Arte y Arquitectura

26. oct., 2020

Josef Hoffmann nació en la actual República Checa, en Pirnitz/ Brtnice en la antigua región de Moravia. La formación académica de Josef Hoffmann comenzaría en 1887 en la Escuela de Oficios del Estado Mayor de Brno, posteriormente se desplazaría a Viena a la Academia de Bellas Artes recibiendo en el año 1895 un Premio Roma. Es en este periodo donde entabla relación con artistas como Otto Wagner , Kolomer Moser, Jose María Olbrich o Gustav Klimt. Todos ello formaron parte de uno de los movimientos artísticos más importantes dentro del modernismo europeo que fue denominado Secesión Vienesa y que sería oficialmente fundada en el año 1897. Josef Hoffmann tendría una participación intensa en el movimiento aunque breve ya que abandonaría el grupo en el año 1905. 

 

Josef Hoffmann fue un artista extremadamente versátil que realizaría numerosas exposiciones y trabajos con la colaboración de otros artistas. También procuró invitar a diversos artistas del movimiento para que participarán del movimiento artístico que en ese momento se producía en Viena. Uno de los artistas con los cuales estableció relación e invitó a exponer en Viena fue al escocés Charles Rennie Mackintosh, que a su vez influiría fuertemente en el movimiento de Secesión Vienesa y especialmente en la obra de Koloman Moser y de Josef Hoffmann

 

Josef Hoffmann combinaría su faceta artística y de diseñador junto con su trabajo de profesor en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. Algunos alumnos de Josef  Hoffmann fueron Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Le Corbusier o Anni Schaad. Dentro de la carrera profesional de Josef Hoffmann la cumbre del reconocimiento le llegaría tras la Segunda Guerra Mundial. Sería comisario en la Bienal de Venecia, diseñando el pabellón de la Exposición, así como miembro del Senado de Arte.

 

Su estilo iría evolucionando haciéndose cada vez más abstracto y evolucionaría hacia líneas cada vez más sobrias. La obra de Hoffmann es fundamental para entender el Neue Sachlichkeit,  la obra de Le Corbusier o los diseñadores Gladys Aschermann, Luise Brigham o Edward H. Algunas obras iniciales de Josef Hoffmann fueron el Kabaret Fledermaus en Viena, el diseño de la Colonia de artistas Hoce Warte, las casas de Carl Moll, Koloman Moser o el escritor Richard Beer-Hofmann. Dentro de la esfera de obras públicas destaca de este periodo el diseño del sanatorio Purkersdorf.

 

Una obra de gran relevancia artística sería el diseño del Palacio Stoclet en Bruselas, todo un símbolo de este periodo artístico donde puede disfrutarse además del friso realizado por Gustav Klimt. En Viena realizó obras de gran valor artístico como por ejemplo el Residencia Ast o el Skywa- Primavesi, Villa Knips, así como el diseño interior realizado para el Kabarett Fledermaus. En la zona de su Moravia natal realizó obras como la Casa Sigmund Berl o la Villa Fritz Grohmann.

 

La obra de Josef Hoffmann también fue reconocida por el Tercer Reich, siendo nombrado Comisionado Especial para las Artes Vienesas y realizando la rehabilitación y remodelación de la Embajada alemana que sería demolida en 1955. Una de las obras más relevantes dentro del diseño de mobiliario fue el sillón Kubus que fue presentado por primera vez en la Exposición Internacional de Buenos Aires del año 1910. El diseño se caracteriza por el empleo de formas cúbicas gracias a lo cual recibía el apodo de Quadratl-Hoffmann.

 

Josef Hoffmann realizó un gran cantidad de diseños dentro del mundo del mobiliario y del interiorismo. Algunos de los diseños de mobiliario más relevantes realizados por Josef Hoffmann fueron: el sillón Sitzmaschine, el Palais Stoclet, el Siebenkugelstuhl, el sillón Purkersdorf, el Haus Koller, el Fledermaus, sillón Kunstschau o el sillón Club. En el campo del diseño de menaje ha llegado hasta nuestros días el diseño de los cubiertos Rundes Modell, así como el diseño de juegos de té, vajillas..  entre otros.

 

Josef Hoffmann también fue co- fundador de la Deutscher Werkbund y de Österreichischer Werkbund. La asociación DWB, se compuso por artístas arquitectos e industriales y se desarrolló en Alemania y en Austria. La DWB fue fundada en 1907 por Hermann Muthesius, convirtiéndose en un referente dentro del mundo de la arquitectura y en una precursora de la Escuela de la Bahaus.

 

Josef Hoffmann murió en Viena a los 85 años de edad. Algunos de los reconocimientos fueron la cruz de comandante de la Legión de Honor y el nombramiento  como miembro honorario del Instituto Americano de Arquitectos. El reconocimiento a Josef Hoffmann ha sido variable a lo largo de los años. Es posible que el re-descubrimiento de su obra se produjese a través de Giulia Veronesi.  Sería gracias al re-descubrimiento de su obra que posteriormente hacia la década de los 80 se comienzan a realizarse exposiciones y fabricarse réplicas de sus diseños de mobiliario de telas que logran tener gran aceptación entre el público.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: https://arteac.es/josef-hoffmann/

 

 

 

 

 

 

25. oct., 2020

Sven Gottfried Markelius (Estocolmo, 25 de octubre de 1889- ibidem, 24 de febrero de 1972) fue un arquitecto establecido en Estocolmo, activo en Suecia de 1915 a 1972 y uno de sus principales representantes del funcionalismo. Sven Markelius nació en Estocolmo en 1889. Estudió en el Real Instituto de Tecnología y en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo, de 1910 a 1915.

 

Después viajó por el continente. Al volver trabajó en el estudio de Ragnar OstbergErik Lallerstedt e Ivar Tengbom. Se interesa muy pronto por la construcción de viviendas y por el urbanismo, ganando el concurso para la ordenación de la exposición Construcción y vivienda, en Lidingó (1924). Sus primeras obras notables, influidas por el estilo internacional, son la sala de conciertos de Hälsingborg (1932) y el pabellón sueco de la exposición de Nueva York en 1939. De su obra urbanística cabe citar la ciudad satélite de Vällingby y la renovación de un barrio de Estocolmo (1963). Igualmente fue uno de los fundadores de los CIAM EN 1928.

 

Su proyecto para el primer concurso de la sala de conciertos de Helsingborg marca una época en la historia de la arquitectura sueca. Inscrito originalmente en la línea del clasicismo sueco defendido por Gunnar Asplund y Sigurd Lewerentz, este edificio se convierte, en definitiva, bajo la influencia del pensamiento de Le Corbusier, en una construcción simple, basada ante todo en las leyes de la acústica y el confort del público.

 

Markelius proyecta por la misma época su villa en Nockeby (1930) y, con Uno Ahrén, el edificio de alumnos de la Escuela Central (1928), cuyas fachadas claras revocadas, sin ornamento, largas ventanas, tejados planos y volúmenes cúbicos y semicilíndricos son características de la vanguardia. Desempeña igualmente un papel activo en la Exposición Internacional de Estocolmo (1930), que marca la penetración del funcionalismo en Suecia, y participa en la redacción del manifiesto Acceptera (1931), que critica a una arquitectura considerada demasiado elitista afirmando: «Aceptar la realidad existente: sólo así podremos controlarla, dominarla y modificarla».

 

En 1935, Markelius asociado con el reformador sueco Alva Myrdal proyecta en la John Ericssongatan, en Kungsholmen, una Casa Colectiva de 57 unidades en el centro de Estocolmo,. El edificio ofrecía servicios comunes como guarderías, cocina compartida y espacios para reuniones. todo, al menos en parte, inspirado en el edificio Narkomfin de Moscú. Markelius vivió él mismo en la Casa Colectiva durante treinta años, sirviendo como personal de mantenimiento no oficial, para asegurarse de que el edificio todavía funcionara y para demostrar su compromiso con los valores de la vivienda social-colectivos de guardería, restauración y limpieza.

 

Estimulado en este sentido por su compañera Viola Wahlstedt, trata de proporcionar a las mujeres activas más tiempo libre, pero es criticado por la prensa, que ve en sus ideas una puesta en entredicho de la célula familiar tradicional. Markelius, muy preocupado por los problemas sociales, no busca soluciones únicamente en el funcionalismo, sino que sigue también la forma más orgánica desarrollada por Alvar Aalto y por Asplund. El edificio de la Unión de la Construcción (1937), en Norrlandsgatan, Estocolmo, es clara prueba de ello, con su muy pensado conjunto de salas y su sofisticada ordenación.

 

Nombrado responsable de la comisión de investigación de la Dirección Central de la Construcción de 1938 a 1944, y después director de urbanismo en Estocolmo de 1945 a 1955, emprende la concepción de los planes -célebres en el mundo entero- de la ciudad nueva de Vállingby, así como el plan director de Estocolmo (1952). Dirigiendo la rehabilitación de la capital, proyecta en el centro el tercer rascacielos de Sergel Torg (1960), la Casa del pueblo de Norra Bantorget (1956-1960) -precedida por la Linkóping (1952)- y la Casa de Suecia, en Hamngatan (1963).

 

Después de la segunda guerra mundial, Sven Markelius se activa como un urbanista en Estocolmo, desde 1944 a 1954 fue jefe de la oficina de planificación de Estocolmo. Colabora igualmente en la investigación urbanística para determinar el futuro emplazamiento del edificio de la ONU en Nueva York (1952) y fue miembro del Comité de Arte y Construcción para la creación de la UNESCO en París. A pesar de sus numerosas funciones oficiales, Markelius continúa ejerciendo hasta su muerte. Su arquitectura está marcada en altísimo grado por la inventiva, la innovación y un sentido de la forma del que deriva la unidad clara de sus construcciones. Murió en Estocolmo en 1972.

 

Álbum de fotos:

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Fuentes:  https://www.urbipedia.org/hoja/Sven_Markelius

https://es.wikiarquitectura.com/arquitecto/markelius-sven/

 

 

 

 

 

 

22. oct., 2020

 

Gregory Ain (28 de marzo de 1908 - 9 de enero de 1988) fue un arquitecto estado unidense que trabajó principalmente en el área de Los Ángeles a mediados del silglo XX. Ain es mejor conocido por llevar elementos de la arquitectura moderna a viviendas de bajo y medio costo. Se dirigió a "los problemas arquitectónicos comunes de la gente común". ​Esther McCoy dijo que "Ain fue un idealista que dedicó más de diez años a combatir los códigos de planificación y construcción anticuados, y promover prácticas inmobiliarias más ambiciosas". ​"Ain idolatraba a Schindler", recuerda el arquitecto John Blanton, quien también trabajó para Richard Neutra. "Pero Ain estaba más orientado al usuario; quería que sus diseños funcionaran para los clientes y, por lo tanto, podrían comprometer el estilo. Debido a esto, los clientes lo adoraban". 

 

Nacido en Pittsburgh, Pensilvania, en 1908, Ain se crio en el vecindario Lincoln Heights de Los Ángeles. Durante un corto tiempo durante su infancia, la familia Ain vivió en Llano del Río, una colonia experimental de cultivo colectivo en el Valle de Antílope de California. Se inspiró para convertirse en arquitecto después de visitar la Casa Schindler cuando era un adolescente. Asistió a la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Sur de California en 1927–28, pero se retiró después de sentirse incapaz de aprobar las asignaturas de Bellas Artes de la escuela.

 

Sus influencias principales fueron Rudolph Schindler y Richard Neutra. Trabajó para Neutra desde 1930 hasta 1935, junto con su compañero aprendiz Harwell Hamilton Harris, y contribuyó a los principales proyectos de Neutra de ese período. A partir de 1935, Ain se dedicó a diseñar casas modestas para clientes de clase trabajadora con planos de planta flexibles y cocinas abiertas. Se le concedió una beca Guggenheim en 1940 para estudiar viviendas prefabricadas. Durante la Segunda Guerra Mundial, Ain fue ingeniero jefe de Charles y Ray Eames en el desarrollo de sus conocidas férulas para patas y sillas de madera contrachapada, incluidas las series DCW y LCW.

 

Las décadas de 1930 y 1940 representaron el período más productivo de Ain. Durante este período, su búsqueda de principios para abordar "los problemas arquitectónicos comunes de la gente común", impulsó la implementación de planos de planta flexibles y cocinas abiertas. En la década de 1940, formó una sociedad con Joseph Johnson y Alfred Day para diseñar grandes zonas de viviendas. Los principales proyectos de este período incluyeron Hogares Comunitarios, Hogares Planificados en Parques, Hogares Avenel y Viviendas Mar Vista. Colaboró con el arquitecto paisajista Garrett Eckbo en cada uno de estos proyectos. Eran una expresión de diseño moderno de mediados de siglo.

 

Ain también practicó en una "asociación flexible" con James Garrott , y construyeron un pequeño edificio de oficinas juntos en Hyperion Avenue, en el vecindario de Silver Lake. Estos proyectos atrajeron la atención de Philip Johnson, encargado de arquitectura del Museo de Arte Moderno, quien encargó a Ain el diseño y la construcción de la segunda casa de exhibición del MoMA en el jardín del museo en 1950, después de la de Marcel Breuer en 1949. 

 

Al mismo tiempo, Ain fue acusado de comunista y fue activamente investigado y espiado (entre otros, por la niñera de la familia) durante casi 30 años por el FBI. J. Edgar Hoover lo consideró el arquitecto más peligroso de Estados Unidos, lo que provocó la pérdida de muchos encargos, incluida la participación en el famoso Programa Case Study Houses de John Entenza. A veces tuvo que usar un alias, Fred Grant.

 

Ain también enseñó arquitectura en la USC después de la guerra. Luego, de 1963 a 1967, se desempeñó como decano de la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Estado de Pennsylvania. Luego regresó a Los Ángeles y murió en 1988, dejando una hija, Emily, y un hijo, Christopher. Los trabajos de Ain se encuentran en la Colección de Arquitectura y Diseño de la Universidad de California en Santa Bárbara. Christiane Robbins produjo una película, Bauhaus Ranch (también conocida como 1000 pies cuadrados), que documenta la vida de Ain.

 

Album de fotos:

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Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Gregory_Ain

 

 

 

 

 

 

20. oct., 2020

Interiorista, diseñadora textil, bailarina y artista. Sophie Taeuber-Arp lo fue todo en la Europa de entreguerras, cuando sus 'collage' y tapices tan abstractos como optimistas transformaban el arte.

 

Sophie Taeuber-Arp (DavosSuiza19 de enero de 1889 - Zúrich13 de enero de 1943) se convirtió en una de las artistas dadá más importantes de su generación. Su vena interdisciplinar y su desbordante capacidad de trabajo e imaginación la llevaron a diseñar tapices, construir marionetas de madera, bailar en el mítico Cabaret Voltaire de Zúrich, donde nació, precisamente, el dadaísmo, pintar cientos de cuadros, inventarse el interiorismo de casas y centros culturales y esculpir sus famosas tête dadá (cabezas dadá) en los años 20.

 

Su padre era farmacéutico pero su madre era una mujer muy liberal que le dejó entrar en la Escuela de Artes y Oficios de Saint-Gall en 1907 y más tarde la envió a estudiar a Múnich y Hamburgo. Con este bagaje de conocimientos, Sophie empezó diseñando tapices y de hecho fue en Zúrich, en la Exposición Internacional de Tapices Modernos, donde conoció al que sería su compañero de trabajo y de vida, Jean Arp. Es un encuentro casual y Arp se queda fascinado por esta mujer amable y serena que vive como el personaje de un libro de las horas, estudiosa en su trabajo y estudiosa en su sueño –escribirá en 1948-.

 

Ella es entonces una joven profesora de la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich y alumna brillante en las clases de danza expresiva de Rudolf Laban: bailar en libertad, bailar sin pasos; bailar como exige Dadá, movimiento que por esos momentos se establece en Zúrich y a cuyas reuniones se incorporan Arp y Taeuber muy pronto. Juntos empezaron a experimentar con collages abstractos que seguían unos determinados patrones. Sophie, además, era una increíble bailarina que actuaba en el Cabaret Voltaire, donde nació el dadaísmo, para sus amigos Tristan Tzara, Hugo Ball y para Jean, que en el 22 se convirtió en su marido. Además, diseñaba los vestuarios, los disfraces y ayudaba con la coreografía.

 

En 1915 Taeuber se lanzó a pintar dibujos y gouaches estructurados de formas geométricas y llenos de colores, anticipándose así al constructivismo, e inspirados, probablemente, en sus estudios de Arts & Crafts. "Como la música, su arte toca la realidad más profunda. Cuando la conocí ya dividía las superficies de sus lienzos y acuarelas en cuadrados y rectángulos que yuxtaponía horizontal y perpendicularmente. Construía sus pinturas como obras de albañilería", describió Jean Arp años después. Por suerte para él, Sophie, además de pintar y tejer, pudo mantener a la pareja trabajando como profesora en la Escuela de Artes Aplicadas de Zúrich de 1916 a 1929.

 

En 1918 Carlo Gozzi le encargó diseñar marionetas para una de sus obras de teatro, El Rey Ciervo y puede que de ahí naciera el impulso para crear sus famosas cabezas dadá, de madera casi todas y con los rostros pintados de gente que conocía, incluído su marido Jean. De sus viajes por Italia sacó la inspiración para su serie de tapices Paisajes de Siena y, en 1921, en Saint Moritz, diseñó por primera vez muebles para la Villa Suhaglia de sus amigos Aor e Ischa Schwaller.

 

En 1926 ella y Arp se mudaron a Estrasburgo, donde Sophie realizó uno de sus mejores y más conocidos trabajos, el interiorismo del centro cultural y café Aubette, para el que pintó los muros con sus colores abstractos. Poco después decoró su casa y estudio en Medon, cerca de París, para el que diseñó todo el mobiliario y decoró las paredes. El hogar del matrimonio Arp se convirtió, de facto en un lugar de encuentro para artistas, pensadores y escritores como Sonia y Robert Delaunay, Alexander Calder, Wassily Kandinsky, Joan Miró o Marcel Duchamp. Como ya no tenía que enseñar en la Escuela, Sophie se volvió aún más productiva durante la década de los años 30. Formó parte de los grupos constructivistas Cercle et Carré y Abstraction-création. También publicó su propio diario constructivista, que llamó Plastique y creó algunas de sus mejores obras, como Croix brisée, Composition vertical o Equilibre.

 

"Se expresaba a través de desahogos de color, especialmente en sus últimos años de vida, usando casi exclusivamente formas simples y geométricas", dijo de ella Kandinsky, uno de sus amigos más cercanos. La exposición Constructivists en el Kunstmuseum de Basilea, en su país, en 1937, le valió el reconocimiento internacional. En ella expuso 24 de sus obras. Su último trabajo como interiorista fue en el 35 para el arquitecto vinculado a la Bauhaus Ludwig Hilberseimer, que le encargó diseñar la cocina y el dormitorio de un piso en Berlín, en el que volcó todos sus conocimientos y del que por desgracia no se ha conservado nada.

 

Así, en el contraste, se organiza la obra de esta creadora capaz de conciliar los extremos, a veces opuestos, que están en el origen mismo de lo moderno –figuración, abstracciones, dadaísmo, razón geométrica, artesaníaarte, serenidad, origen… De hecho, si repasamos el relato fundacional de las vanguardias, el nombre de esta artista aparece asociado a los momentos clave de la formación de las modernidades. Solo con recordar los testimonios y los eventos del periodo 1915-1940 queda claro que Taeuber fue una parte vital de los mismos, funcionando a menudo como bisagra entre dos épocas, entre dos propuestas que en ella encuentran esa unión lógica y productiva.

 

Desde el principio Kandinski, quien se refiere al trabajo de la creadora como una fuga. Las vanguardias hablaron de Taeuber con admiración, como performance dadá y como artista concreta. Es la idea de personaje polifacético –pintora, bailarina, escenógrafa, dibujante, diseñadora, disfrazada, surrealista, dadaísta, arquitecta, profesora…- que comenta Hans Richter: Sophie no era solo bailarina y profesora, sino ante todo una pintora abstracta moderna en una época en la que la pintura abstracta estaba aún en sus primeros balbuceos.

 

A principios de 1940, con el comienzo de la Segunda Guerra Mundial y la invasión nazi de Francia, el matrimonio huyó a Suiza, donde se instalaron brevemente. Allí Sophie pintó sus últimas obras, una serie de dibujos a lápiz y tinta llamados Construction géométrique. Tres semanas después de acabarlos moría de forma accidental en su casa de Zúrich tras envenenarse accidentalmente con monóxido de carbono procedente de una estufa de gas. Era 1943, nunca pudo ver acabar la guerra.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: Artículo de Itziar Narro en https://www.revistaad.es/decoracion/

 

 

 

 

 

 

14. oct., 2020

Para construir la Werkbundsiedlung unieron sus esfuerzos los grandes arquitectos de la era pionera del Movimiento Moderno como ningún otro lugar de Viena. Adolf Loos diseñó los planos de la casa modelo, que también llevan la firma de Richard Neutra, Josef Frank, Clemens Holzmeister y Margarete Schütte-Lihotzky.

 

¿Desea conocer una joya arquitectónica menos transitada por los turistas?

La Werkbundsiedlung, en el suburbio de Hietzing, es el mejor lugar de Viena para admirar las visionarias construcciones de los grandes del Movimiento Moderno en poco espacio. La urbanización comenzó a construirse entre los años 1929 y 1932 como un conjunto de 70 residencias familiares basadas en el modelo de la Werkbundsiedlung de Stuttgart. Se invitó a participar en el proyecto a más de 30 arquitectos. El encargo que se les dio consistía en diseñar casas que fuera rentable construir y que pudieran ofrecer la mayor funcionalidad posible en poco espacio.

 

Small is beautiful

Los arquitectos lograron hacer algo visionario, porque las construcciones concebidas terminaron por convertirse en una nueva forma de vivienda social. La Werkbundsiedlung se convirtió en un contramodelo de las monumentales viviendas de protección oficial como el Karl-Marx-Hof. Su lema era small is beautiful (en inglés, lo pequeño es bello). Las razones por las que vale la pena coger el bus desde la estación de la línea U4 Ober St. Veit para hacer una visita al Werkbundsiedlung son varias.

 

Hasta la actualidad, se han conservado 64 de las 70 edificaciones iniciales. Estas fueron renovadas con gran celo hace pocos años. Qué tiene de especial: la Werkbundsiedlung no es un museo, sino una urbanización de viviendas unifamiliares habitadas, que a día de hoy sigue siendo vivienda social. Los vieneses y vienesas que viven aquí siguen teniendo vistas al jardín. Lo que es aún más admirable es el hecho de que todos los arquitectos que participaron en su construcción eran de los más grandes de su tiempo.

 

Un influyente gestor de proyectos

El representante más radical del Movimiento Moderno temprano en Austria, Adolf Loos, colaboró en dos grandes proyectos de casas adosadas. Josef Hoffmann también ideó cuatro complejos de viviendas. A principios del siglo XIX, ya había dado rienda suelta a sus impulsos creativos y sabía moverse con el paso del tiempo. La lista es larga: Richard Neutra, quien después haría una brillante carrera en los EE. UU., participó tan intensamente en la Werkbundsiedlung como Clemens Holzmeister.

 

El proyecto fue dirigido por Josef Frank, considerado uno de los diseñadores más influyentes del siglo XX. Fueron especialmente los modelos de muebles, telas, alfombras y objetos de uso cotidiano de todo tipo que realizaría por encargo de la empresa sueca Svenskt Tenn los que le darían fama. Ah, un dato curioso para la época: Margarete Schütte-Lihotzky fue también una arquitecta colaboradora.

 

El encanto de lo moderno

No obstante, no solo fueron los éxitos arquitectónicos los que hicieron de la Werkbundsiedlung algo particularmente fascinante. Incluso la disposición general de los edificios, que se debe a la ligera inclinación del terreno, emite un encanto especial. Por el conjunto de viviendas pasan senderos sinuosos que se vuelven a encontrar en el intrincado corazón de la parcela e invitan a pasear por este panóptico del Movimiento Moderno clásico. Huelga decir que la idea de la Werkbundsiedlung nunca pudo convertirse en un estándar, por lo que terminó siendo un caso único y aislado.

 

A diferencia de proyectos anteriores, el Wiener Werkbundsiedlung se centró en "la rentabilidad en los espacios más pequeños". Las casas son realmente muy pequeñas en comparación con los tamaños de habitaciones y apartamentos habituales en la actualidad, pero una y otra vez transmiten una amplitud asombrosa debido a la funcionalidad que fue significativa para la era moderna temprana, el nivel más alto de economía en detalle y vistas y referencias visuales inteligentemente ubicadas. 

 

Las casas, amuebladas por fabricantes e interioristas de renombre, estuvieron abiertas al público como una exposición internacional / Werkbundsiedlung del 4 de junio al 7 de agosto de 1932. Mas de 100.000 personas visitaron el asentamiento durante esta exposición. La respuesta de los medios internacionales fue muy positiva.

 

La situación económica de gran parte de la población fue mala durante este tiempo. Solo se pudieron vender 14 casas, incluidos jardines, según lo previsto; los demás fueron alquilados y pasaron a ser propiedad directa de la administración de la ciudad de Viena durante la era nazi en 1938. El bombardeo de Viena en los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial causó el derribo de seis casas que fueron reemplazadas por nuevos edificios de otros arquitectos, incluido Roland Rainer .

 

En 1983 56 de las 64 casas que quedaron después de la guerra fueron renovadas por Adolf Krischanitz.  En el transcurso de esto, Krischanitz construyó un pequeño museo del asentamiento al oeste de la casa al lado de Woinovichgasse 32. Documentó su trabajo en un libro en 1989. Dado que algunos de los edificios eran de propiedad privada, no todas las casas se pudieron renovar en ese momento. 80 años después de la apertura, en 2012, la administración de la ciudad comenzó la necesaria renovación y renovación de la propiedad en cooperación con la Oficina Federal de Monumentos.  La renovación se completó en 2019. En 2020, Werkbundsiedlung Vienna recibió el Sello de Patrimonio Europeo .

 

Álbum de fotos:

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Fuente:

https://www.wien.info/es/sightseeing/architecture-design/werkbund-estate