Arte y Arquitectura

29. dic., 2020

Sigurd Lewerentz (Sandö, Suecia, 29 de julio de 1885 - Lund, 29 de diciembre de 1975) fue un arquitecto establecido en Estocolmo, Eskilstuna y Lund, activo en Suecia de 1908 a 1975. Sigurd Lewerentz es una figura clave de la arquitectura sueca moderna. Arquitecto y diseñador, inventor e industrial, no posee un lenguaje formal particular aunque la austeridad caracteriza su expresión. Su producción abarca casi todos los ámbitos: casas de obreros, villas de aristócratas, fábricas, iglesias, cementerios, oficinas, decoración de tiendas, diseños de muebles, urbanismo, sin olvidar diversas invenciones producidas en sus talleres.

 

En 1903 es admitido en el Instituto Técnico Chalmers, en el departamento de ingeniería mecánica, pero tras un tiempo se traslada al departamento de arquitectura. Se licencia en 1908 y marcha a Alemania (1907-1909) a trabajar con Bruno MóhringTheodor Fischer y Richard Riemerschmid. A su vuelta, junto con cinco condiscípulos, protesta contra la enseñanza de Claes Grundstrom en la Academia de Bellas Artes de Estocolmo y participa en la fundación de la Escuela Klara, donde enseñarán Cari WestmanRagnar OstbergIvar Tengbom y Cari Bergsten. Empleado durante un breve período por Westman, Lewerentz abre en seguida su propio estudio en 1911 (en asociación con Torsten Stubelius hasta 1917).

 

Su proyecto de crematorio en Helsingborg es destacado en la Exposición Báltica de Malmó de 1914. En 1915 gana, junto con Gunnar Asplund, el concurso para el cementerio en el bosque de Estocolmo. Al cementerio se e entra por la puerta norte. Cerca de la entrada se ve la Arboleda del recuerdo, diseñada por Lewerentz y, a la izquierda, las capillas del crematorio que diseñó Asplund entre 1935 y 1940. Una larga calzada recta, el camino de los siete pozos, lleva al fondo del cementerio, donde se encuentra la Capilla de la Resurrección, diseñada por Lewerentz y construida entre 1922 y 1926.Trabaja durante toda su vida en las diferentes etapas del cementerio del Este en Malmó, desde la concepción del proyecto (1916) a la realización del quiosco de flores, una construcción radicalmente simple en hormigón y vidrio (1961), pasando por una capilla de estilo clásico (1943).

 

A finales de la década de los veinte inventa el sistema Idesta para las ventanas metálicas (en colaboración con Claes Kreüger) y comienza su producción en Eskilstuna (1940). Participa en la llegada del funcionalismo y colabora en la Exposición de Estocolmo en 1930. En esta época realiza diversas fábricas, siempre en el marco de su estudio, que sigue siendo de dimensiones modestas ya que prefiere conservar el control sobre el conjunto de su trabajo. Con la villa Edstrand, en Falsterbo (1936), Lewerentz pasa de manera radical del clasicismo al funcionalismo. Continúa en esta línea con el teatro de Malmó; aunque ganador de los concursos celebrados en 1932 y 1935, tiene que realizar el edificio (terminado en 1944) con Erik Lallerstedt y David Helldén.

 

En 1956 participa en el concurso para la iglesia y los edificios de la nueva parroquia de Skarpnack, en Estocolmo, y la iglesia Markus es consagrada en 1960. Para estos edificios de pequeño tamaño, construidos en ladrillo, íntimos y cálidos, Lewerentz afirma haberse inspirado en la arquitectura persa antigua. En 1962, por recomendación de la dirección de la construcción, recibe el encargo de la iglesia Petri, en Klippan. A partir de 1966 colabora con Bemt Nyberg. Con el proyecto para el nuevo Parlamento (1970-1971), Lewerentz encuentra una forma dura e intransigente.

 

En un texto sobre la iglesia de San Pedro en Klippan, construida por Lewerentz entre 1963 y 1966, cuando tenía 78 años, Peter Blundell Jones compara la actitud del arquitecto sueco con la de Mies van der Rohe —un año menor y que en 1968 terminaría su proyecto de la Nueva Galería Nacional en Berlín. “Se puede argumentar, dice, que ambos eran igualmente obsesivos en su búsqueda del detalle y la atención a los materiales y con una deuda similar con la tradición clásica, pero el trabajo de Lewerentz se movía en una dirección muy diferente al de Mies. Desde el inicio de su carrera —agrega—, estaba interesado en lo irregular y los órdenes en conflicto más que en la calmada finalidad buscada por Mies. Y lejos de purificar la apariencia de la construcción borrando cada marca dejada por la mano, Lewerentz le pedía a sus trabajadores que se abstuvieran de ser prolijos, haciendo las marcas del proceso más evidentes.”

 

Si bien Lewerentz se interesó por los detalles y la estandarización al inicio de su carrera, la atención por la materialidad de lo construido, que se alejó con igual medida tanto del preciosismo de Mies como del brutalismo de Le Corbusier, se puede ver con deslumbrante claridad, si el calificativo no resulta equívoco, en el último proyecto que terminó Lewerentz antes de morir el 29 de diciembre de 1975: el quiosco de flores del cementerio de Malmö, construido en 1969 y cerrando un ciclo que había iniciado en 1914. Un bloque de hormigón visto y techo de fuerte pendiente hacia un lado, es perforado por una sola puerta y dos vidrios sin moldura, sobrepuestos a las perforaciones que tapan en el muro —como ya lo había hecho en la capilla de San Pedro. En la fachada opuesta, el techo de cobre produce un alero que protege la entrada al quiosco.

 

Álbum de Fotos:

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Fuentes: https://www.urbipedia.org/hoja/Sigurd_Lewerentz

https://www.arquine.com/sigurd-lewerentz-la-imposibilidad-del-poder

 

 

 

 

 

 

21. dic., 2020

 

Henry van de Velde (Amberes, 3 de abril de 1863 - Ober-Ägeri, Suiza, 15 de octubre de 1957), arquitecto, decorador y pintor belga establecido en Bruselas de 1895 a 1900, en Berlín de 1900 a 1902, en Weimar de 1902 a 1917, en Holanda de 1917 a 1925, en Bruselas de 1925 a 1047 y en Suiza de 1947 a 1957. Activo en Bélgica, Alemania, Holanda y Francia.

 

Personalidad compleja de labor multiforme, ligado a las figuras artísticas e intelectuales más célebres de su tiempo, Henry van de Velde ocupa un lugar central en la arquitectura del siglo XX. Gracias a la actividad internacional que desarrolla simultáneamente en los planos teórico, pedagógico y práctico y gracias también a su constante voluntad de renovación, será durante cerca de medio siglo uno de los grandes pensadores de la modernidad.

 

No aborda la arquitectura sino de manera tardía, como autodidacta, después de haberse dedicado durante diez años a la pintura. En 1893 abandona este arte, al juzgarlo demasiado individualista, y se orienta hacia la ilustración y la encuadernación y, más tarde, a la creación de mobiliario. Paralelamente, emprende una reflexión teórica sobre la naturaleza del ornamento, da conferencias y publica Déblaiement de l'art, un llamamiento por un retorno a la unidad de las artes al servicio de un ideal moral que obtiene un eco inmediato (1894).

 

La construcción de su propia casa, el Bloemenwerf en Uccle (Bruselas), le permite materializar sus ideas (1894-1895). Cercano al cottage inglés, el edificio pretende proporcionar, ante todo, un nuevo marco de vida, simple y natural, todos cuyos elementos -hasta los propios vestidos de su esposa- son concebidos de manera unitaria. La carrera de Van de Velde adquiere rápidamente una dimensión internacional.

 

En 1895 Samuel Bing le confía el amueblamiento de varias habitaciones de su célebre galería L'Art Nouveau, en París. Participa en la ordenación de la Exposición del Congo en Tervuren, cerca de Bruselas (1897), y realiza la decoración de los almacenes Arts and Crafts de La Haya (1898), al mismo tiempo que abre un taller de mobiliario en Ixelles (Bruselas, 1898). Entusiasmado por sus realizaciones, el crítico de arte Meier-Graefe introduce a Van de Velde en Alemania, donde presenta con éxito una sala de descanso en la Exposición de Bellas Artes de Dredse (1897), obteniendo en seguida el encargo de numerosos mobiliarios y equipamientos interiores.

 

En 1900 parte para Berlín y dos años más tarde se afinca en Weimar, donde es nombrado consejero artístico del Gran duque. Encargado del relanzamiento de las industrias artísticas, crea en dicha ciudad una escuela de artes aplicadas que propone una enseñanza totalmente apartada de la imitación de los estilos históricos y cuyos principios serán retomados por su sucesor, Walter Gropius, para la Bauhaus. Sumergido en un medio intelectual y artístico fecundo, Van de Velde construye una quincena de residencias y numerosos edificios públicos: decoración del Museo de Hagen (1902), Escuela de arte y Escuela de artes aplicadas en Weimar (1904-1911), teatro de la Exposición del Werkbund en Colonia (1913-1914, destruido).

 

En 1910-1911 recibe el encargo del proyecto del teatro des Champs-Élysées en París, que será definitivamente llevado a cabo por los hermanos Perret, quienes conservarán la mayor parte de su proyecto. En 1919 acepta instalarse en Holanda a petición de los Kröller-Müller, que le confían la realización de un vasto museo en Hoenderloo para albergar su colección de arte moderno. Elaborado entre 1921 y 1929, este proyecto capital, que parece evocar a veces a la arquitectura expresionista alemana y a la Escuela de Amsterdam, será finalmente abandonado; la creación de un museo se concretará sólo mucho más tarde y de manera totalmente diferente, con la construcción del Museo Kröller-Müller de Otterlo, donde la arquitectura se borra totalmente en beneficio de la puesta en valor de las obras (1936-1938, 1941-1944, 1953-1957).

 

Vuelto a Bélgica en 1925, Van de Velde recibe del ministro socialista Camille Huysmans el encargo de proseguir la experiencia pedagógica de Weimar y funda en 1927 en Bruselas el Instituto superior de Artes Decorativas de La Cambre, al que llama a colaborar a los principales arquitectos modernos del periodo de entreguerras: Victor Bourgeois, Huib Hoste, Jean-Jules Eggericx, Antoine Pompe, Louis Van der Swaelmen o Raphaël Verwilghen. Su labor se desarrolla en realizaciones muy sobrias en las que prosigue sus investigaciones sobre la continuidad de la linea y de los volúmenes: su casa en Tervuren (1927-1928), el Hospicio Heinemann en Hannover (1929-1931), la casa Wolfers en Ixelles (Bruselas, 1930). En 1932 recibe también el encargo de la Biblioteca central y del Instituto de Historia del Arte y Arqueología de la Universidad de Gante (1932-1936), en 1937 el del pabellón belga en la Exposición de París (en colaboración con Eggericx y Verwilghen, destruido) y en 1939 el del pabellón belga en la Exposición de Nueva York (en colaboración con Bourgeois y Léon Stynen‏‎).

 

A partir de 1935 forma parte del gabinete del ministro de Obras Públicas y se encarga de ejercer un control estético sobre el conjunto de la producción de la Sociedad nacional de Ferrocarriles y de las obras promovidas por el ministerio, tarea que prosigue de 1940 a 1943 en calidad de consejero estético para la reconstrucción en el seno del Comisariado general para la restauración del país. Tras la guerra, se retira a Suiza y se dedica a la redacción de sus memorias, que quedarán inacabadas.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: https://www.urbipedia.org/hoja/Henry_van_de_Velde  

 

 

 

 

 

 

9. dic., 2020

 

Georges Vantongerloo (Amberes, 24 de noviembre de 1886 – París 5 de octubre de 1965) desdobló la geometría hasta convertir la plástica en una forma infinita, trasladándose de los ejes marcados por el grupo artístico De Stijl a la abstracción del neoplasticismo.

 

Nacido en Amberes el 24 de noviembre de 1886, Vantongerloo estudió en las Academias de Arte de Bruselas y de Amberes. Hacia mediados de la década de 1910 tuvo su primer contacto con los artistas Piet Mondrian y Van Doesburg, por quienes se integró al movimiento De Stijl. Corriente que en holandés significa estilo y fue una variante del arte abstracto que buscaba la integración total de todas las artes. Sus representantes trabajaban como artistas, arquitectos, decoradores de muebles, artistas gráficos y escenógrafos.

 

La duración de De Stijl abarcó poco más de los primeros veinte años del siglo XX y se dividió en dos etapas; aunque su impacto aún se encuentra como inspiración en distintas disciplinas artísticas en la actualidad. Tras firmar, en 2017, el manifiesto del grupo De Stijl, Vantongerloo formó parte del neoplasticismo; el cual deriva de la segunda etapa del movimiento De Stijl  y tuvo su mayor representación en Holanda, a partir de las vanguardias históricas marcadas por la abstracción de Mondrian, Kazimir Malevitch y Vasili Kandinsky.

 

En 1918 se traslada a Francia, donde entra en contacto con Max Bill, que le organizará varias exposiciones. En 1924 publica en Amberes El arte y su futuro. Desde 1919 introduce en su obra las reglas reduccionistas de De Stjl: la utilización sólo de horizontales y verticales, basando sus construcciones escultóricas en este principio. En su obra, las variaciones de volumen y proporción están determinadas geométricamente, a menudo según fórmulas matemáticas. Consigue en sus esculturas efectos de luces cambiantes que establecen una relación de la pieza con el entorno de tipo arquitectónico.

 

En 1928 se instala definitivamente en París donde funda y es vicepresidente del grupo Abstracción-Creación: asociación de artistas abstractos formada en París para contrarrestar la influencia de los surrealistas. La pintura de Georges se encaminó a seguir las reglas estrictamente geométricas y algebraicas, hasta convertirse en el fundador del pensamiento matemático en el arte contemporáneo. Realiza proyectos de arquitectura que son expuestos en el Museo de Artes Decorativas de París.

 

“Son obras basadas en el ángulo recto y en la relación entre las líneas y las superficies de colores planos, y en el caso de sus equivalentes escultóricos, en la relación entre los volúmenes, convirtiéndose de este modo en un verdadero terreno de la escultura abstracta”, es como define el Museo Nacional Reina Sofía la obra del artista neerlandés. Hacia Georges Vantongerloo introdujo la línea curva a sus obras, lo que le permitió desarrollar un espacio más libre y abierto.

 

En 1936 su obra está presente en la importante exposición Cubismo y Arte Abstracto organizada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su primera exposición individual es en 1943 en la galería Berri de París. A partir de 1945, desarrolló su mundo abstracto hacia la cosmología con la realización de series de núcleos de alambre, modelos de plexiglás en forma de prisma. A su vez, trató de encontrar un equivalente estético de fenómenos cósmicos, como la radiación, la radioactividad, la fisión, el electromagnetismo, la atracción y repulsión, y la nebulosa.

 

De este modo, el Reina Sofía concluye que: “Se podría afirmar que a lo largo de toda su obra Vantongerloo persiguió la noción de lo infinito, o de lo inconmensurable, y lo único que cambió profundamente fueron sus medios de expresarlo”. Maestro de la sintonía entre la revelación del conocimiento científico del cosmos y la conciliación de lo físico y lo biológico. En 1962 y, organizada por Max Bill, realiza una retrospectiva en la Marlborough New London Gallery.  Vantongerloo falleció el 5 de octubre de 1965 en París.

 

Álbum de fotos:

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Fuente: https://fahrenheitmagazine.com/arte/plasticas/georges-vantongerloo

 

 

 

 

 

 

4. dic., 2020

No-construir arquitectura: la obra de Dentro de la arquitectura radical austriaca de la década de 1960, sobresale la figura de Raimund Abraham, un arquitecto que centró su trabajo en el desarrollo de propuestas experimentales y teóricas, a partir del dibujo como medio primordial de expresión, en detrimento de la arquitectura construida y utilitaria.


Nacido en Lienz (Austria), Raimund Abraham (1933-2010) estudió en la Technische Hochschule de Graz. Durante los primeros años sesenta colaboró con Walter Pichler (1936-2012) en proyectos de arquitectura experimental inspirados en la era espacial. Sus propuestas parten de conceptos afines a los empleados por los metabolistas japoneses o grupos como Archigram, Haus-Rucker-Co, Superstudio o Archizoom. Se trata de artefactos autosuficientes, transportables y sostenibles que pueden ser implantados en nuevos territorios y nuevos mundos.

 

Interesado por una arquitectura de corte radical, fuerte carga teórica y planteamientos utópicos, desde muy pronto renunció a construir. Sus formas ideales y sus estructuras urbanas imaginarias quedan plasmadas en dibujos arquitectónicos de enorme calidad gráfica que, en muchas ocasiones, han sido identificados como verdaderos “poemas visuales”. El dibujo, como principal medio de expresión, se enriquece con el empleo del collage y los fotomontajes, continuando con la experimentación gráfica iniciada en la década de los sesenta.

 

En 1964 se estableció en Nueva York, apoyando su trabajo teórico con la docencia en la Cooper Union School, desde 1971. Siguiendo la tradición de la Escuela Vienesa, su arquitectura presenta un carácter claramente escultórico y monumental. Sus diseños se basan en las matemáticas y la geometría, proponiendo en cada planteamiento un conjunto de objetos modelo o prototipos universales. Sus formas se reducen a piezas elementales y rotundas, arquetipos arquitectónicos de reminiscencias arcaicas.

 

La ciudad como campo de experimentación es una de sus obsesiones. Sus visiones arquitectónicas se basan en la máquina, no como inspiración estética sino, más bien, como potencial de la ingeniería, como posibilidad de crecimiento y expansión, como fuerza colonizadora, por ejemplo en Transplantation I (1964). En el proyecto Linear City (1964), la ciudad no se desarrolla verticalmente, sino que su crecimiento horizontal se extiende por el territorio de manera indefinida. En algunos casos, como Glacier City, su ubicación encajada en un angosto valle la hace desaparecer camuflada en el paisaje. Se trata de una ciudad subterránea, desvinculada de su entorno, protegida por un caparazón que capta la energía solar.

 

En la propuesta Universal City (1966), una enorme megaestructura se extiende de manera ilimitada, en un crecimiento infinito que posibilitaría construcciones anulares rodeando la Tierra. Como valles artificiales, su aspecto ideal permite la inserción en cualquier lugar y su aplicación universal. En uno de sus dibujos, Universal City se muestra a través de una ventanilla, seguramente una nave espacial, desde donde el futuro habitante, caracterizado como astronauta, contempla la panorámica de la neociudad que se pierde en el horizonte. Como en muchas de sus representaciones gráficas, el paisaje es hostil y desértico, una visión extraplanetaria de un territorio árido identificado como un nuevo mundo donde asentarse. Las relaciones que establecen sus propuestas arquitectónicas con la tecnología aeroespacial, la influencia de los medios de comunicación de masas, especialmente el cine, en su género de ciencia ficción, el cómic o la publicidad, son obvias.


Del mismo modo, es relevante la interconexión con otras manifestaciones y disciplinas artísticas de vanguardia, como el arte conceptual o la performance. Se puede citar el proyecto Silla-bisagra (Hinge-Chair, 1970-1971), donde se experimenta con el espacio, el tiempo, el movimiento, el mobiliario y el cuerpo del usuario, quedando patente, como en una secuencia de fotogramas para un stop motion, las transformaciones del objeto.


Durante los años setenta, la experimentación con la arquitectura residencial llevó a Raimund Abraham al desarrollo de un gran número de proyectos de casas donde manipuló la tipología de vivienda y el arquetipo de casa. El diseño de estas casas está basado en sus diferentes elementos constitutivos y elementos espaciales, explorando la relación que se establece entre el usuario y sus sensaciones, sentimientos, rituales cotidianos y ciclos naturales. En su mayor parte, estas casas se ubican en lugares inventados, normalmente paisajes desolados, agrestes y áridos. Muchas de ellas se resuelven a partir de volúmenes prismáticos, mallas cúbicas tridimensionales o mediante la yuxtaposición de elementos arquitectónicos, como muros o escaleras.


En la Casa con cortinas (The House with Curtains Project, 1972), la vivienda se extiende bajo tierra y sobre el cielo, transmitiendo las contradicciones de la propia vida. La parte aérea de la casa se formaliza a partir de una retícula estructural abierta de carácter tectónico. El interior apenas se protege mediante un cerramiento textil, un “muro-cortina” vaporoso, en oposición al tratamiento cerrado de la parte inferior estereotómica y montañosa. Las cortinas que envuelven la rejilla cúbica de la casa se mueven en presencia del viento, cambiando la forma y el aspecto de la vivienda. La casa se percibe como una forma dinámica y cambiante, a ratos transparente y etérea. Para la Casa sin habitaciones (The House without Rooms Project, 1974), la propuesta parte de un volumen escultórico de aspecto pétreo cuyo interior es tallado y perforado para hacerlo habitable. La roca, como nueva naturaleza artificial, se muestra geometrizada.


Desde 1977, Abraham se interesó por Venecia y sus elementos configuradores, la laguna, los canales y los puentes, los efectos de la luz y las sombras, el agua y los reflejos. Como había hecho anteriormente Le Corbusier, realizó una propuesta para un hospital (1979) donde incorpora todos estos elementos sin caer en las referencias históricas. A partir de la década de 1980, Raimund Abraham, que ya había alcanzado reconocido prestigio gracias a sus proyectos teóricos, comienza a participar en concursos internacionales donde presentó propuestas que aspiraban a ser modelos ideales como respuesta a las situaciones planteadas. Destacan sus proyectos para la Times Tower (1984) de Nueva York, una iglesia ubicada en el muro de Berlín o el concurso para la reconstrucción del World Trade Center (2002).



De su escasa obra construida, sobresale el Foro Cultural Austríaco (1992-2002) de Nueva York. El solar, ubicado en el Midtown de Manhattan, fue todo un reto para el desarrollo del proyecto, al poseer unas dimensiones de únicamente 7’5 metros de frente urbano y 25 metros de profundidad. La torre resultante alcanza los 85 metros de altura, resuelta a partir de un sencillo esquema en planta, con el núcleo de comunicación vertical y de servicios en la parte posterior de la parcela. Una serie de juegos y relaciones entre su sección y alzados establece la configuración formal definitiva del edificio. La monotonía de la fachada queda rota gracias a su inclinación y a la disposición de cuerpos y volúmenes de formas variadas que se agrupan escalonadamente, con reminiscencia a la arquitectura postmoderna.


Para Raimund Abraham, construir no es la esencia de la arquitectura o su condición necesaria. Construir no es sólo edificar con hormigón y acero, también se puede construir con palabras y dibujos. Cada una de estas construcciones posee una realidad diferente y unos medios de expresión propios. De entre todas sus posibilidades, Abraham eligió, mayoritariamente, no-construir arquitectura.

 

Abraham murió el 4 de marzo en un accidente de coche en Los Ángeles, a los 76 años. Aunque vivía a caballo entre Nueva York y Ciudad de México, visitaba California con frecuencia, pues era profesor en el Southern California Institute of Architecture. Momentos antes de morir había pronunciado una conferencia. Sus últimas palabras de recomendación a sus alumnos fueron: "No necesitáis ser esclavos en las oficinas de las empresas ni uno de esos arquitectos famosos. Lo único que necesitáis es papel, lápiz y el deseo de hacer arquitectura".

 

Álbum de fotos:

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Fuente:  https://arquitecturayempresa.es/noticia/no-construir-arquitectura-la-obra-de-raimund-abraham

 

 

 

 

 

 

3. dic., 2020

 

Rafael Bergamín Gutiérrez (Málaga1891-Madrid1970) fue un arquitecto español. Sus actividades profesionales le acercan al denominado racionalismo madrileño, construyendo uno de sus primeros exponentes: la Casa del Marqués de Villora (sita en calle de Serrano nº 130). ​ Fue también autor de algunas colonias de casas baratas como el El Viso y el Parque-Residencia​ y desarrolló durante veinte años (1938-1958) una fructífera labor arquitectónica en Caracas.

 

Hijo de Francisco Bergamín García —conocido ministro de la Restauración como miembro del Partido Liberal-Conservador— y de Rosario Gutiérrez López —católica fervorosa—, tuvo doce hermanos entre los que figura el escritor José Bergamín. Estudió en la Escuela de Arquitectura de Madrid (1918) y fue uno de los primeros en introducir en España el racionalismo. Carlos Flores le considera componente de la Generación del 25.

 

Tertuliano habitual de la Sagrada Cripta del Pombo, creada por Ramón Gómez de la Serna en el Café Pombo, realizó una intensa colaboración con el arquitecto Luis Blanco Soler, compañero de la misma promoción, en la Ciudad Universitaria, particularmente en la Fundación del Amo (1928-1930), desaparecida durante la batalla desarrollada en ese campus en el comienzo de la defensa de Madrid durante la guerra civil española.

 

En este periodo diseña igualmente la Casa del Marqués de Víllora (1928-1929) y más tarde, en 1931-1932, la Colonia Parque Residencia que construye, con Gregorio Iturbe y Javier Gómez de la Serna (hermano de Ramón) en un lugar en promoción cercano al Paseo de la Castellana. Como continuación de este levantó la Colonia El Viso (1933-1936). Uno de sus más importantes proyectos fue el Sanatorio Antituberculoso de Los Montalvos a unos 8 km de Salamanca, obra del año 1935, de un depurado racionalismo, que no se terminará hasta 1948. Partidario de la Segunda República, debido a la guerra civil se exilió en Venezuela, donde coincidió un tiempo con su hermano José en Caracas. ​ Llegó a principios de febrero de 1938 en el barco Colombie.

 

En sus viajes Bergamín había entrado en contacto con "revolucionadores de la arquitectura y de las artes plásticas en general —GropiusLe CorbusierTheo van Doesburg— entusiasmado, sobre todo en Holanda, con el ladrillo, cuya vuelta propugna. Caracas es todavía una ciudad teñida en lo arquitectónico de herencias coloniales, pero está a punto de comenzar a ser una capital moderna, con empuje y en pleno desarrollo económico. Bergamín contribuirá a ello con sus realizaciones personales, su espíritu emprendedor y su magisterio”, explicó en su tiempo Agustín Rodríguez Sahagún. ​

 

Aunque fracasan sus negociaciones con el gobierno venezolano para recibir un encargo público de urbanismo, Bergamín realiza ya el primer año una obra importante en Caracas: el Teatro-Cine Ávila, que ocupa la parcela en la que se encontraba el Gran Hotel, donde el arquitecto se alojó al llegar a la capital venezolana. Derribado este, en su lugar se emplazó el proyecto realizado conjuntamente por Bergamín y el venezolano Henrique García Maldonado. Construye también sus primeras quintas, en las urbanizaciones El Paraíso y La Florida —hay asimismo proyectos no realizados, como un Barrio Obrero con 300 casas y urbanización, siguiendo la pauta de las colonias económicas que diseñó en Madrid— e inicia su colaboración con la prensa, escribiendo artículos en los que, centrándose en el caso de Caracas, analiza temas de urbanismo.

 

Por último, el prolífico año inicial de estadía en Venezuela termina con la creación de la empresa de proyectos y construcción Velutini y Bergamín C. A., fundada junto con los ingenieros Rafael Emilio Velutini y José María Manrique. Al año siguiente construye una serie de cines —Hollywood, América, Plaza, Los Jardines— y al subsiguiente, proyecta y ejecuta la reforma del Almacén Gathmann Hnos. "Para el año de 1941, Bergamín ya había realizado en Caracas 155 proyectos, de los cuales se habían ejecutado 42. En 1942 plantea a los Ejecutivos municipal y nacional, con los proyectos en la mano, la necesidad de construir un metro como forma de resolver el problema del transporte colectivo de la capital. Este proyecto será una de sus obsesiones a lo largo de los años.

 

En 1943 Bergamín proyecta y construye el edificio Madrid, edificio de su propiedad, y en el que será significativo su nombre, remembranza nostálgica de la ciudad perdida. También realiza la Urbanización San Martín, conjunto de viviendas que recuerda las tratativas de Residencia y El Viso". Otras edificaciones suyas en Caracas son "Ambos Mundos (1944-1945), Sociedad (1945) Studebaker (1950); los bancos Unión (1945), Caracas (1951), Mercantil y Agrícola (1952-1953), Venezolano de Crédito (1952-1953) y Maracaibo (1955), en los que creó un tipo que durante años definió la imagen de edificio bancario en Caracas; y una gran cantidad de viviendas, incluyendo su propia casa, Las Moradas (1950)".

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Bergamín fue profesor de Urbanismo en la recién creada Escuela de Arquitectura de la Universidad Central de Venezuela (1944) y uno de los fundadores de la Sociedad Venezolana de Arquitectos (1945). Pero la nostalgia por su patria acabó por hacerlo regresar a España en 1959. Ese mismo año publicaría su libro 20 años en Caracas: 1938-1958 (Gráficas Reunidas, Madrid, 1959). Falleció en Madrid en 1970.

 

Álbum de Fotos: 

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Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Bergam%C3%ADn