistema modular Kubus (1938) de recipientes para cocina. Durante ese período también diseñó vajilla de porcelana para Rosenthal.

 

Al negarse a ingresar en el Partido Nazi, fue enviado al frente Ruso donde fue encarcelado como prisionero de guerra. Cuando finalizó la guerra y lo liberaron, publicó varios artículos en revistas como Die Form, donde describía su enfoque funcionalista del diseño. Tras la guerra, en 1945 Wagenfeld regresó a la Weiswasser. Recibió numerosas ofertas de academias, entre ellas una cátedra en la Academia de las Bellas Artes de Berlín liderada por Hans Scharoun. También se le ofreció la dirección en el departamento de Escritura y Estandarización del Instituto de Ingeniería Civil en la Academia de Ciencias de Alemania.

 

Entre 1950 y 1977 colaboró con el Taller de Metal Württemberg (Württembergische Metallwarenfabrik AG, WMF) en Geislingen. En 1954 fundó el Taller Experimental y de Desarrollo para los Modelos de la Industria en Stutgart, que existió hasta 1978. En él se desarrollaron numerosos diseños para empresas industriales como Rosenthal-Porzellan AG, la Peill & Putzler Glashüttenwerke GmbH, la Compañía Braun y la Pelikan factory. En 1954 fundó el taller Wagenfeld en Stuttgart, donde desarrolló productos de fabricación industrial como los objetos de metal para WMF y las bandejas de comida de aviones para Lufthansa. En su ciudad natal de Bremen se puede encontrar un museo dedicado a su trabajo junto con una escuela llamada Wagenfeld en su honor.

 

Wagenfeld siempre tuvo fuertes lazos con la Bauhaus, aunque no estaba de acuerdo con la doctrina de formación en diseño de la institución, demasiado teórica y egocéntrica. Sin embargo, estaba de acuerdo con la visión que tenía la Bauhaus acerca de que la función era un prerrequisito para el buen diseño y que la práctica profesional del diseño industrial requería de una intensa cooperación entre el diseñador y el fabricante. Actualmente es una reconocida figura de la Bauhaus y se considera que sus diseños representan los ideales que defendía esta institución. Además, algunos de éstos siguen produciéndose hoy en día. Uno de sus clásicos es la lámpara Wagenfeld Lampe, de 1924.

 

Walter Gropius, fundador de la Escuela de Bauhaus, describió el trabajo de Wagenfeld como una consistente aplicación de la esencia del Bauhaus con un énfasis socialmente responsable, un ejemplo de la adherencia a la filosofía de Bauhaus de "La forma sigue a la función". Sus diseños con caracterizados por la unión entre funcionalismo y belleza, como pretendía la estética de la Bauhaus.

Álbum de fotos:

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Fuente:  https://es.wikipedia.org/wiki/Wilhelm_Wagenfeld

 

 

 

 

 

 

6. sep., 2019

 

Tamara de Lempicka, nacida Maria Gurwik-Górska (Varsovia16 de mayo de 1898 – Cuernavaca18 de marzo de 1980), fue una pintora polaca que alcanzó la fama en Europa y Estados Unidos con sus retratos y desnudos de gusto art déco. Nació en un ambiente de lujos y abundancia. Fue educada en un entorno femenino por su abuela, su madre y su tía. Viajó, tomó lecciones de arte, aprendió idiomas y buenos modales. En 1918, se casó con Tadeusz Łempicki, con quien se mudó a París, y allí continuó sus estudios de pintura. Desde sus primeras obras, Lempicka buscó representar la figura humana. Al respecto comentó Germain Bazin: "Un cuadro de Tamara se representa en general como un bajorrelieve de una sola figura de volúmenes poderosos que llena todo el campo del lienzo, hasta el punto en que, a menudo, la cabeza está cortada por el borde superior".​

 

Nació en el seno de una familia acaudalada, siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter. Su madre era Malwina Dekler, una socialité polaca.Su padre fue un abogado judío de origen ruso que trabajaba para una comercializadora francesa, llamado Boris Gurwik-Górski. Fue la segunda de tres hijos y asistió a un internado en LausanaSuiza. En 1910, pintó un retrato de su hermana, que sería su primer trabajo. Pasó el invierno de 1911 con su abuela en Italia, viaje en el que descubrió su pasión por el arte. En 1912, sus padres se divorciaron y Lempicka se mudó a San Petersburgo con su tía Stefa, una mujer bien acomodada en la sociedad rusa. Cuando su madre se casó por segunda vez, ella decide vivir por su cuenta y pronto encontró al hombre con el que se casó. Gracias a los contactos de su tío, conoció al abogado polaco Tadeusz Łempicki (1888-1951) en 1916 y contrajo matrimonio con él en San Petersburgo, llevando una vida lujosa hasta que estalló la revolución de octubre de 1917.

 

Su marido fue encarcelado por los bolcheviques y Lempicka tuvo que buscarlo en varias cárceles. Con la ayuda del cónsul sueco logra sacarlo de prisión para trasladarse a Copenhague. Posteriormente se mudaron a Londres y finalmente a París, a donde también escapó su familia. En 1923, se establecieron en París, donde nació su única hija, Kizette. Tamara, ya con un nuevo nombre y en calidad de refugiada, tomó clases de pintura con Maurice Denis en la Académie Ranson y con André Lhote en la Académie de la Grande Chaumière, quienes influenciaron en su trabajo. Su estilo, que a menudo se identifica como "cubismo suave", empezó a cobrar popularidad a partir de 1922, año en que empezó a exhibir su trabajo, aunque no aparecía como mujer en los catálogos.

 

En 1925, presentó su primera exposición en MilánItalia, bajo su propio nombre, apoyada por el Conde Emmanuele Castelbarco. Para ello, Lempicka pintó 28 cuadros nuevos en seis meses, un esfuerzo supremo considerando que cada retrato le tomaba cerca de tres semanas de trabajo. En 1927, su cuadro Kizette en el balcón la hace acreedora de su primer premio, un diploma de honor en la Exposición Internacional de Burdeos. En 1929 se divorcia de Tadeusz y es en ese año que pinta uno de sus trabajos más famosos, Autorretrato en un Bugatti verde. En esta obra, Tamara de Lempicka recuerda la trágica muerte de la bailarina estadounidense Isadora Duncan, quien murió estrangulada en 1927, cuando su largo chal se enreda en una de las ruedas posteriores de su Bugatti. ​ Ese mismo año conoce al barón húngaro Raoul Kuffner de Diószegh (1886-1961), un coleccionista de su obra con quien viaja a Estados Unidos.

 

En 1932 visita España. ​ Un año después, en 1933, Tamara acepta casarse con el barón, aunque no oculta su orientación bisexual. Al poco tiempo, se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. En esos años viaja temporalmente a Chicago, donde trabaja con Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe. ​ En 1938, se van a vivir a Beverly HillsCalifornia. En 1941, Kizette escapa de París bajo ocupación nazi y se va a vivir con su madre a Estados Unidos, donde rehace su vida. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo. En 1962 muere su esposo y en 1978 ella decide mudarse a Cuernavaca, en México.

 

El 18 de marzo de 1980, Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca mientras dormía. Kizette, complaciendo el deseo de su madre y acompañada del escultor mexicano Víctor Manuel Contreras (heredero de gran cantidad de las obras de la pintora), subió a un helicóptero y arrojó sus cenizas en el cráter del volcán Popocatépetl. Solo unos años antes, su obra había sido redescubierta con una gran retrospectiva en París. ​

 

Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras. Sus influencias principales son BotticelliBronzino, el retrato manierista en general y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Curiosamente, Lempicka empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de moda.

 

Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos, también retrató a su hija y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York. Incluso realizó cuadros de flores. Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra StreisandJack Nicholson y Madonna, de quienes se dice que coleccionan sus pinturas. Madonna se inspiró en ella para su video musical Vogue, de 1990. También aparece un cuadro de Tamara en el vídeo musical de la canción Open Your Heart, de la misma cantante.

Álbum de fotos:

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Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Tamara_de_Lempicka