Arte y Arquitectura

13. oct., 2021

 

Joost Schmidt, (1893-1948). Pintor, escultor, tipógrafo y diseñador gráfico alemán. perteneciente a la escuela alemana Bauhaus, nacido en Wunsdorf (Hannover) en 1893 y fallecido en Nuremberg en 1948. Sus trabajos en los talleres de escultura y, especialmente, en publicidad han ejercido gran influencia en el arte y el diseño gráfico de la segunda década del siglo XX.

 

Comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes del Gran Ducado de Sajonia en 1910, institución en la que se licenció bajo la dirección de Max Thedy, estudios que fueron interrumpidos por la Primera Guerra Mundial, durante la cual fue movilizado entre 1914 y 1918. Finalizado el conflicto bélico y constituida la República de Weimar, Schmidt prosiguió con su aprendizaje artístico. Se matriculó como estudiante en la Bauhaus desde su inició en 1919, atraído por el programa vanguardista de estudios que proponía la escuela alemana surgida de la fusión de las academias de Bellas Artes y la de Artes Aplicadas de Weimar.

 

Hasta 1925 que finalizó su estancia como estudiante, Schmidt pasó por el taller de talla, dirigido por Johannes Itten y Oskar Schlemmer. A partir de entonces y hasta 1932, como era habitual en la Bauhaus, el escultor pasó de alumno a formar parte del cuerpo docente. Desde octubre de 1925 hasta su disolución en abril de 1930 ejerció como director del taller de escultura, y desde mayo de 1928 hasta la disolución de la Bauhaus en Berlín en 1933 fue director del taller de publicidad. Si bien fue en estas dos secciones de la Bauhaus donde realizó sus logros más importantes, Schmidt también impartió cursos de escritura (de enero a junio de 1925), de desnudo (entre 1929 y 1930) y de dibujo (desde octubre de 1930 hasta 1933).

 

Una vez cerrada la Bauhaus durante el período de dirección del arquitecto Mies van der Rohe por el régimen nacionalsocialista, Schmidt diseñó con el fundador de la escuela, Walter Gropius, la exposición Pueblo alemán, trabajo alemán, celebrada en Berlín en 1934. La labor de Schmidt se vio desde entonces dificultada por las injerencias de la censura nacionalsocialista, que finalmente le impidió ejercer como docente desde 1935. Ese año impartió clases de dibujo en la Escuela Reimann, dirigida por Hugo Häring.

 

Durante la Segunda Guerra Mundial, su taller en Charlottenburg fue destruido por los bombardeos aliados (1943). Fue movilizado los dos años siguientes. Al finalizar el conflicto, fue nombrado profesor de la Escuela Superior de Bellas Artes de Berlín, donde impartió el curso preparatorio de arquitectura a instancias de Max Taut. Entre 1946 y 1948, fecha de su fallecimiento, Schmidt se dedicó a la organización de exposiciones que difundieron sus innovaciones en el campo de la tipografía y del diseño gráfico en general; en 1946 organizó la exposición Berlín Proyecta, en coordinación con ex alumnos de la Bauhaus, y en 1947 fue nombrado diseñador de exposiciones por el Centro de Exposiciones de los Estados Unidos de América (USA Exhibition Center). Compaginó estos dos últimos trabajos con la preparación de una exposición sobre su período en la Bauhaus y la preparación de un libro sobre ésta.

 

Las realizaciones más importantes del escultor y diseñador gráfico alemán corresponden a su paso por la Bauhaus. En 1921 participó en la decoración de la Casa Sommerfeld, encargo del empresario alemán Adolf Sommerfeld que constituyó la primera realización práctica por parte de los alumnos de los postulados ejercidos en la Bauhaus. Schmidt, desde el taller de escultura y talla, se encargó de la ornamentación de la casa, tanto de su interior como de su exterior. La apariencia profundamente expresionista de interior se debió al empleo de la técnica de la entalladura sobre madera de teca, material sobre el que Schmidt desarrolló formas geométricas que respondían a motivos metafóricos.

 

Su obra en el taller de escultura, donde ejerció como oficial, respondió a criterios formales más estrictamente geométricos que los del maestro de forma del mismo taller, el escultor Oskar Schlemmer. Un ejemplo de sus diferentes concepciones formales es la obra que Schmidt realizó para el vestíbulo de la Bauhaus de Weimar en 1923, edificio proyectado por el arquitecto Henry Van de Velde. En su realización conjugó la yuxtaposición formal lleno-vacío entre formas cóncavas y convexas y la experimentación con diversos materiales: yeso, vidrio y otros. Durante la etapa de dirección de la Bauhaus por el arquitecto Hannes Meyer, Schmidt se encargó de la dirección del taller de publicidad.

 

Aparte de sus innovaciones tipográficas, de indudable influencia en el desarrollo del diseño gráfico de la segunda mitad del siglo XX, Schmidt se dedicó a la tridimensionalización de éstas. Su estancia en el taller de escultura le facilitó su labor en la intención de aplicar el volumen en sus creaciones gráficas para la realización tanto de exposiciones como de instalaciones publicitarias. Sus obras gráficas se rigen por la austeridad cromática que caracterizó a otras similares de la Bauhaus y por una simplicidad formal que prima el criterio de la legibilidad frente al de la ornamentación.

 

Album de fotos:

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Fuente: http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=schmidt-joost

 

 

 

 

 

 

7. oct., 2021

 

Ieoh Ming Pei ( Cantón 26 de abril de 1917- Manhattan 16 de mayo de 2019)
El arquitecto estadounidense de origen chino I. M. Pei, autor de grandes obras como la pirámide del Museo del Louvre en París, el Museo de Arte Islámico de Doha y el Banco de China en Hong Kong, murió a los 102 años. Fiel a sus orígenes, el arquitecto nacido en China, Ieoh Ming Pei buscó la pureza de las líneas con diseños funcionales cimentados en el ‘estilo Internacional’. Utilizó formas abstractas y recurrió a materiales como el acero, cemento o vidrio e incorporó efectos impactantes dentro y fuera de sus edificios.

 

Ieoh Ming Pei nació en Cantón, China en 1917. Su padre era un prominente banquero en su país de origen. Llegó a Estados Unidos con 17 años de edad en 1935 (luego de que Mao-Tse Tung tomara el poder) para estudiar arquitectura en la Universidad de Pennsylvania. De ahí pasó al Instituto de Tecnología de Massachusetts, donde se graduó como arquitecto en 1940. Posteriormente estudiaría en la Escuela de Diseño de Harvard, donde recibió el título de Maestro en Arquitectura en 1946. Entre 1945 y 1948 amplió su formación enseñando en Harvard como profesor adjunto bajo la tutela de dos famosos arquitectos europeos Marcel Breuer y Walter Gropius, por lo que es considerado uno de los sucesores americanos de estos grandes maestros europeos.

 

En 1948 aceptó el cargo de director de Arquitectura de Webb y Knapp, Inc. empresa de bienes raíces donde desarrolló grandes proyectos arquitectónicos y de planificación para Chicago, Filadelfia, Washington, Pittsburgh y otras ciudades norteamericanas. En 1954 formó la firma IM Pei & Associates, con sus colegas Henry Cobb y Eason Leonard, que en 1996 se convirtió en IM Pei & Partners. La asociación recibió el premio Firma de Arquitectura del Instituto Americano de Arquitectos en 1968. Un año más tarde la empresa cambió su nombre a Pei Cobb Freed & Partners.

 

El estilo arquitectónico personal de I.M. Pei floreció con su diseño para el Centro Nacional para la Investigación Atmosférica en Boulder, Colorado (1967), un complejo escultórico compuesto de concreto colado en el lugar, un material en el que la firma había desarrollado especial experiencia. En ese momento también se embarcó en una serie de proyectos de museos, la forma de construcción con la que ahora se lo identifica más estrechamente, que culminó en el Edificio Este de la Galería Nacional de Arte en Washington (1978) y la Biblioteca John Fitzgerald Kennedy en Boston (1979), los cuales obtuvieron amplia atención nacional. En total, diseñó más de una docena de museos, entre los que destaca el Grand Louvre de París (1989); Museo Miho en Shiga, Japón (1997); Museo Suzhou en Suzhou, China (2006); y el Museo de Arte Islámico de Doha (2008).

 

Otros proyectos institucionales suyos incluyen iglesias, hospitales y edificios municipales, así como instalaciones académicas y bibliotecas. Entre sus rascacielos se encuentran la Torre del Banco de China de 72 pisos en Hong Kong (1989), cuyo diseño prismático distintivo está diseñado para resistir los vientos del tifón, y el Four Seasons Hotel en Midtown Manhattan (1993), que reinventa el clásico gran hotel.

 

En 1983, y aunque Pei no era muy conocido en Francia, el presidente francés François Miterrand le encargó que repensara el Louvre. Su audaz proyecto, que desencadenó violentas pasiones, fue inaugurado en 1988. Este proyecto en donde una pirámide de cristal sirve de lucernario, elemento compositivo y urbano que genera un bello contraste con los edificios existentes y sirve de acceso a sus tres alas, alberga debajo todos los servicios públicos necesarios junto con las áreas de apoyo técnico.

 

Habiéndose convertido en ciudadano estadounidense en 1954, Pei no regresó a su tierra natal hasta finales de la década de 1970, cuando se le encargó el diseño del Hotel Fragant Hill en Pekín (1982). Al igual que el Museo Suzhou, su único otro trabajo construido en China continental, el proyecto aporta tecnología avanzada a la práctica de construcción indígena, que forma la base de una nueva forma de arquitectura moderna, claramente china. Después de su retiro de la firma en 1990, Pei colaboró con sus socios en varios proyectos, entre ellos el Hotel Four Seasons, el Museo Miho, el Museo Deutsches Historisches en Berlín (2003) y el Museo de Arte Moderno de Luxemburgo (2006).

 

Amado en Francia por su modernización del Louvre, Pei fue galardonado con la Grande Medaille d’Or de la Academia de Arquitectura de Francia y es Comandante de la Orden Nacional de la Legión de Francia. Por su servicio a los Estados Unidos, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad, la Medalla de las Artes de National Endowment for the Arts, y el Premio a la Trayectoria de toda la vida del Instituto de Diseño Nacional Cooper-Hewitt del Smithsonian Institution.

 

I.M. Pei recibió doctorados honorarios de Harvard, Columbia y Brown, entre otras universidades en los Estados Unidos y en el extranjero. Miembro del Instituto Americano de Arquitectos y del Instituto Real de Arquitectos Británicos, fue elegido miembro de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias, de la Academia Nacional de Diseño, de la Academia Americana de las Artes y las Letras, de la Academia de Arquitectura de Francia y la Real Academia de las Artes de Gran Bretaña.

 

“Ieoh Ming Pei ha ofrecido a este siglo algunos de sus espacios interiores y formas exteriores más hermosas. El significado de su obra va mucho más allá de ellas, ya que su inquietud ha sido siempre el entorno en el cual sus edificios se alzan”, dijo en 1983 Carleton Smith, ex-secretario del jurado de los Premios Pritzker, al anunciar el Premio Internacional de Arquitectura Pritzker de 1983 que le fue entregado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: https://www.rldiseno.com/i-m-pei-deja-honda-huella-la-arquitectura-mundial/

 

 

 

 

 

 

 

4. oct., 2021

El artista alemán Helmut Herzfelde nació en Berlín el 19 de junio de 1891. Hasta 1914 tomó clases particulares de pintura y asistió a las escuelas de artes aplicadas de Múnich y Charlottenburg, Berlín. Fue uno de los primeros en utilizar fotomontajes como instrumento de sátira política. A principios del siglo XX, este diseñador gráfico, más conocido como John Heartfield, creaba collages parodiando al nacionalsocialismo. Usaba el humor ácido para expresar sus ideas y concienciar a la sociedad. Si memes y caricaturas políticas levantan ampollas en la era de la libertad de expresión, la sátira ilustrada con el régimen nazi como protagonista era un canto al exilio en la Alemania de los años 30. Algo que no preocupaba demasiado a Helmut Herzfelde.


 
Este artista alemán, precursor de la edición fotográfica tal y como hoy la conocemos, es el autor de obras tan originales como críticas: Adolf el superhombre: traga oro y suelta chatarra (1932) define perfectamente la imagen a la que da título, y en Bellotas alemanas (1933), Hitler aparece regando un roble cargado de bellotas coronadas por cascos del partido nacionalsocialista. Esta última fue uno de sus trabajos más difundidos, recogido en la publicación berlinesa Arbeiter lllustrierte Zeitung (AIZ) (Revista Ilustrada Obrera) el mismo año en el que el nacionalsocialista se convertía en canciller y en el que, como consecuencia, Herzfelde tuvo que exiliarse a Checoslovaquia. No obstante, su marcha no fue un impedimento para continuar con una actividad que llevaba tiempo perfeccionando.

 

Herzfelde se desmarcaba de los creadores de principios del siglo XX, además de por el carácter ácido de sus obras, por el uso que hacía del fotomontaje, una técnica que perfeccionó junto con su compañero, el pintor expresionista George Grosz. Sin Photoshop ni otras herramientas de edición modernas, combinaba diseño e imagen para expresar su particular crítica al nazismo en forma de memes adaptados a los medios de la época. Además de una amistad, Grosz y Herzfelde compartían inquietudes. Ambos pertenecían al movimiento dadaísta, una corriente cultural nacida en Suiza e impulsada por el pintor en Alemania. Esta ideología, que tuvo gran influencia en Herzfelde, se burlaba del artista burgués que solo buscaba la belleza de sus obras. Un concepto difícil de concebir para un diseñador que utilizaba sus conocimientos gráficos para despertar conciencias.



Mientras que su particular estilo se había gestado en las escuelas de arte aplicada de Múnich y Charlottenburg (en Berlín), la temática de los trabajos nacía de su profunda vocación política y el rechazo al nacionalismo dominante. Incluso se cambió el nombre para dejar constancia de su posición. En 1916, cuando terminó el servicio militar, adoptó el de John Heartfield, un apodo británico que representaba una crítica al ultranacionalismo alemán, contrario a todo lo que provenía de Reino Unido.

 

El collage y el grafismo le servían para expresar conceptos que disfrazaba de situaciones irreales y deformadas, aunque siempre dejando claro la aplicación de su inventiva; nunca quiso confundir al público. Por eso las imágenes estaban recortadas a distinta escala y pegadas sin disimulo, formando una escena artificial. Su mensaje, sin embargo, era claro y directo. Tampoco encubría sus inclinaciones políticas fuera del estudio de diseño de la editorial Malik-Verlag, fuertemente vinculada con de la izquierda progresista, en la que trabajaba como director artístico. Junto con su hermano Wieland Herzfelde, propietario de la empresa, fue uno de los miembros fundadores del Partido Comunista Alemán, constituido en 1918.

 

También ejerció de diseñador de escenografías, desarrollando las de algunas obras teatrales de los directores Max Reinhardt y Erwin Piscator. A partir de 1930 y durante su exilio en Checoslovaquia, donde permaneció hasta 1938, el artista publicó sus creaciones en numerosas portadas de la AIZ.

 

Durante esta época, utilizaba fotografías convencionales, como las que aparecían en el resto de periodicos, para asemejarlas después a otras imágenes de temática distinta. Modificaba su sentido hasta expresar gráficamente lo que le interesaba. De esta temporada es la obra Bellotas nazis y Metamorfosis, donde los rostros emblemáticos del nazismo aparecen convertidos en gusanos y mariposas. En 1936 dedicó una obra al asedio a la ciudad de Madrid, publicada en la contraportada de AIZ y titulada ¡No pasarán! ¡Pasaremos!.



Como puede adivinarse por los títulos de los trabajos, la combinación de imágenes no lo era todo. Al igual que en un meme, donde las frases son acordes a la imagen del protagonista, el autor elegía un texto con las dosis exactas de ironía y la misma acidez que la representación gráfica para nombrarlo. También el diseño entraba en juego a la hora de aplicar la tipografía: utilizaba los estilos más modernos. Después de 1938, Heartfield se trasladó a Gran Bretaña, donde colaboraba con varias publicaciones inglesas. Solo en 1950 volvió a Alemania, donde residió hasta su fallecimiento en 1968. Su muerte no ha impedido que sus grandes obras hayan servido como modelo a seguir por los publicistas, comunicadores e ilustradores modernos.


 
Álbum de fotos:

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Fuente:

Lucía Caballero.  https://www.goethe.de/ins/es/es/kul/sup/ilu/20692428.html 

 

 

 

 

 

 

25. sep., 2021

Luigi Figini (Milán27 de enero de 1903-ibidem13 de marzo de 1984) y Gino Pollini (Rovereto19 de enero de 1903-Milán, 25 de enero de 1991) fueron dos arquitectos italianos.

 

Estudiaron arquitectura en el Politécnico de Milán y se asociaron en 1929. En 1926 fueron miembros fundadores del Gruppo 7, junto a Giuseppe TerragniGuido FretteSebastiano LarcoAdalberto Libera y Carlo Enrico Rava. En un manifiesto publicado en cuatro partes en la revista La rassegna italiana entre 1926 y 1927, se oponían tanto a la «furia vana y destructiva» del futurismo como al «ímpetu artificial» del Novecento. Frente a ello, el Gruppo 7 pretendía adaptar el Estilo internacional a la idiosincrasia italiana, bajo la premisa de que «la verdadera arquitectura debe evolucionar desde una estricta adhesión a la lógica y la razón».

El grupo se dio a conocer en la Bienal de Monza de 1927, donde expusieron varios modelos y diseños de inspiración industrial, que poco después fueron mostrados en la exposición de la Deutscher Werkbund de Stuttgart. En 1928 se organizó una gran exposición en Roma titulada Esposizione dell'Architettura Razionale, en la que participó tanto el Gruppo 7 como otros arquitectos racionalistas italianos y que propició la convergencia de todos ellos en un grupo mayor, dando origen al M.I.A.R. (Movimento Italiano per l'Architettura Razionale), fundado en 1930. Junto a algunos de los miembros del Gruppo 7 como Pollini, Figini, Libera y Terragni, se unieron arquitectos de toda Italia como Luciano BaldessariGiuseppe Pagano y Mario Ridolfi.

 

Sus premisas partían de las del grupo milanés, la adaptación de las corrientes internacionales a la arquitectura italiana, de nuevo con la competencia del Novecento, que estaba favorecido por la dictadura fascista de Benito Mussolini, que consideraba a los artistas vanguardistas como «degenerados». Para darse a conocer, en 1931 organizaron la II Esposizione dell'Architettura Razionale en Roma, para la que el crítico de arte Pietro Maria Bardi redactó el Manifiesto de la arquitectura racional y un Informe para Mussolini sobre la arquitectura.

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Entre sus obras destacan: La casa Eléctrica para la Trienal de Monza (1930), La villa estudio para un artista en la V Trienal de Milán(1933), La casa Figini para él mismo en Milán (1935),  la urbanización INA-Casa en Milán (1951, con Gio Ponti), el conjunto industrial Cerámicas Pozzi en Sparanise (1960-1963), la iglesia Santi Giovanni e Paolo en Milán (1964) y el Departamento de Ciencias de la Universidad de Palermo (1972-1984, con Gregotti y Ceroni).

 

La villa estudio para un artista ( villa-studio per un'artista) fue construida por Luigi Figini y Gino Pollini en el ámbito de la V Trienal de Milán realizada en 1933 en el Parque Sempione y demolida tres meses después de terminada la manifestación. El edificio, una estructura de acero con sección de pilares cuadrados dispuestos en una retícula a intervalos constantes, se inscribió en una planta en rectángulo de oro, y estaba dispuesta en torno a dos espacios a cielo abierto, patio parcialmente cubierto y un solarium con una pequeña piscina rodeada de paredes de dos metros de altura.

 

La casa que Figini construyó más tarde, entre 1933 y 1935, para él mismo en Milán, en la Villa de los Periodistas, es solo en parte un proyecto racionalista asumido por Le Corbusier, como muchos han señalado. Las obras del maestro suizo están, de hecho, diseñadas para mirar el paisaje a través de ventanas de cinta continua, mientras que la casa de Figini es una sucesión de habitaciones, algunas cubiertas y otras al aire libre. Cada uno, como en un mundo encantado, con su propio secreto que revelar. Hay uno al aire libre para ejercicios físicos, uno con un par de metros cuadrados de lago o mar, otro en el que se ubica el árbol, observando que nos relacionamos con el conjunto de la naturaleza.

 

Veamos la estructura del edificio: consta de dos casas, una dentro de la otra. El primero, externo, actúa como un caparazón y parece hacerse eco de los cinco puntos de la arquitectura moderna de Le Corbusier; el segundo (que se eleva levemente en altura) se ubica en el interior de este caparazón, relativo al cual genera las habitaciones encantadas. Figini dijo que cuando era niño vivía en una casa en Milán con una gran terraza en la que su padre había colocado tanques, cada uno de los cuales estaba cultivado con diferentes especies. La casa de la Villa de los Periodistas no hace más que tomar la memoria, colorearla con poesía. Por otro lado Figini es un apasionado de la naturaleza y en 1950 publicará un libro en el que lleva veinte años trabajando para la editorial Domus. El título es: El elemento verde y el hogar. Pero la forma en que Figini trata el verde está llena de referencias mágicas, inquietantes y metafísicas.

 

Es interesante notar que la idea del edificio formado por una doble caja regresa en las obras de los dos arquitectos, incluso cuando el elemento verde, como en los edificios diseñados para Olivetti o los edificios residenciales diseñados después de la guerra, es apenas relevante. La fachada nunca es una superficie plana bidimensional sino un dispositivo volumétrico que determina los efectos de claroscuro, dando siempre la sensación de que no existe una separación clara entre el espacio exterior e interior del edificio. De ahí la creación de tramas geométricas (las llamadas "escocesas" de Figini y Pollini) que hacen reconocibles las obras creadas por la pareja a lo largo de los años.

 

Una larga colaboración con Adriano Olivetti fue la consecuencia de la construcción de un edificio corporativo para la empresa Olivetti en Ivrea, Italia (1934-1935). Las fachadas de las oficinas son en gran parte de cristal y están seccionadas sutilmente en formas rectangulares. Hasta 1958 realizaron ampliaciones de las oficinas, viviendas para trabajadores, un jardín de infancia y otras instalaciones comunitarias. Además construyeron la iglesia de la Virgen de los Pobres de Milán (1952-1954), a la que siguieron varios edificios sacros más. Fueron miembros del CIAM (Congreso Internacional de Arquitectura Moderna) y colaboraron con la revista Quadrante (1933-1936). Pollini fue profesor de arquitectura en Milán y Palermo.

 

Álbum de fotos:

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Fuentes:   ​https://es.wikipedia.org/wiki/Figini_e_Pollini

https://www.artribune.com/progettazione/architettura/2020/06/luigi-figini-gino-pollini-

 

 

 

 

 

 

20. sep., 2021

Egon Eiermann (Neuendorf, 29 de septiembre de 1904 – Baden-Baden, 20 de julio de 1970) fue un arquitecto alemán discípulo de Hans Poelzig e influenciado por Mies van der Rohe que llevó la tradición racionalista al máximo refinamiento tecnológico y funcional.

 

Cursó sus estudios de arquitectura en la Technische Hochschule de Berlín, de 1923 a 1927, donde fue alumno de Hans Poelzig. Al terminar la carrera trabajó en el taller de construcción de los grandes almacenes Karstadt en Hamburgo (tema que elegiría para su tesis para el diploma). Más tarde trabajó en la Compañía Berlinesa de Electricidad. En 1931, junto con Fritz Jaenecke, abre su propia oficina en la que diseña sus primeros edificios, aunque su labor más importante la llevó a cabo durante la posguerra.

 

Concedió especial importancia en sus construcciones al análisis de la función y a la situación geográfico-cultural. Su obra produce la impresión de una gran calidad y una exhaustiva organización. La construcción y sus funciones son observables arquitectónicamente en sus instalaciones industriales. Aprovecha el encanto del aparato técnico que se muestra a la vista.

 

En 1947 le ofrecieron la cátedra del Technische Hochschule. Durante los años en que se llevó a cabo la reconstrucción de Alemania tras su derrota en la Segunda Guerra Mundial, tuvieron una importancia especial sus edificios industriales (1949-1951), realizados todos ellos con un esqueleto de acero. La Fábrica de tejidos para pañuelos de bolsillo de Blumberg (1951) significó la culminación de su obra arquitectónica, obteniendo con esta edificación el premio Hugo-Häring. En el viaje de estudios a Estados Unidos que realizó en 1950 conoció a Walter GropiusMarcel Breuer y Konrad Wachsmann; en 1956 conoció también a Ludwig Mies van der Rohe.

 

De igual importancia fueron otros proyectos tales como las iglesias Matthäus, en Pforzheim (1953) y Gedächtnis de Berlín (1961), empleando en ambas ladrillos perforados con vidrios de colores que permitían la penetración de la luz en el interior.

 

Para la Exposición Universal de Bruselas, celebrada en 1958, realizó en colaboración con Sep Ruf, un conjunto de pabellones con ocho cubos de cristal transparente, de delicadas proporciones, en representación del Estado Alemán. Estos pabellones fueron considerados una gran innovación en el mundo de la arquitectura, y constituyeron una importante aportación al movimiento moderno. Realizó un complejo de edificios en la ciudad de Frankfurt, subdividido por pasillos exteriores, escaleras de incendios, estaciones de clima artificial y torres de escaleras.

 

Para la firma Neckermann proyectó en Fráncfort un edificio de venta por correspondencia de 300 metros de longitud y seis pisos (1958-1961) y ganó el concurso de la iglesia en memoria del Emperador Guillermo en Berlín la Kaiser-Wilhelm-Gedächtniskirche, de la que sólo se conservaba, en estado ruinoso, un 40% del edificio original, destacando la torre y algunas capillas laterales. Su proyecto, elegido ganador en marzo de 1957, proponía la demolición completa de las ruinas y la nueva construcción de una iglesia y una capilla prismáticas, levantadas sobre un podio. El conjunto se completaba con dos esbeltas torres. Las críticas y protestas de los berlineses a la pérdida patrimonial, justificada como estrategia para borrar las cicatrices del pasado inmediato, motivaron la modificación del proyecto inicial. 

 

La torre original se incorporó dentro del nuevo sistema compositivo, como un elemento más del conjunto, empleando una actitud crítica y respetuosa con la historia del monumento. El conjunto parroquial consta de cuatro piezas. En el lado oeste de la torre conservada se dispuso una iglesia de planta octogonal y un pequeño bloque prismático, donde se ubican las salas parroquiales; en el lado este se colocaron una capilla de planta rectangular y una torre campanario hexagonal. La nueva edificación se inició el 9 de mayo de 1959, consagrándose la iglesia el 17 de diciembre de 1961, El carácter neutro de las nuevas construcciones no resta protagonismo a los restos históricos, consolidados como ruina, donde se hacen visibles los efectos de la guerra. No se procedió a la reconstrucción, dejando palpable las cicatrices y faltas de los restos patrimoniales conservados.

 

Durante 1960 proyectó algunos edificios administrativos para las Minas de Hulla de Essen y la Acería Müller de Offenburgo. Son construcciones que concuerdan con el carácter de los paisajes en los que se han construido. Concibió la embajada alemana en Washington (1959-1964) como una construcción en terrazas en consonancia con la forma del terreno. Al igual que la Cámara de Diputados del Parlamento alemán en Bonn (1965-1969), tiene un segundo revestimiento afiligranado de ventanas ciegas horizontales y listeles sustentantes verticales.

 

Entre los edificios administrativos de la última fase creadora destacan los pabellones de oficinas de IBM en Stuttgart (1967-1972) y los rascacielos de la firma Olivetti en Fráncfort (1968-1972), levantados sobre pilastras de hormigón en forma de embudo, cuya construcción se terminó dos años después de su muerte. No pudo realizar su idea inicial de descolgar los pisos desde el núcleo constructivo central exento. No obstante, el concepto de adición flexible de los pisos se refleja en el hecho de que en uno de los edificios no se acabó de construir la planta superior.

 

Eiermann no cae en determinaciones dogmáticas con representaciones fijas de la forma como otros arquitectos influidos por Mies Van der Rohe, en una arquitectura de ángulos rectos. Las obras arquitectónicas de Eierman son admiradas por sus detalles minuciosos, sus proporciones elegantes y su limpieza estructural.

 

Además de su faceta como arquitecto, también tuvo ocasión de explotar la de escenógrafo y la de diseñador de muebles, llegando a tener mobiliario tan reconocido como la Tabla Eiermann 1, una mesa de trabajo compuesta de un tablero con una estructura de barras inclinadas como patas, un diseño minimalista que se ha convertido en todo un clásico. También creó el sillón E-10 (también conocido como Rattan Lounge Chair) y la silla de tres patas SE 42, entre otras muchas piezas. Egon Eierman fue galardonado con la Gran Orden del Mérito y con el premio Federación de Arquitectos Alemanes (BDA).

 

Álbum de fotos:

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Fuentes: https://www.urbipedia.org/hoja/Egon_Eiermann

https://archxde.com/arquitectos/eiermann-egon/