Arte y Arquitectura

7. dic., 2019

 

En 1972, los estudiantes de arquitectura recibimos como un soplo de aire fresco un libro, "Five Arquitects", con los primeros trabajos de cinco arquitectos de Nueva York, que exploraban distintos caminos por los que avanzar desde un común punto de arranque:  La arquitectura racionalista de Le Corbusier en los años 20.

 

Five Architects recogía la obra de un grupo de arquitectos estadounidenses (también llamado New York Five) compuesto por Peter Eisenman, Michael Graves, Charles Gwathmey, John Hejduk y Richard Meier.

 

Su obra apareció conjuntamente por primera vez en el Museum of Modern Art de Nueva York, en una exposición organizada por Arthur Drexler en 1967. Con una propuesta formal común de aspecto neorracionalista, pretendían recuperar las formas puras de la arquitectura moderna, teniendo como referente más significativo la obra de Le Corbusier durante los años veinte y treinta. 

 

 A partir de aquella exposición neoyorquina, los miembros de Five Architects desarrollaron un trabajo divergente, negando posteriormente cada uno de ellos cualquier relación con los demás, pese a que su unión temporal los llevó a la fama mundial. En España, tres de ellos tuvieron oportunidad de recibir encargos oficiales para realizar edificios importantes, tales como el Museo de Arte Contemporáneo de Richard Meier en Barcelona o la Ciudad de la Cultura en Santiago, encargada a John Hejduk y posteriormente modificada y ejecutada por Peter Einseman. 

 

John Hejduk fue ante todo un educador que centró su trabajo en la Universidad Cooper Union, y falleció en 2000. Charles Gwathmey  se mantuvo fiel al estilo moderno, aunque su pureza se vió atenuada por la realidad de los grandes encargos corporativos y públicos. Murió el 3 de agosto de 2009. Los otros tres han realizado un trabajo significativamente divergente.

 

El 12 de marzo de 2015 falleció Michael Graves, el tercero de aquellos Five que nos deja. Charles Ghatmey en 2009. Graves recibió en 2001 recibió la Medalla de Oro del AIA (Instituto Americano de Arquitectos). Poco tiempo después de la publicación de Five Architects, abandonó la claridad de aquella arquitectura corbusierana, blanca y de líneas claras, para convertirse en uno de los mayores exponentes del Postmodernismo, tendencia arquitectónica que llenó de referencias clásicas y de confusión la arquitectura en el mundo occidental.

 

Hoy tan sólo quedan en activo Einseman y Meier, ambos arquitectos pertenecientes al llamado Star System de la arquitectura, o dicho de otro modo, convertidos en empresas multinacionales de proyectos, el segundo más que el primero. Eisenman ha limitado su trabajo a las imágenes y los modelos de los diseños arquitectónicos de futuro en los medios impresos, aunque se convirtió en el arquitecto más asociado con el deconstructivismo. Meier ha sido el más fiel a la estética moderna y al estilo de Le Corbusier.

 

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Fuente:  https://www.diariodejerez.es/ocio/Five-Architects_0_899310249.html   

 

 

 

 

 

 

 

 

4. dic., 2019

 

Josep Maria Sostres Maluquer (Seo de Urgel, 1915 - Barcelona, 1983) Arquitecto español formado en Barcelona. Fue cofundador y miembro del Grupo R, que contribuyó a la renovación de la arquitectura española de la posguerra. Experimentó, en una primera etapa, con materiales naturales y elementos tradicionales en proyectos como la Casa Elías (Bellver de Cerdaña, 1946), la Casa Cusí (Seo de Urgel, 1952) y el hotel María Victoria (Puigcerdà, 1952). A partir de finales de los años cincuenta desarrolló un estilo plenamente moderno, influido por el neoplasticismo, en obras como la Casa Agustí (Sitges, 1953-1955), la Casa Iranzo (Esplugues de Llobregat, 1957) y la reforma del edificio del diario El Noticiero Universal (Barcelona, 1963-1965). Desde 1962 fue catedrático de historia de la arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. Recibió el Premio Nacional de Arquitectura en 1972.

 

Nacido en la población leridana de Seo de Urgel, a los seis años pasó con su familia a Montblanc (Tarragona), donde, según su propio testimonio, se despertó su sensibilidad arquitectónica durante la visita al monasterio de Poblet. Poco después residió en Vilanova i la Geltrú (Barcelona) y entró en contacto con el mundo modernista gracias a sus reiteradas visitas a la vecina Sitges (Barcelona). Al contacto con Mir y otros artistas, Josep Maria Sostres empezó a ejercitarse en la pintura, una práctica que le iba a acompañar a lo largo de casi toda su vida. En 1933 se trasladó a Madrid para ingresar en la Escuela de Ingenieros de Caminos; sin embargo, una inesperada enfermedad le obligó a regresar definitivamente al hogar familiar, sito ya en Barcelona. En la capital catalana inició los estudios de ciencias exactas con la intención de ingresar en la Escuela de Arquitectura, frecuentó los ambientes artísticos y se vinculó a algunos grupos literarios. En 1935 realizó su primera exposición en el Salón de Artistas Universitarios de la Universidad Autónoma de Barcelona.

 

 A lo largo de esa etapa realizó algunos trabajos dignos de mención, como un anteproyecto para un teatro de arte dramático y el Estudio sobre la figura y obra de Otto Wagner, a quien Josep Maria Sostres admiraba profundamente. Tras titularse en 1946, Joan Francesc Ràfols, uno de sus más reconocidos maestros, le ofreció un puesto de ayudante en la Escuela de Arquitectura de Barcelona. Vinculado durante toda su vida profesional a esta institución, a partir de 1957 fue profesor de Historia de las Artes Plásticas e Historia de la Arquitectura, cátedra a la que accedió en 1962. En 1946 viajó a Italia y estudió la obra de Giuseppe Terragni, una de las personalidades más interesantes e influyentes del racionalismo arquitectónico italiano. De vuelta a Barcelona abrió su propio estudio y fue contratado como arquitecto municipal interino en la población de Bellver de Cerdanya (Lleida).

 

A finales de la década de 1940 proyectó sus primeras construcciones, entre las que cabe mencionar las casas de campo del Camí de Talló, en Bellver. En 1949 consiguió, junto con otros cinco colegas, el primer premio en el Concurso de Ideas para la Solución del Problema de la Vivienda Económica, convocado por el Colegio de Arquitectos de Barcelona. En ese momento se vinculó a agrupaciones católicas relacionadas con el ámbito de la arquitectura y la vivienda, y entabló una intensa relación profesional con Antoni de Moragas y Ramon Tort.

 

En 1951 participó en la formación del Grup R, del que Josep Maria Sostres fue el principal animador cultural y teórico. Su relación epistolar con el historiador del arte Nikolaus Pevsner alimentó en él la firme voluntad de convertirse en erudito y teórico de la arquitectura. A partir de 1953, y en un espacio de tiempo de apenas un decenio, se erigieron la mayor parte de sus edificios, obras que ponían de manifiesto su independencia artística y su segura posición teórica. Entre ellas destacan la Casa Agustí de Sitges (Barcelona, 1953-1955), el hotel María Victoria de Puigcerdà (Girona, 1953-1957), el conjunto de viviendas vacacionales de Torredembarra (Tarragona, 1954-1957), las casas Moratiel e Iranzo de Ciudad Diagonal (Esplugues de Llobregat, Barcelona, 1956-1957) y el edificio de El Noticiero Universal (Barcelona, 1963-1965; Premio FAD en 1986).

 

Las distribuciones planimétricas de Josep Maria Sostres responden a una práctica y original sensibilidad en el aprovechamiento del espacio, ajena por completo a soluciones repetitivas. La asunción de “la sencillez por encima de todo” es paradigmática en edificios como los del hotel y el diario barcelonés mencionados. Paralelamente a estas obras se hizo cargo de pequeños encargos oficiales relacionados con certificados de obras, reformas, mejoras parciales de edificios, adiciones ornamentales, mobiliario urbano, etc.

 

En 1956 celebró la Exposición Gaudí y fue nombrado miembro del comité de honor encargado de la conmemoración del nacimiento del arquitecto renacentista ferrarés Biaggio Rossetti. Un par de años después, el arquitecto e influyente teórico italiano Bruno Zevi le comunicó su deseo de divulgar su obra y sus ideas en Italia. Desde 1959 y hasta 1969 fue miembro (excepto un año) del jurado que concede el Premio FAD. En 1964 consiguió implantar la materia Jardinería y Paisaje como asignatura oficial de la Escuela de Arquitectura.

 

A partir de esos años la figura de Josep Maria Sostres se vio parcialmente eclipsada por las nuevas políticas estéticas llegadas a la Escuela y por las pequeñas luchas e intereses políticos habidos en el ámbito de la arquitectura barcelonesa. Aunque continuó con sus estudios teóricos y no dejó de ser reclamado como consejero estético y miembro de diversas comisiones arquitectónicas, sus proyectos se redujeron prácticamente a un complejo industrial en Rubí (Barcelona, 1969) y a dos casas unifamiliares en Ventola (Ribes de Freser, Girona, 1971).  Casi un decenio después (1980) firmó su última obra junto con Daniel Gelabert: el mercado de La Salut de Badalona (Barcelona). En 1983 el Colegio de Aparejadores de Murcia publicó una parte importante de sus escritos bajo el título Opiniones sobre arquitectura. Dos meses antes de su muerte estuvo internado en un hospital psiquiátrico a causa de una grave crisis nerviosa.

 

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Fuente: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/sostres.htm  

 

 

 

 

 

 

 

3. dic., 2019

 

Anne Griswold Tyng (Lushan, China. 14 julio 1920 – Greenbrae, California 27 diciembre 2011) fue una Arquitecta y Profesora Norteamericana. Es más conocida por haber colaborado con Louis I. Kahn en su despacho en Filadelfia a lo largo de 29 años. Fue profesora en la Universidad de Pensilvania por 27 años, impartiendo la Cátedra Morfología Arquitectónica. Fue miembro del Instituto Americano de Arquitectos, y de la Academia Nacional de Diseño.

 

Los padres de Tyng , Ethel Atkinson (née Arens) y Walworth Tyng, provenían de familias Puritanas de Nueva Inglaterra y eran misioneros Episcopales en China cuando Tyng nació en 1920 en Lushan, provincia de Jiangxi. ​ Durante su niñez pasaba horas tallando ciudades en la piedra suave que rodeaba la casa de verano de su familia. Vivió en China hasta los 14 años. Desde muy joven, Tyng mostró un sentido desarrollado por las matemáticas y el diseño. Su invención del Juguete Tyng a la edad de 27, el cual consiste en un juego de construcción de unas pocas piezas pequeñas de madera aglomerada que al combinarse permiten la creación de un sinnúmero de muebles que pueden ir de un banco a una mecedora; ilustra su maestría sobre la forma. ​

 

Tyng recibió su título de licenciatura por la Universidad de Radcliffe en 1942. Posteriormente estudio con Walter Gropius y Marcel Breuer en la Escuela de Graduados en Arquitectura de la Universidad de Harvard, obteniendo en 1944 el grado de Maestra en Arquitectura, siendo una de las primeras mujeres en lograrlo. ​ Tyng fue la única mujer que en 1949 presentó el examen para obtener la licencia para ejercer la profesión, teniendo problemas durante el mismo con los examinadores al negarse a aplicarle el examen. Obtuvo el grado de doctor por la Universidad de Pensilvania en 1975 con la disertación: "Simultaneous Randomness and Order: the Fibonacci-Divine Proportion as a Universal Forming Principle."  Los Archivos Arquitectónicos de la Universidad de Pensilvania preservan la colección de sus escritos.

 

Tyng era una teórica de la arquitectura con una pasión por la matemáticas y su trabajo pionero en arquitectura fue una malla espacial o estéreo-estructura, en la que unió diversos patrones geométricos para crear una estructura ligera, llena de luz y habitable. Se interesó particularmente en los sólidos platónicos y en el pensamiento Jungiano. Su tesis para obtener el grado de doctor "Aleatoriedad y orden simultáneo", muestra su interés por la simetría jerárquica y las formas orgánicas.  Con relación a su trabajo de campo, fue la primera mujer en recibir una beca de la Fundación Graham en 1965 por su proyecto "Anatomía de la forma: la divina proporción en los sólidos platónicos". Al realizar la ampliación de la casa de la granja de sus padres en Maryland, fue uno de los primeros arquitectos en construir un techo tradicional inclinado utilizando armaduras tridimensionales. ​ Inicialmente Tyng trabajó en Nueva York en el despacho de Konrad Wachsmann y posteriormente en las firmas de diseño industrial: Van Doren, Nowland & Schladermundt y en Knoll Asociados.

 

Tyng se mudó a Filadelfia y obtuvo un trabajo en el despacho Stonorov y Kahn, en 1945. Su fascinación por las formas geométricas complejas tuvo una fuerte influencia en diversos proyectos del despacho, principalmente en los cinco cubos que comprende la Casa de Baño de Trenton y el techo triangular de Galería de Arte de la Universidad de Yale (1951-53). Se dice también que el concepto para el diseño de la "City Tower" (1953) de Kahn fue en gran parte su invención, pero cuando el modelo se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Kahn no registro su nombre en la cédula de créditos. ​ Colaboró en el diseño de la Casa Eserhick (1956), el Instituto Salk (1959-55) y en la Sala Erdman del Colegio Bryn Mawr (1960-65)

 

En 1968 Anne Tyng comienza a dar clases en la Universidad de Pensilvania. Sus cursos eran una extensión de sus escritos e investigaciones, las cuales se enfocaban en el orden geométrico y la escala humana. En 1975 fue elegida como miembro de la AIA. Continuó impartiendo clases en la Universidad de Pensilvania hasta 1995. Tyng diseñó una Casa de Cuatro Columnas en la Isla Mount Desert en Maine. Utilizando troncos y tejas de cedro, buscaba que la casa semejase surgir del entorno natural. La casa estaba estructurada en cuatro columnas, tomando como inspiración una cama de cuatro postes, mismas que estaban formadas por un haz de cuatro troncos y el piso superior estaba ocupado por la recámara principal.

 

Otra obra que muestra su estilo es la Casa Tyng en la Plaza Fitler en Filadelfía, antigua residencia de la arquitecta y la cual remodeló en la década de los sesenta. La casa es una construcción del siglo XIX adaptada por Tyng y según describe Ingrid Schaffner, otrora dueña de la misma, como una máquina compacta para vivir. ​ Por fuera la casa semeja a las construidas a los lados, pero al mirar el tercer piso en forma de mansarda se observa la diferencia con ellas. Este tercer piso está cubierto por un techo piramidal de madera con diversas ventanas triangulares que iluminan espacios como el área de trabajo de Tyng. El diseño interior de la casa resulta interesante, al ser una casa muy pequeña, Tyng aprovecha el espacio de una manera eficiente por lo que la cama de la recámara principal queda en un espacio al que se accede por una escalera-estantería de madera.

 

En 1976 Tyng fue una de las tres mujeres seleccionadas para representar a Estados Unidos en el Primer Congreso Internacional de Arquitectas que se llevó a cabo en Ramsar, Irán. Su trabajo ha sido expuesto en diversas instituciones siendo alguna de ellas: La divina Proporción en los sólidos platónicos (1964), Mujeres en el diseño del ambiente (1974), Dos en Dos en el octágono (1979), Dibujos visionarios en Arquitectura y Planeación (1979-82) y La excepcional: Mujeres en la Arquitectura Americana 1888-1988 (1988). En 1989, Tyng publicó el ensayo, "De Musa a Heroína, Hacia una Identidad Creativa Visible," el cual era un estudio del desarrollo del papel creativo de la mujer en la arquitectura. En él, escribe, "El paso de musa a heroína lo logran muy pocas. La mayoría de las mujeres que estudian arquitectura se casan con arquitectos. En poco tiempo la mujer esta detrás del hombre, la arquitecta en sociedad con su esposo generalmente es poco visible junto a el (mayoritariamente un poco detrás de él) el héroe". Asimismo, menciona "El mayor obstáculo para una Arquitecta hoy día es el desarrollo psicológico necesario para liberar su potencial creativo."

 

La influencia de Tyng en la obra de Louis Kahn finalmente fue reconocida cuando el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia realizó una exposición retrospectiva de su trabajo en 2010.  Tyng se menciona en muchas fuentes como socia y musa de Kahn. En una carta de recomendación para la Fundación Graham, Buckminster Fuller le llamó, "la estratega geométrica de Kahn." Después de una relación de nueve años con Kahn, queda embarazada y, debido al escándalo potencial declinó una Beca Fullbright, partiendo en el otoño de 1953 a Roma. Durante el año que pasó en Italia nació su hija, Alexandra Tyng.

 

Asimismo, durante su estancia en Roma, Tyng estudió con el ingeniero estructural y arquitecto Pier Luigi Nervi y escribiendo semanalmente a Kahn. ​ En 1960 la relación amorosa de Kahn y Tyng termina, volviendo muy tensa su relación laboral por lo que en 1964 Tyng decide dejar la firma, donde había sido nombrada socia. ​ A la edad de 82 años, Anne Tyng apareció en el documental de Nathaniel Kahn "Mi Arquitecto", en donde con un conocimiento directo habla del trabajo y su experiencia con Louis Kahn. Tyng regresa en el documental a la primera obra en la que colaboro con Kahn, "Trenton Bath House" (La casa de baños de Trenton en Ewing Nueva Jersey), por primera vez desde la terminación de la obra, encontrando el edificio en un estado de abandono y deterioro. ​ Como resultado de la atención que el documental causo sobre la obra, el edificio fue completamente restaurado en 2009.

 

En 2005 la Dra. Tyng se muda a Greenbrae en el condado de Marina en California, por lo que dona su archivo a los Archivos de Arquitectura de la Universidad de Pensilvania. En 2011 la Fundación Graham realizó la exhibición "Anne Tyng: InhAbiTing geomeTry" (Anne Tyng: habitando la geometría) en la cual se ilustra la síntesis de la investigación realizada por Tyng a lo largo de su vida sobre geometría avanzada y como esta deriva en objetos construidos a través de la simetría, el orden y la progresión dinámica que permite la transformación geométrica de un forma en otra. Anne Griswold Tyng fallece el 27 de diciembre de 2011 en su casa de Greenbrae, California a los 91 años.

 

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Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Anne_Tyng 

 

 

 

 

 

 

 

29. nov., 2019

Peter Behrens (Hamburgo, 14 de abril de 1868-Berlín, 27 de febrero de 1940) fue un arquitecto y diseñador alemán. Inició su carrera como grafista dentro del movimiento Art Nouveau, aunque a partir de 1900 empezó a dedicarse también a la arquitectura, especialidad en la que pronto evolucionó hacia un estilo geométrico y austero que se convertiría en modélico para la arquitectura industrial. Entre sus obras ejemplares para la nueva arquitectura destaca la nave de turbinas para AEG en Berlín, construida con hormigón colado, acero visto y grandes cristaleras de vidrio plano.

 

Nació en Hamburgo el 14 de abril de 1868. Entre 1886 y 1889 estudió pintura en la Escuela de Arte de Karlsruhe y posteriormente, en 1889, en Düsseldorf. Al finalizar sus estudios en 1890 hizo un viaje por Países Bajos y al final del mismo se estableció en Múnich donde se casó con Elisabeth Kramer. Allí trabajó como pintor, dibujante publicitario, fotógrafo y diseñador.

 

En abril de 1892 fundó la Secesión de Múnich (Verein bildender Künstler Münchens e. V. Secession) junto con Franz von Stuck, Max Liebermann y Lovix Corinth, entre otros. Cinco años más tarde crearía la vanguardista Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres unidos por el arte en las artesanías). En los siguientes dos años abandona la pintura y realiza diseños de joyería, muebles y objetos de cristal y porcelana. Realiza una serie de exposiciones en el Keller y Reiner Gallery de Berlín, el Gaspolat de Múnich y el Kunsteverein de Darmstadt.

 

En 1899, Behrens aceptó la invitación del duque Ernst-Ludwig de Hesse a ser el segundo miembro de la colonia de artistas que se acababa de establecer en Darmstadt. Allí, en un lugar conocido como Mathidenhöhe, construyó su propia casa. Behrens, un autodidacta, la diseñó como una obra completa de arte. A partir de sus diseños se crearon desde los jardines hasta los interiores, y todo lo que ellos contenían, lámparas, muebles, alfombras, vajilla, cristalería, cubertería, toallas, decoración, cuadros… La casa Behrens marcó un momento decisivo en la vida de su creador, ya que supuso su retirada de los círculos artisticos de Munich, y simbolizó su abandono del Jugendstil y su evolución hacia un diseño austero y sobrio. Esta casa sufrió un incendio en 1944 que destruyó sus interiores, posteriormente restaurados por Auguste zu Höne, su propietario.

 

En 1903 se mudó a Düsseldorf, donde ejerció como director de la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios). En 1907 se sumó a la Deutscher Werkbund con cuyo fundador, Hermann Muthesius, compartía ideas, así como con el resto de los integrantes. Ese mismo año fue nombrado consejero artístico de la AEG (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft) y se muda a Berlín. Para la AEG realizó lo más reconocido de su trabajo. Hizo los proyectos de las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos industriales e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates; contribuyó así a consolidar una nueva idea: la de la identidad corporativa, para cuyo desarrollo era necesario un nuevo tipo de empleador, el industrial visionario involucrado en todos los aspectos producidos por su industria, y también de proyectista, el "consultor" de diseño. De 1907 a 1914 como director artístico de la empresa alemana AEG,  estableció el papel del arquitecto como diseñador industrial humanizante del entorno tecnológico. Se le puede considerar una figura trascendental en la transición del Jugendstil al Clasicismo industrial. Behrens proclamaba con esto la unión del arte y la industria, en sintonía con los ideales de Hermann Muthesius al fundar la Deutscher Werkbund.

 

En los siguientes 4 años trabajaron en su despacho Walter Gropius, Adolf Meyer, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier, siendo una reconocida influencia, tal como lo mostraría el propio Gropius en su libro La nueva arquitectura y la Bauhaus.  En 1914 se adhirió al Manifiesto de los profesores de Universidad y Hombres de Ciencia Alemanes y participó en 1927 en la exposición organizada por la Werkbund en Welbenhof. Entre 1922 y 1936 ejerció como profesor de la Escuela de Arquitectura de Viena. En 1936 aceptó el cargo de director del departamento de Arquitectura de la Academia de las Artes de Prusia en Berlín.

 

Fue llamado por Albert Speer para el plan de remodelación de Berlín pero su candidatura fue rechazada por el poderoso Alfred Rosenberg. Hitler admiraba la Embajada alemana en San Petersburgo, obra de Behrens quien en 1934 se había afiliado al temprano partido nazi en Austria. La guerra se desató y en 1940, huyendo del frío de su casa de campo halló la muerte con un ataque al corazón en el Hotel Bristol de Berlín. Fue el padre del ingeniero muniqués Josef Behrens (1890-1947) y la periodista Petra Behrens (1898-1993) y abuelo del arquitecto y urbanista berlinés Till Behrens (1931).

 

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Fuentes:  https://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Behrens  - https://www.ecured.cu/Peter_Behrens   

 

 

 

 

 

28. nov., 2019

 

En los primeros años del siglo XX una parte de las vanguardias artísticas promovió el acercamiento de la estética al mundo de los niños. Querían contribuir a un cambio social a través de la educación de las nuevas generaciones, y este  motivo llevó a muchos artistas a diseñar para niños, a ilustrar libros infantiles y a fabricar juguetes, mientras que otros lo hicieron solamente para complacer a sus hijos o por el placer que les proporcionaba dedicarse a esta actividad; uno de estos artistas fue el pintor suizo Paul Klee.

 

Con el deseo de satisfacer a su hijo Félix, realizó un total de cincuenta títeres y varios decorados de fondo para los pequeños teatros. Pasó de  utilizar primero la escayola a emplear gran variedad de materiales de poco valor que encontraba a su alrededor, y que le permitían dotar a su obra de gran plasticidad: huesos, cepillos, cáscaras de nuez, cartón piedra, cajas de cerillas o enchufes viejos, pintando las cabezas con colores delicados o sombríos, según el carácter del personaje y confeccionando las ropas con una vieja máquina de coser.  

 

Eran títeres muy sencillos, lejos del acabado perfecto, nada sofisticados y con expresiones esenciales, creados para poder ser manipulados por las manos infantiles de su hijo y en ningún caso se trató de trabajos profesionales de un artista. Resolvía las cabezas con elementos geométricos simples, pudiendo componer perfectamente y sólo con cuatro rectángulos un rostro con boca abierta que miraba con ojos enormes. Un sombrero podía ser una pequeña forma redondeada y un simple trozo de tela sin costuras servía de vestido mientras que unos rectángulos alargados sugerían los brazos.

 

Las piezas se realizaron en tres diferentes etapas. Las primeras están fechadas entre 1916 y 1918. A partir de su noveno cumpleaños, Félix comenzaría a recibir por esa fecha o por  Navidad nuevos “personajes” cada vez más insólitos y fantásticos: ‘Kasperl’, su esposa ‘Greti’, su amigo ‘Sepperl’, el ‘Sr. Muerte’, el ‘Policía’, a los que siguieron un ‘Cocodrilo’ capaz de tragarse realmente a los personajes malos mientras que vomitaba a los buenos, la ‘Señora Muerte’ o la ‘Abuela del Diablo’. Las figuras  se inspiraban en patrones clásicos del teatro de marionetas o surgían de la imaginación del artista y de este primer grupo sólo  sobrevivió el ‘Sr. Muerte’ ya que el resto fue destruido en 1945 en el incendio de la casa familiar durante un bombardeo aliado.

 

En 1919,  tras dos años en la Primera Guerra Mundial como soldado, el niño recibió de su padre un segundo grupo de títeres. Las figuras se habían transformado radicalmente: inventó a la ‘Campesina Rusa’, al ‘Sr. Drappe’, al ‘Poeta con Corona’ y al ‘Barbudo Francés’, que tenía su ropa manchada con pintura roja simulando sangre, -seguramente como una alusión política en el contexto de la guerra que estaban sufriendo-. Era un momento de efervescencia en la vida creativa del artista, y en su diseño jugó con diferentes estilos de la época; del contacto con los dadaístas, en particular con Jollos, Tristan Tzara y Haller, probablemente venga el aire tan imperfecto de los muñecos.  De conocer  las marionetas realizadas por Sophie Taeuber-Arp para la obra “Il Re Cervo» surgiría la llamada ‘White-Haidded Eskimo‘ (Esquimal de pelo blanco). En ocasiones, algunos de los elementos empleados servían para dar nombre al títere: el ‘Espíritu del Enchufe’ , el ‘Espíritu de la Caja de Cerillas’ y otras veces surgía como reflejo de tópicos relativos a políticos o a la sociedad de la época, como el ‘Deutschnationaler’, aludiendo al rápido incremento en el uso de la electricidad. No faltaban personajes divertidos -como el ‘Bandido’ o el ‘Barbero de Bagdad’- o aterradores -como el ‘Sr. Muerte’ y el ‘Demonio del Guante’.

 

Desde que en 1921 Paul Klee entró en la Bauhaus de Weimar para enseñar Pintura y Teoría de la Forma y hasta 1925 época en la que escribió lo fundamental de su teoría del arte, fabricaría la tercera y última partida de títeres. Son estos los más provocativos y complejos y es evidente la influencia del entorno académico y  visibles los parecidos con miembros de la Bahuaus, profesores y alumnos. En el ‘Payaso Orejas Grandes’ hay referencias al constructivismo y alusiones a las obras y máscaras de teatro de Oskar Schemmer. En el ‘Espectro Mágico’ se reconoce el impacto de las técnicas de “assamblage” dadaísta. Otras figuras son menos experimentales, el ’Big-Eared Clown’ o recuerdan la influencia del viejo teatro Kasperl, reinventando al ‘Barbero de Bagdad’ o al ‘Sultán’ y enriqueciéndolos con elementos de la ópera y la literatura.

 

De las cincuenta marionetas realizadas solamente se conservan hoy día treinta, en el Zentrum Paul Klee de Berna, ya que el resto desapareció a causa de los traslados de la familia y las consecuencias de la Guerra Mundial.  Todas ellas combinaron un agudo sentido del humor con lo grotesco, la sátira o la fantasía y constituyeron una importante vía para expresar las impresiones del artista acerca de las diferentes situaciones que se presentan en la vida humana. Los títeres permitían dotar a su obra de cierto distanciamiento y sentido del humor con respecto a la complejidad humana, e impresionaron, conmovieron y emocionaron por la inocencia de su realización y por la intuición de un artista que en la edad adulta se acercó a lo infantil atravesando ese mundo mágico, a veces alegre y a veces cruel, sin someterlo a un proceso de transformación, sin basarse en la idea de  lo que el adulto piensa que es el mundo de los pequeños.

 

No es fácil establecer conexiones entre los títeres de Klee y el resto de su obra, y más cuando esa obra estaba cerca de la abstracción, ni saber que ocurría en su cabeza cuando elaboraba determinado rectángulo, tonalidad o figura simbólica, pero el teatro de marionetas fue un modelo rico en sugerencias para la obra del artista, pues además de la confección de los títeres llevó a cabo diversas obras sobre esta idea y aumentó sus posibilidades de crear un mundo nuevo y hacer visible una nueva forma de entenderlo, interesándose por la luz, el movimiento, la relación con los colores y la música e incorporando un sentido primitivo a los personajes. 

 

Klee se negó a dar una dimensión pública a esos muñecos que pertenecían a la intimidad de padre e hijo, rechazando  una primera exposición en 1918 en el Kunsthalle Mannheimk, basándose en que eran figuras especiales de las que manaban mucha expresividad y personalidad y que se habían concebido para su uso doméstico. En 1921 sí autorizó una breve exhibición dentro del Museo de Artes y Artesanías de Frankfurt junto a otros títeres y marionetas, quizá influido por los aires de libertad en las artes aplicadas que se respiraba en la Bauhaus pero nunca exhibió los títeres junto con sus obras “serias” dejando bien claro este deseo en la catalogación de su obra que él mismo llevó a cabo. 

 

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Fuente:  ROMÁN GIL, DORA: «Las marionetas de Paul Klee». Publicado el 18 de abril de 2017 en Mito | Revista Cultural, nº.42 – URL: http://revistamito.com/las-marionetas-paul-klee/